¿Cuál es la historia de la pintura?
El arte en todas sus formas de pintura, escultura, dibujo y grabado, apareció en grupos humanos en todo el mundo en el período Paleolítico superior, aproximadamente de 40.000 a 10.000 años atrás. En Europa, sofisticadas y potentes pinturas de este período se han descubierto en cuevas como las de Lascaux en Francia. Igualmente, en 1994 obras asombrosas fueron encontradas en la cueva de Chauvet en el valle del Ardéche, también en Francia. Así mismo la historia de la pintura , se consideran las primeras pinturas realizadas y consisten en pigmentos tales como los colores tierra que se frotan en la roca. En algunos casos estas pinturas aparecen en primer lugar mezcladas en una pasta. Por lo que, estas pinturas en su mayoría representan animales pero hay también algunas imágenes humanas.
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Desde entonces la pintura ha cambiado en esencia muy poco. Así, los soportes evolucionaron desde las paredes rocosas, a través de las paredes de los edificios, a los soportes portátiles de papel, madera y tela, particularmente lona. La gama de pigmentos se expandió a través de una amplia variedad de tierras y minerales, a los extractos y colores sintéticos modernos. Los pigmentos se han mezclado con agua y goma para hacer una pintura, pero en el siglo XV en Europa la innovación del uso de aceite (linaza) produjo un medio recientemente flexible y durable que desempeñó un papel importante en la explosión de la creatividad en la pintura occidental en el Renacimiento y después. Al mismo tiempo el tema ha sido ampliado para abarcar casi todos los aspectos de la vida (géneros).
Principales períodos de la pintura
Los diversos períodos que se describen a continuación, dan cuenta de la evolución de la pintura como arte a lo largo del tiempo.
Periodo Prehistórico
En el arte prehistórico, la pintura rupestre abarca cualquier arte parietal que consiste en la aplicación de pigmentos de color en las paredes, pisos o techos de refugios de roca antigua. Una pintura rupestre monocromática es una imagen hecha con solamente un color (generalmente negro). Mientras que la pintura rupestre policroma consiste en dos o más colores, ejemplificado por las gloriosas imágenes multicolores de bisontes en el techo en Altamira, o el magnífico Uros en la sala de los toros en Lascaux. En contraste, el término del dibujo en cuevas, se refiere (en sentido estricto) a sólo un dibujo grabado, es decir, una de las líneas de corte en la superficie de la roca con una herramienta de piedra o pedernal, en lugar de uno hecho dibujando líneas con carbón o el manganeso.
Pintura Prehistórica
En la actualidad no se tiene una idea cierta de cuando comenzó la pintura prehistórica en cuevas. Una teoría vincula la evolución del arte en la edad de piedra a la llegada de seres humanos anatómicos modernos en Europa durante el período del Paleolítico superior. Según esta teoría, el desarrollo del arte rupestre coincidió con el desplazamiento del hombre de Neandertal por el hombre anatómicamente moderno, alrededor del 40.000 ADC. De hecho, fue sobre esta fecha que el arte rupestre comenzó a surgir en las cuevas y abrigos rocosos del mundo, pero sobre todo en la región del Franco-Cantabriano. Así, se cree que la pintura fue primero, seguida luego por el arte mobiliario, ejemplificado por las figurillas de Venus portables como la Venus de Hohle Fels (38-33.000 A.C.).
En términos generales, las técnicas de pintura y materiales en las cuevas fueron mejoradas siglo por siglo. Así, se observan las pinturas monocromáticas de la cultura Auriñaciense (40-25.000 A.C.) que dan paso al arte policromatico del Gravetiense (25-20.000 A.C.), hacia el apogeo de la pintura rupestre que se reconoce tradicionalmente que se produjo durante la época Magdaleniense (10,000 A.C), en Les Combarelles, Font de Gaume, Lascaux y Altamira. Durante el Magdaleniense tardío, la edad de hielo terminó y un período de calentamiento global llevó a la destrucción del hábitat del reno Magdaleniense, junto con su cultura y su arte rupestre.
La mayoría de las pinturas rupestres era figurativa y casi siempre fue de animales. Al principio, los artistas de la edad de piedra pintan animales depredadores (leones, rinocerontes, felinos dientes de sable, osos) casi tan a menudo como animales de caza tales como bisontes y renos, pero de la época solutrense las imágenes que dominaban eran de animales de caza. Retratos de seres humanos era una ocurrencia muy rara y eran generalmente muy estilizados y menos naturalistas que las figuras animales.
