Biografía de Diego Rivera, artista del siglo XX julio 2018

Biografía de Diego Rivera, artista del siglo XX

¿Quién fue Diego Rivera?

Diego Rivera nació en Nació en Guanajuato, México,  intentó hacer un arte que reflejara la vida de los mexicanos. En 1921, a través de un programa de gobierno, inició una serie de murales en edificios públicos, de los cuales, algunos fueron muy controvertidos. Uno de ellos fue, el hombre en la encrucijada en el edificio RCA de Nueva York, que contó con un retrato de Vladimir Lenin, cuya obra fue detenida y destruida por la familia Rockefeller quienes le habían encargado este mural.

¿Cómo se desarrolló Diego Rivera?

Se cree que Diego Rivera fue uno de los principales artistas del siglo XX, su pasión por el arte surgió desde el principio. Comenzó a dibujar cuando era un niño, a la edad de 10 años. Posteriormente, Rivera se fue a estudiar arte en la Academia de San Carlos de Bellas Artes en ciudad de México. Una de sus primeras influencias fue el artista José Posada, quien colocó una imprenta cerca de la escuela de Rivera.

En 1907, Rivera viajó a Europa para continuar sus estudios de arte. Allí, se hizo amigo de muchos artistas de la época, incluyendo a Pablo Picasso. Rivera también fue influenciado por las obras de Paul Gaugin y Henri Matisse, entre otros.

En este sentido, Diego Rivera tuvo algo de éxito como pintor cubista en Europa, pero el curso de los acontecimientos mundiales cambiaría fuertemente el estilo y el tema de su trabajo. Inspirado en los ideales políticos de la Revolución Mexicana (1914-15) y la revolución rusa (1917), Rivera quería hacer que su arte reflejara la vida de la clase obrera y los pueblos originarios de México. Él desarrolló un interés importante en la creación y pintura de murales durante un viaje a Italia, encontrando inspiración en los frescos del renacimiento de ese país.

Al regresar a México, Rivera comenzó a expresar sus ideas artísticas con temas del país. Recibió financiamiento del gobierno para crear una serie de murales sobre los habitantes y su historia en las paredes de edificios públicos. En 1922, Rivera terminó el primero de los murales de la Escuela Nacional Preparatoria en la ciudad de México. Igualmente, en su vida personal, Rivera fue conocido por numerosos devaneos con las mujeres, se casó con la artista Frida Kahlo en 1929. Ya había estado casado dos veces antes de casarse con Kahlo, que era 20 años más joven. También, tenía varios hijos de sus anteriores relaciones. Rivera y Kahlo compartían el interés por la política radical, el marxismo y la pintura.

En la década de 1930 y 40, Diego Rivera pintó varios murales en los Estados Unidos. Algunas de sus obras crean controversia, sobre todo el que le hizo a la familia Rockefeller en el edificio RCA, en Nueva York. El mural, conocido como el “Hombre en la encrucijada” ofrece un retrato del líder comunista ruso Vladimir Lenin. El artista, según informes, había incluido a Lenin en su obra al retratar la turbulenta atmósfera política de ese tiempo, que fue definida en gran parte por entrar en conflicto las ideologías capitalista y socialista, así como por los crecientes temores al partido comunista. Los Rockefeller se disgustaron por la inserción de Rivera de Lenin  en el mural, por lo que, conminaron a Rivera a quitar el retrato, pero el pintor se negó. Entonces, los Rockefellers le pidieron a  Rivera dejar de trabajar en el mural. Por lo que, en 1934, el famoso Nelson Rockefeller ordenó la demolición del mural “Hombre en la encrucijada”.

En la década de 1930, Rivera pasó por un período lento, en términos del trabajo. Igualmente, Rivera no tenía comisiones de murales importantes alrededor de este tiempo por lo que se dedicó a la pintura de otros trabajos y con otro estilo.  Así, mientras Rivera y Kahlo tuvieron una relación tormentosa, decidieron divorciarse en 1939. Pero la pareja se reunió el año siguiente y se volvió a casar,  organizando el exilio del comunista León Trotsky en su casa durante este período.

Posteriormente, Rivera volvió a los murales con uno para la exposición internacional del Golden Gate de 1940 en San Francisco. No obstante, en la ciudad de México, pasó a partir la 1945 a 1951 trabajando en una serie de murales denominados “De la civilización prehispánica a la conquista.” Su último mural se llamó “Historia Popular de México”.

Diego Rivera perdió a su esposa, Frida Kahlo, en 1954. Al año siguiente, se casó con Emma Hurtado, su marchante de arte. Por este tiempo, la salud de Rivera estaba en decadencia. Por lo que habría viajado al extranjero para el tratamiento del cáncer, pero los médicos no pudieron curarlo.

