El Teatro Neoclásico, aspectos de la dramaturgia octubre 2018El Teatro Neoclásico, aspectos de la dramaturgia octubre 2018

El Teatro Neoclásico, aspectos de la dramaturgia

¿Qué es el Teatro Neoclásico?

El Teatro Neoclásico, surge a partir de los escritos poéticos de Luzán en 1737, producto de un intenso debate en el que se discuten todos los aspectos de la dramaturgia, tales como  la estética, las reglas que han de seguir las obras, el arte de la representación, la disposición de los locales, la finalidad social entre otras. Impugnando y defendiendo las obras de ese tiempo y las copias degradadas que se realizaban de las mismas, en referencia a autores tales como Lope, Calderón, grandes literatos del siglo anterior. Por lo tanto, se proponen y aprueban una serie de reformas que conforman posteriormente los principios del teatro Neoclásico, como fueron:
-La separación total en los géneros para evitar confusión.
-La conservación de la regla clásica de las tres unidades, de una sola acción que se lleva a cabo en un solo lugar y en un tiempo máximo de 24 horas.
-El afianzamiento de la finalidad didáctica mediante el empleo de temas útiles para la sociedad, sosteniendo los principios de la  enseñanza práctica.
-El fortalecimiento del planteamiento verosímil, acorde y parecido con la realidad.
-La estructuración de las obras en tres actos.

¿Cómo se desarrolló el Teatro Neoclásico?

Teatro neoclásico, se refiere a un movimiento que se dio a mediados del siglo XVII, definido por las ideas y estilos de antiguas sociedades griega y romana. Por lo tanto, este teatro neoclásico, se forma con los principios de la gente del tiempo que coloca un foco pesado en decoro, en la conducta digna y realista,  puesto que creían que las principales razones del teatro era proporcionar entretenimiento y enseñar una lección. Así, la principal característica de la escenografía neoclásica era el gran paisaje intrincado, el drama elaborado  y  la estricta preocupación de los clásicos proveniente de la pintura, como lo era el movimiento, con la mayoría de las producciones caracterizadas a través de cinco actos, pocas prestaciones y un alto nivel de improvisación. El movimiento comenzó en Francia pero se extendió rápidamente por toda Europa y más allá.

La filosofía durante la época neoclásica fue que los períodos anteriores habían sido  demasiado laxos, centrándose excesivamente en las emociones y el individuo. De la época creían que era necesario ejercer como resultado algunas restricciones y concentrarse más en lo que cada persona puede contribuir a la sociedad entera. Por lo tanto, se buscó inspiración para realizar estas reformas, en las culturas de los antiguos griegos y romanos, los clásicos originales y se intentó volver a la manera en que los grupos habían manejado la vida y las artes.

En este sentido, se siguieron las llamadas cinco reglas, porque la actitud de los neoclásicos hacia el exceso y el individuo llevó a desarrollar este estricto conjunto de directrices para lo que era apropiado en el teatro. Estas cinco reglas básicas fueron: pureza de forma, cinco actos, verosimilitud y realismo, decoro y propósito. Por lo tanto, las casas teatrales, generalmente rechazaron los scripts y  producciones que no cumplieran con estos requisitos.

Los dramaturgos y actores en el período neoclásico reconocieron oficialmente sólo dos tipos de teatro, la comedia y tragedia. Nunca mezclaron estos juntos, y la restricción llevó a la utilización del ahora bien conocido símbolo del par de máscaras felices y tristes que simbolizan las artes teatrales.

Por otra parte, disposiciones adicionales rigen el objeto y personajes que podrían aparecer en cada género del teatro neoclásico. Así, las comedias, que eran sátiras y comedias de costumbres, tienden a centrarse en las clases más bajas de la sociedad, mientras que tragedias retrató la vida compleja y fatídica, en las clases altas y reales. Igualmente, la adhesión a estos géneros fue crucial para el éxito de la obra, y la desviación de los límites de clase fue contra la orden de los clásicos.

La forma en la que el teatro debía ser estructurado con los exactamente cinco actos vinculados a los tres principios, o unidades, fueron ideados por Aristóteles. Como filósofo y analista, creía que el teatro realista requería la necesaria unidad de acción, lugar y tiempo, es decir, muy pocas parcelas, restricción de cambios en la ubicación o geografía y manteniendo la línea de tiempo de no más de 24 horas. De igual manera, la dramaturgia que se trasladó a diferentes formatos generalmente recibieron pesadas críticas. Por lo tanto, debido a la limitación de las cinco reglas, a las producciones más serias le fueron dados sólo una que otras  actuaciones, porque los implicados quería evitar la creación de espectáculos y atraer a la élite,  aprendiendo en la sociedad, por lo que, dio lugar a audiencias mucho más pequeñas.