Las imágenes abstractas (signos, símbolos y otras marcas geométricas) también eran comunes y comprenden en realidad el tipo más antiguo de arte paleolítico en las cuevas de la tardía edad de piedra, como lo demuestran resultados recientes sobre pinturas en El Castillo y Altamira. Además de pintura de figuras e imágenes abstractas, las cuevas prehistóricas están decoradas también fuertemente con pinturas rupestres, a mano y con plantillas, que según una investigación reciente por Dean Snow de la universidad de Pennsylvania, fueron hechas por mujeres, pero los hombres y los niños también participaron. Algunos de los mejores ejemplos de este tipo de pintura son las plantillas de mano de la cueva de Gargas (Haute-Garonne), el Panel de manos estampadas en Chauvet (Ardéche) y las impresiones a lo largo de la Cueva de las Manos (cueva de las manos) en Argentina.
Pintura Oriental
Las Pinturas murales de la vida de la corte fueron encontradas en la tumba de Xu Xiang Xiu, de la dinastía norteña 571 D.C., situado en Taiyuan, provincia de Shanxi, China, con pinturas sobre seda que representan a un hombre a caballo, y otra de un dragón, fechada entre los siglos V y III A.C., periodo de los estados guerreros, de Zidanku en tumbas de la Provincia de Changsha, Hunan. Así, la historia de la pintura oriental incluye una amplia gama de influencias de diferentes culturas y religiones. Por lo que, la evolución en la pintura oriental se encuentra históricamente en paralelo con la pintura occidental, en general algunos siglos antes. Por lo tanto, el arte africano, judío, islámico, el arte indio, chino, coreano y el arte japonés cada uno tuvieron influencia significativa en el arte occidental y viceversa.
La Pintura China es una de las más antiguas tradiciones artísticas continuadas en el mundo. Las pinturas más antiguas no eran representativas, sino ornamentales, y consisten en patrones o diseños en lugar de fotos. Igualmente, la cerámica temprana fue pintada con espirales, zigzag, puntos o animales. Por lo que, fue solamente durante el período de los Estados Guerreros (403-221 A.C.) que artistas comenzaron a representar el mundo alrededor de ellos. Así mismo, la pintura japonesa es uno de los más antiguas y más altamente refinadas de las artes japonesas, abarcando una amplia variedad de géneros y estilos.
La historia de la pintura japonesa es una larga historia de síntesis y competencia entre la estética japonesa nativa y la adaptación de ideas importadas. Por su parte, la pintura coreana, fue una forma independiente, comenzó alrededor del año 108 A.C., con la caída de Gojoseon, convirtiéndola en una de las más antiguas del mundo. El arte de la pintura de esa época evolucionó en los distintos estilos que caracterizan los tres reinos del período de Corea, especialmente las pinturas y frescos que adornan las tumbas de la realeza de Goguryeo. Por lo que, la pintura coreana se caracterizó principalmente por una combinación de paisajes de estilo coreano, rasgos faciales budistas centrada en temas y con énfasis en la observación celestial facilitada por el rápido desarrollo de la astronomía coreana.
Pintura del Este Asiático
China, Japón y Corea tienen una fuerte tradición en la pintura que también se une al arte de la caligrafía y grabado. Así, la pintura oriental tradicional se caracteriza por la técnica del agua, menos realismo, temas elegantes y estilizados, con un enfoque de representación gráfico, dando importancia al espacio en blanco (o espacio negativo) y una preferencia por el paisaje como sujeto. Por lo tanto, se utilizó la tinta y color sobre seda o rollos de papel, oro sobre laca fue también un medio común en el arte de la pintura del Asia oriental. Aunque la seda era un medio un tanto caro para pintar la invención del papel durante el siglo I D.C. por el eunuco de la corte Han Cai Lun proporciona no sólo un medio barato y extenso para la escritura, sino también un medio barato y generalizado para la pintura haciéndola más accesible al público.
Las ideologías del confucionismo, el taoísmo y el budismo desempeñaron papeles importantes en el arte de la pintura del Asia oriental. Sin embargo, la pintura visualmente impresionante, fue el retrato de Luohan por la riqueza de detalles y colores brillantes, opacos, en contraste con un marrón brumoso y anodino de arbolado entorno. También, las copas de los árboles están envueltas en la niebla que remolina, proporcionando el común espacio negativo mencionado en el arte de Asia oriental.