¿Por qué es importante el trabajo artístico de Diego Rivera?

Durante su vida, Rivera se convirtió en un referente como un miembro de la comunidad que utiliza sus talentos para contar las historias de la clase obrera. Su trabajo ayudó a inspirar programas como los del Presidente de Estados Unidos Roosevelt, en el  Federal Art Project, que empleaba a artistas para pintar escenas de la vida cotidiana en los edificios. Su trabajo también influyó en pintores muralistas posteriores como Ben Shahn y Thomas Hart Benton así  como en el impresionista abstracto Jackson Pollock. Además y tal vez lo más importante, es que Diego Rivera asumió el arte de la galería y del dominio público para que más gente pudiera disfrutar y apreciar la belleza de sus obras.

Desde su muerte, Diego Rivera es recordado como una figura importante en el arte del siglo XX. Por lo tanto, su casa de la infancia es ahora un museo en México. Igualmente, su vida y su relación con Frida Kahlo han seguido siendo un tema de fascinación y la especulación. En la pantalla grande, el actor Rubén Blades protagonizó a Rivera en la película de 1999, titulada: la cuna se moverá. Igualmente,  Alfred Molina traería a Rivera a la vida, en la película biográfica con Salma Hayek, Frida, que se estrenó en el 2002 y resultó muy aclamada.

¿Cuáles fueron las técnicas pictóricas utilizadas por Diego Rivera?

En sus pinturas resalta la simplicidad pero están colmadas de simbolismo y significado. Los colores vibrantes se frotan en la madera, un método común para la pintura sobre superficies duras, para sus obras en madera. Las formas geométricas ofrecen contrastes atrevidos e intensos, con cada figura. También pintó en óleo sobre madera. Así mismo, utilizó  la paleta tenue, formas aplanadas y realizó un uso no convencional de la perspectiva que sugiere respeto del artista por Cézanne y sus paisajes, cuando estuvo en Europa.

¿Cuáles son las principales obras pictóricas de Diego Rivera?

De sus múltiples obras sobre todo murales, se destacan algunas de las más relevantes que se describen a continuación:

Vista de Toledo (1912)

Un impresionante homenaje a dos maestros favoritos de Rivera, El Greco y Paul Cézanne. La vista de Toledo es un ejemplo de la tendencia de Rivera para unir los enfoques tradicionales y modernos en su obra. El paisaje es una reelaboración del paisaje de 1597 de la famosa pintura de El Greco, cuya obra Rivera estudió durante su tiempo en España. La versión de Rivera incluso utiliza el mismo punto de vista del viejo maestro de español. Al mismo tiempo, la paleta tenue, formas aplanadas y uso no convencional de la perspectiva de sugieren respeto del artista por Cézanne, sus paisajes L’Estaque. Obra de arte también documenta el inicio de la fase cubista de Rivera.

La Maternidad, Angelina y el niño (1916)

Esta pintura es un tratamiento del cubismo en su versión moderna, con un tema artístico e histórico, como lo es la  Madonna y el niño. En su pintura, Rivera plasma a Angelina, la que fue su esposa por doce años, cargando a su hijo recién nacido Diego, quien murió de influenza unos meses después de su nacimiento. La pintura ilustra de manera hermosa, el enfoque único del cubismo de Rivera, en el cual rechaza la paleta de sombra monocromática, de Picasso y Braque, a favor de los colores vivos más reminiscentes que los utilizados por los artistas futuristas italianos tales como Severini y Balla.

Paisaje Zapatista, La Guerrilla (1915)

Este trabajo pintado durante la estadía de Rivera en Paris, despliega el cubismo, un estilo con el que este pintor caracteriza al movimiento revolucionario, desplegando al líder Emiliano Zapata, visto en esta obra con atributos tales como el rifle, la mandolina, el sombrero y el sarape. Esta obra está realizada en forma de collage, es sugestiva de lo sintético, más que de la fase analítica del cubismo. Ejecutada durante la revolución mexicana, esta pintura es descrita por el autor como la expresión más fehaciente del humor mexicano jamás lograda. Manifestando la creciente polarización del trabajo de Rivera.

La Creación  (1922–23)

Este mural fue una asignación de la primera comisión del Ministro de Educación Mexicano, José Vasconcelos, considerado uno de los primeros murales de Rivera, y el toque de piedra para el muralismo mexicano. En palabras del artista significa el origen de la ciencia y el arte, una versión condensada de la historia humana. Este mural es una composición alegórica compleja, que combina el judeo cristianismo mexicano con motivos helénicos. Igualmente, despliega un importante número de figuras alegóricas, entre ellas, la fe, la esperanza, la caridad, la educación, la ciencia, todas similarmente representadas con aspectos sin errores mexicanos. La figura de la canción fue modelada por Guadalupe Marín, quien luego fue la segunda esposa de Rivera. A través de tales aspectos del trabajo, como el uso de las hojas doradas, y las monumentales figuras alongadas, el mural refleja la importancia del arte bizantino italiano desarrollado por Rivera.