La Escenografía, Organización y Vestuario

La escenografía, el sistema y conjuntos de trajes del teatro neoclásico fueron dramáticos, elaborados y ricos. Estaban diseñados para proporcionar un telón de fondo exuberante a cada escena y ayudar a la audiencia a que se introdujeran ellos mismos en el drama. Otro objetivo era proporcionar una ilusión realista de  profundidad y percepción. Por lo tanto, los escenarios fueron rediseñados durante este período con arcos dramáticos para resaltar las escenas y múltiples puntos de entrada al escenario. La idea de cambiar el escenario y telón de fondo se vuelve más prominente, particularmente con la invención del sistema de la polea, para permitir que las piezas se pudieran mover más rápidamente a través del escenario. De igual manera, la Iluminación y efectos de sonido aumenta el estado de ánimo y el mensaje de cada escena, enriqueciendo la experiencia dramática.
Naturalmente, las prendas grises se habrían mirado algo fuera de lugar en el contexto de estos nuevos decorados y escenografías. Por lo tanto, aunque los trajes mantienen el sentido del realismo, seguían siendo muy coloridos, a menudo con encajes y otros adornos para hacerlos más atractivos. A veces, en la actuación  también se utilizaban máscaras, manteniendo el estilo de comedia del teatro neoclásico.

La Improvisación
Por otra parte, para la improvisación en muchos casos, los dramaturgos proporcionan sólo un contorno flojo de un complot, y se esperaba que los actores improvisaran para rellenar los huecos. Esto fue más frecuente con las comedias, pero ocurrió en ambas formas, ya que la actuación a menudo fue una decisión espontánea que no siempre permitía mucho tiempo para escribir o ensayar. En algunas compañías, se contrataban actores especializados en un muy limitado número de personajes, para luego poder capturar personas mejores sobre la marcha, y muy pocos actores se dedicaron a realizar las mismas actuaciones durante toda su carrera.

La Introducción de las mujeres

Por cientos de años, sólo los hombres podían estar en el escenario. La opinión general era que las mujeres no debían participan en espectáculos públicos y las puestas en escena,  en una posición más prominente, y algunas personas creían que las mujeres estaban tan ocupadas pensando en otras cosas que posiblemente no podría recordar y ofrecer líneas correctamente. Así, los niños prepuberales y los hombres podían manipular su voz para tener como resultado papeles femeninos. Durante el período neoclásico, sin embargo, las mujeres podían ser accionistas de compañías de teatro y participar en las producciones, dando por resultado el pago de las primeras profesionales  actrices.

¿Cuales son los tipos de Teatro Neoclásico?

En el teatro neoclásico los géneros que más resaltaron fueron:  la tragedia neoclásica y la comedia.

El Drama Neoclásico

El concepto de drama se originó en los escritos de los eruditos italianos del siglo XV y llegó a dominar el escenario en los siglos 17 y 18 siglo, dando origen en Francia al drama neoclásico. Así, los teóricos neoclásicos abogaron por un retorno a los valores y las convenciones del drama griego clásico y fueron entonces configurados bajo estos principios. En particular, se le atribuye una gran importancia a la poética de Aristóteles y a las unidades de tiempo, lugar y acción en las obras teatrales. Por lo tanto, fue en Francia, donde las unidades se convirtieron y formalizaron rígidamente,  en el estilo teatral neoclásico, alcanzando su máxima expresión en las obras de Cornielle y Racine (aunque tragicomedia de 1637 de Corneille Le Cid provocó una tormenta por la desviación de las unidades).  Por el contrario, neoclasicismo nunca echó raíces en el teatro inglés, a pesar de sus ilustres defensores como fueron, Johnson y Dryden, cuyas tragedias heroicas rimadas tuvieron cierto éxito. Así, la tragedia de verso en blanco de Joseph Addison Cato (1713) fue probablemente la más popular obra neoclásica en el escenario inglés.  En Francia la tragedia neoclásica eventualmente dio paso al drama burgués aunque gozó de un breve renacimiento en algunas de las obras de Voltaire. El movimiento como un todo fue arrastrado por el advenimiento del romanticismo.
La tragedia en el teatro neoclásico

En un intento de traer de vuelta la forma antigua que había estado sucediendo durante algún tiempo a través del canal inglés, en Francia, se crea el género de la tragedia clásica francesa, cuyos parlamentos son de Pierre Corneille Cid (1637) y de Jean Racine Bérénice (1670) y Phèdre (1677), por lo que no intentaron hacer un teatro popular del teatro isabelino. Las obras fueron escritas por y para la aristocracia intelectual, que se escenificaban en teatros de élite, patrocinada por la realeza y nobleza. Pasado el bullicio y esplendor de las tragedias isabelinas, con sus adiciones de cualquier modo y estados de ánimo del pensamiento de dramaturgos de ese entonces, los dramaturgos franceses se sometieron a la severa disciplina que se deriva de los modelos griegos y especialmente a las reglas, de su propia interpretación, establecida por Aristóteles. Estrictamente, se observaron las unidades de lugar, tiempo y acción.