Pintura de la India
Las pinturas indias históricamente giraban en torno a las deidades religiosas y Reyes. El arte indio es un término colectivo para diversas escuelas de arte que existía en el subcontinente indio. Las pinturas variaron entre grandes frescos de Ajanta y las pinturas de miniatura mogol intrincadas, así como los trabajos del metal adornados de la escuela de Tanjore. Las pinturas de Gandhar-Taxila son influenciadas por los trabajos del persos en el oeste. El estilo oriental de la pintura se desarrolló sobre todo alrededor de la escuela de arte de Nalanda. Las obras se inspiran sobre todo en varias escenas de la mitología India.
Las pinturas indias más antiguas son las pinturas rupestres prehistóricas, los petroglifos encontrados en lugares como refugios de la roca de Bhimbetka, son los más antiguos, del 5500 A.C. Tales trabajos continuaron después de varios milenios, tallados en pilares de Ajanta, Maharashtra. De igual manera, los colores utilizados eran sobre todo de distintos tonos de rojo y naranja, que se derivan de minerales. De allí que, las cuevas de Ajanta en Maharashtra, en la India son monumentos excavados en la roca que se remontan al siglo II A.C. y que contienen pinturas y esculturas consideradas obras maestras del arte religioso budista y el arte pictórico universal.
Pintura Egipcia, Griega y Romana
Las pinturas más importantes que se reportan de estas civilizaciones fueron realizadas en paredes funerarias de terracota griega helenística en el siglo III A.C. Por lo tanto, el antiguo Egipto, está considerado una civilización con tradiciones muy fuertes de la arquitectura y escultura, pintadas originalmente en colores brillantes. Ellos también realizaron muchas pinturas murales en templos y edificios, así como ilustraciones pintadas en manuscritos de papiro. Igualmente, la pintura decorativa y pintura de pared egipcia era casi siempre gráfica, a veces más simbólica que realista. Así mismo, en la pintura egipcia se representaban figuras en contorno negro y silueta plana, en la que la simetría es una característica constante. Esta pintura egipcia tiene estrecha relación con la lengua escrita, caracterizada por los jeroglíficos egipcios que son símbolos pintados se encuentran entre las primeras formas del lenguaje escrito.
En este mismo sentido, los egipcios también pintan sobre lienzo, remanentes que han sobrevivido hasta hoy en día. En tanto que, las pinturas egipcias antiguas sobrevivieron debido al clima extremadamente seco. De igual manera, un hecho trascendente es que los egipcios antiguos crearon pinturas para hacer de la vida futura de los difuntos un lugar agradable. Los temas incluyen viajes a través de la inmortalidad o sus deidades protectoras introduciendo a los difuntos a los dioses del inframundo. Algunos ejemplos de tales obras son las pinturas de los dioses y diosas Ra, Horus, Anubis, tuerca, Osiris e Isis. Igualmente, algunas pinturas de las tumbas muestran las actividades de las que los fallecidos participaron cuando estaban vivos y que desean continuar haciendo por toda la eternidad.
Al norte de Egipto se ubicaba la civilización minoica en la isla de Creta. Por lo tanto, las pinturas murales encontradas del Palacio de Cnosos era similar a la de los egipcios, no obstante mucho más libre en estilo. Por lo que, para el 1100 A.C., las tribus del norte de Grecia conquistaron Grecia y el arte griego tomó un nuevo rumbo.
Por otra parte, de la pintura griega se tiene evidencia de un fresco que muestra a Hades y Perséfone montando un carro, de la tumba de la reina Eurydice I de Macedon en Vergina, Grecia, siglo IV A.C. Por lo que, Grecia antigua tenía pintores expertos, escultores, y Arquitectos. Por lo tanto, el Partenón es un ejemplo de la arquitectura que ha perdurado a tiempos modernos. Igualmente, la escultura griega de mármol se describe a menudo como la más alta forma de arte clásico. Así mismo, la pintura sobre cerámica de la antigua Grecia, así como la cerámica misma, da un vistazo particularmente informativo de la forma como la sociedad en la antigua Grecia funcionaba.
Por otra parte, la pintura de las figuras negras y rojas en los floreros y vasijas da muchos ejemplos de la calidad de la pintura griega. Algunos pintores griegos famosos realizaron obras en paneles de madera, y algunos de los que se mencionan en los textos son: Apelles, Zeuxis y Parrasio. Sin embargo no existen ejemplos de la pintura del panel griego antiguo, de la que sobreviven sólo escritos y descripciones por sus contemporáneos los romanos, más recientes. Así, el realismo de las pinturas era tal que se miraban aves tratando de comer las uvas pintadas. Apelles se describe como el pintor más grande de la antigüedad por su técnica perfecta en el dibujo, de brillante color y modelado.