El hombre, controlador del Universo (El hombre en la máquina del tiempo), 1934  

Tal como lo indica el título, este mural es una poderosa representación de la raza humana, en la encrucijada de las fuerzas del reforzamiento, la competencia y las ideologías, la ciencia, la industrialización, el comunismo, el capitalismo. Revelando la dedicación de Rivera por el comunismo y otras causas del ala izquierdista. La pintura tiene en el centro un trabajador heroico rodeado por cuatro cuchillos tipo tropel. Igualmente, el mural contrasta el retrato de las mujeres en la sociedad vistas hacia la izquierda, con un recuadro solidario de Lenin rodeado por los proletarios de diferentes razas hacia la derecha. Este mural fue comisionado por el Gobierno mexicano, el mismo es una recreación en pequeño pero idéntica del hombre en la encrucijada del mural de Rockefeller.

El cargador de flores (1935)

Como muchos de los cuadros de Rivera, el portador de la flor proporciona simplicidad, sin embargo, exuda mucho simbolismo y significado. Los colores vibrantes se frotan en la madera, un método común para la pintura sobre superficies duras. La pintura colorida muestra a un hombre campesino en ropa blanca con un sombrero amarillo, luchando con todas sus fuerzas,  dramáticamente  para cargar una gran cesta de flores que está atada a su espalda con una cinta amarilla. Una mujer, probablemente esposa del campesino, está parada detrás de él tratando de ayudar con el soporte de la canasta en su intento de llegar a sus pies.

Mientras que las flores en la cesta son de gran  belleza al espectador, el hombre no ve su belleza, sino sólo su valor como él las lleva al mercado para la venta o intercambio. Las formas geométricas ofrecen contrastes atrevidos e intensos, con cada figura, elemento y follaje ilustrado para reflejar el individualismo. Algunos creen que la enorme cesta atada a la espalda del hombre es representante de los gravámenes de un trabajador inexperto en un mundo moderno y capitalista.

Obsérvese  los colores audaces y brillantes que utiliza. Con el uso de las sombras hace el tema destacar del fondo de la pintura, casi como si las figuras se contornearan. Compare el tamaño del hombre con el tamaño de la mujer. El hombre lleva la carga pesada, pero parece ser una persona más pequeña que la mujer que pone la carga en su espalda.

La pintura de la Vendedora de flores (1941).  

Fue pintada en 1941 y representa a una joven mujer de rodillas con un bulto muy grande de flores de cala. Sus ropas son sencillas, sin embargo ella fue pintada de manera colorida y cuidadosa como una típica mujer joven de México, a principios del siglo XX. Las doble trenzas en el cabello indican que ella es una chica joven que aún no se ha casado. No se puede ver su cara porque ella la tiene, frente a los lirios, con los brazos alrededor del paquete. El resto de la imagen es oscuro, así que no hay definición de la base de que ella se sienta sobre un fondo detrás de los lirios. La carga de las calas parecen demasiado grande, sin embargo, el título indica que ella pretende para venderlas. Diego decide ocultar su cara porque ella está luchando silenciosamente con su carga, tal vez simplemente se preparaba para un día en el mercado elevando cuidadosamente sus flores.

Desnudo con Alcatraces (1944)

Es una de las pocas obras que hizo ese año. Carece del punzante comentario social y político tan frecuente en las pinturas de Rivera. Esta pintura fue originalmente hecha en óleo sobre madera en 61,8 x 48,8 en / 157 x 124 cm, la pintura se realizó justo después de sus dos grandes murales para el Instituto Nacional de Cardiología y antes  del enorme mural de la ciudad de Tenochtitlán.  Así mismo, Rivera, no es de extrañar, que sea mejor con los temas más humildes y con frecuencia celebró la relación de los campesinos y la naturaleza. El lirio, una flor sensual, escultural y ejemplo por excelencia de la exuberante flora de México, fue pintado por Rivera muchas veces, especialmente en los frescos que representan campesinos con características indígenas llevando paquetes u ofertas de estos lirios a los mercados.

Biografía de Diego Rivera, artista del siglo XX
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Biografía de Diego Rivera, artista del siglo XX
Descripción
Diego Rivera nació en Nació en Guanajuato, México,  intentó hacer un arte que reflejara la vida de los mexicanos. En 1921, a través de un programa de gobierno, inició una serie de murales en edificios públicos, de los cuales, algunos fueron muy controvertidos.
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