Pintura Europea
Considerada como una de las mejores del mundo, la colección de pintura europea contiene más de 3.500 obras que datan desde el siglo XII hasta el siglo XX. Las tenencias incluyen un grupo raro de pintura española, italiana y del norte de Europa del siglo XV, también una importante selección de pinturas del siglo XVII y XVIII. Obras principales impresionistas y postimpresionistas están entre sus participaciones más significativas.
Las primeras pinturas específicamente europeas son las minoicas, desde el arte Paleolítico, común en todas las civilizaciones. Estos frescos decorativos, altamente desarrollados de Creta fueron de sacerdotes y sacerdotisas, de toros, delfines nadando, flores, paisajes y animales. El impulso para representar la vida cotidiana es tan antiguo como el arte de la pintura, pero se extiende más allá de lo mundano para invocar lo numinoso, con escenas de la práctica ritual. Así, las pinturas en la antigua Grecia incluyen vasijas adornadas, pinturas de pared y de panel, estos últimos eran los más altamente valorados, aunque lamentablemente ninguno de ellos, ni tampoco más adelante los paneles romanos, han sobrevivido.
Los paneles y pinturas murales parecen haber tenido como objetivo un muy alto grado de realismo. Así la pintura de la técnica del ojo truncado ya era un género floreciente, y las anécdotas sobre artistas como Apeles, Zeuxis y Parrasio refieren a su capacidad para engañar el ojo, pues los caballos que relinchan sólo se ven en los caballos pintados de Apeles, las aves que intentan comer uvas en las pinturas de Zeuxis, la cortina por Parrasio que Zeuxis intentó dibujar. También eran comunes las pinturas de figuras, pero el grupo de los retratos sobrevivientes sólo decorativos datan del siglo II, así como los casos romanos de la momia de Fayum, de Egipto.
En otro orden de ideas, la pintura europea después de la caída de Roma fue una reacción del realismo: aunque temprano, el arte cristiano continúa en la tradición clásica, del arte medieval temprano, referido a la enseñanza en imágenes claras y sin ambigüedades, sin complicaciones por la perspectiva, modelando el claroscuro o estudiando los detalles anatómicos, ya que estas técnicas poco a poco cayeron lejos. Pinturas medievales eran casi exclusivamente religiosos y necesitan para transmitir historias y alegorías para una población principalmente analfabeta, proyectando dentro de capillas e iglesias mal iluminado. Así retablos solían contener figuras santas (fácilmente reconocibles por símbolos o colores de vestiduras) en un espacio poco profundo, no interactuando con los demás y dado el estado por su tamaño relativo.
Ahora bien, al realizarse el intercambio cultural entre el Extremo Oriente y Occidente, por la llegada a Europa de piezas de arte y manufacturas chinas, se produjo una importante tendencia en los lenguajes ornamentales que floreció desde el siglo XVII. En el siglo XIX, la influencia de Japón sobre el arte occidental fue mucho más decisiva. Este impacto del arte japonés se denominó como el fenómeno del Japonismo. Por lo que, la interacción entre las culturas asiáticas y occidente es uno de los elementos más significativos para la historia. Ya que, la imagen con la que Oriente ha influenciado el arte a lo largo de la historia ha sido dinámica y cambiante. En el terreno de la influencia artística, se han de considerar dos variables, por una parte, el progresivo aumento del conocimiento del arte y la cultura del Extremo Oriente y, por otra parte, el propio desarrollo del arte europeo, que ha buscado en Oriente un complemento distinto en cada momento, a su propio arte.
La gran influencia del arte japonés como inspiración para el arte contemporáneo ha sido ampliamente estudiada, especialmente en los impresionistas, post-impresionistas, simbolistas y modernistas. Desde la restauración Meiji (1868), los intelectuales y artistas de París descubrieron en el arte japonés una vía para enriquecer la cultura de su tiempo, de modo que en la década de los años 80, más que una novedad, el Japonismo era ya una corriente consolidada y difundida a las principales capitales europeas y americanas.
Pintura Occidental
En Occidente, la pintura al fresco, alcanzó su mayor grado de desarrollo a finales de la edad media y durante el renacimiento, se fundamenta en la aplicación de pintura sobre yeso fresco o seco. También se encontró otra variedad de pintura antigua como lo fue la pintura al temple, que consiste en la aplicación de pigmentos en polvo mezclados con yema de huevo sobre una superficie preparada, en un lienzo sobre tabla. De igual manera, a través del renacimiento, la pintura al óleo ocupó el lugar del fresco y del temple. Puesto que, tradicionalmente se pensaba que esta técnica había sido desarrollada a finales de la edad media por los hermanos flamencos Jan van Eyck y Hubert van Eyck, pero en la actualidad se cree que fue inventada mucho antes. Así mismo, otras técnicas implementadas en la pintura occidental fueron el esmalte, la encáustica, el guache, la grisalla y la acuarela. Por lo que, en años más recientes, se ha extendido el uso de las pinturas acrílicas, con base de agua, de rápido secado y que no se oscurecen con el paso del tiempo.
A lo largo de los siglos, se han venido trabajando y desarrollando diferentes métodos y estilos artísticos, así como teorías relacionadas en el campo del arte para, en algunos casos, reaparecer en épocas posteriores con alguna modificación. Por lo tanto, en el renacimiento, la pintura al fresco en muros y techos fue luego sustituida por la pintura de caballete al óleo, pero ha vuelto a recobrarse y actualizarse en el siglo XX con las obras de los muralistas mexicanos. Es así como existe una necesidad de expresar siempre emociones intensas por medio del arte, lo que une a pintores diferentes como el español, el greco, del siglo XVI, y los expresionistas alemanes del siglo XX. Por lo tanto, en el extremo de los intentos de los expresionistas por revelar la realidad interior, siempre ha habido pintores queriendo representar de manera exacta y precisa los aspectos exteriores. Por lo que, a lo largo del tiempo, ha habido una alternancia entre el realismo y el simbolismo, la contención clásica y la pasión romántica, a lo largo de la historia de la pintura, poniendo en evidencia afinidades e influencias significativas
Pintura Paleocristiana y Bizantina
La influencia de Roma y Grecia en Europa se cree que comienza en las muestras de la pintura paleocristiana que data de los siglos III y IV, que son frescos realizados en las catacumbas, en los que se plasman escenas del Nuevo Testamento, cuya característica son el estilo y convención artística de origen en el mundo clásico. En uno de ellos aparece Jesús como el Buen Pastor, que se cree es una figura adaptada de las representaciones del dios griego Hermes. Igualmente, se cree que la resurrección es una representación de la historia de Jonás liberado de la ballena, en el Antiguo Testamento. Así mismo, se reporta que las obras más emblemáticas de este periodo paleocristiano son los mosaicos del siglo VI de las iglesias de Ravena, Italia, destacando los de San Vital, en los que se encuentran plasmados temas tanto espirituales como profanos. De igual manera, destacan las figuras estilizadas y alargadas colocadas en las paredes de las iglesias, puestas de frente, mirando al espectador con los ojos muy abiertos y que parecieran flotar ingrávidas y atemporales.
Pintura Prehispánica en América
La influencia de Europa en la pintura en América, se encuentra evidenciada en las pinturas murales de Teotihuacán y las poblaciones vecinas de Tetitla y Tepentitla en México. Estas pinturas murales expresan la visión de la creación del Universo según los antiguos mesoamericanos pobladores de esa zona, situada en el norte y el centro de América, entre los siglos II a.C. y VIII d.C. De igual manera, en la pintura se refleja una tendencia mayormente divina, tal es el caso de la descripción del viaje que emprende el alma a través de la influencia del cristianismo en lo que se llamaría cielo e infierno, reflejando la inquietud respecto a la trascendencia del ser humano a su existencia terrenal. Igualmente, se aprecian alegorías de los elementos más preciados, como el agua, la sangre, la vida, la serenidad, que están plasmados en frescos dedicados a Tláloc, deidad de la lluvia, y al paraíso visto desde la postura mesoamericana. Además se han encontrado escenas de la vida y la historia prehispánica plasmadas en libros pintados, también resaltan las pinturas murales de Cacaxtla, en Tlaxcala, y de Bonampak, en Yucatán (México). En estas obras quedaron retratadas escenas bélicas vivas y ceremoniales donde se refleja el dramatismo del dolor y el orgullo del triunfo. El uso de los colores como el fondo azul maya y el detalle de las vestimentas de los personajes que lucen elegantes penachos, armamentos, joyería, calzados, máscaras, sientan las bases fundamentales de la plástica americana. En un detalle de los frescos de Bonampak (785 d.C.) se vislumbran escenas de prisioneros desmayados sobre escalinatas muy bien logrados de la pintura antigua. También, es importante mencionar el hecho de que tomarían varios siglos hasta que las culturas de América tuvieran contacto con las europeas para que se desarrollara alguna influencia extra continental.