Un tema frecuente en la tragedia, del teatro neoclásico era el conflicto entre la pasión y la razón. El camino de la razón era el camino del deber y la obligación (nobleza obliga), y ese camino había sido claramente trazado por los moralistas y filósofos, antiguos y modernos. En este sentido no había nada exploratorio en la tragedia francesa, pues se insistía en las normas morales y espirituales. Las normas nunca fueron criticadas y probadas cuando Esquilo desafió a los dioses del Olimpo o como cuando fueron representadas por Marlowe con gran simpatía, un sorprendente alcance del renacimiento. Así, el Cid de Corneille muestra cómo el deber triunfa sobre la pasión, y, como recompensa el deber al héroe y la heroína que están felizmente Unidos.
Por otra parte,  en la España del siglo XVIII, la tragedia fue considerada la forma más adecuada para el teatro didáctico, por lo que,  este tipo de obras acabó fracasando porque la ahogó el sometimiento estricto a las normas neoclásicas, la ausencia del sentido teatral y la inexistencia de una tradición y un público. Así, la tragedia histórica en el teatro neoclásico español, era protagonizada por personajes ejemplares que sirvieron como modelos y que pasaban por pruebas en las que triunfan su virtud, patriotismo y nobleza, recurriendo con mucha frecuencia,  a los héroes históricos pasados. En suma, se retrata un mundo en el que solo caben los sentimientos sublimes, los protagonistas pertenecen a la clase social alta y donde el final  suele ser feliz.

La comedia y el teatro neoclásico

Las Comedias escritas durante el período del Renacimiento eran a menudo similares en esquema, implica una situación compleja, se crea un número de personajes, malos entendidos, identidades equivocadas y similares, a continuación, se agrega un elemento de suspenso y finalmente todos las complicaciones son reveladas a la satisfacción de la mayoría de los personajes. En tanto que, la Comedia romántica no tenía nada directamente que ver con la sociedad contemporánea. De hecho, la configuración de la mayoría de las actuaciones era en lejanos reinos o países extranjeros exóticos. Cualquier referencia social inmediata era generalmente incrustado en la fantasiosa historia del teatro.

La comedia en el teatro neoclásico

Por su parte, en el período neoclásico, la sociedad contemporánea se convirtió en una de las preocupaciones centrales del dramaturgo cómico. Una época de equilibrio, precisión y regularidad, como generalmente se considera la edad neoclásica, insiste sobre ciertas normas de comportamiento en la sociedad. La risa del irregular, excéntrico individuo debe ser traída de vuelta a la normalidad. Mientras que el mismo principio fue aplicado a la comedia de Shakespeare en general, con la identificación de tipos sociales reales en las actuaciones, no era tan obvia como se convirtió en Molière. El mismo tema de la comedia neoclásica se convirtió en problemas implícitos en la sociedad. Aunque este tipo de drama, “Comedia social”, requiere una cierta fe en el valor de la sociedad, el dramaturgo no necesariamente aprueba todos los aspectos de su sociedad contemporánea. Por lo tanto, la risa es invocada, cuando un personaje se sale de su comportamiento en las normas sancionadas de la sociedad, pero también este personaje es  evocado a menudo  de la  “norma” en sí misma.

Por lo tanto,  en la comedia neoclásica se hace un repetido énfasis en la perspectiva “racional” del comportamiento, tal es el caso de la obra de Cándido de Voltaire la cual fue ridiculizada por la aceptación irracional de una filosofía popular. En Inglaterra, antes, Jonathan Swift se refirió a la racionalidad de una manera similar. En muchos de las actuaciones de Molière los personajes, incluso cuando están en el error, mantienen su actuación dentro los motivos puramente racionales y de una manera más recogida. Expresan repetidamente el deseo exasperado que el resto del mundo actúe igualmente de manera racional. Por lo tanto, el lector puede ser sorprendido por el número de veces que aparece la palabra “razonable” en este contexto en las obras de Molière. A menudo es utilizado por personajes de la oposición para añadir fuerza a sus propios puntos de vista contradictorios.
Por su parte, en el teatro neoclásico español, destaca como máximo exponente Leandro Fernández de Moratín, quien es el único de los dramaturgos neoclásicos que consigue crear una forma valiosa de comedia, para ello fusiona la comedia urbana y la sátira de costumbre. Une por lo tanto,  dos actitudes, una crítica de raíz intelectual que pone de relieve los vicios y errores de la sociedad, otra sentimental de raíz afectiva que destaca la verdad y la virtud. De esta forma cumple con la finalidad didáctica del teatro neoclásico. Así, los personajes son más cercanos a los espectadores ya que describen a la clase media. Paralelamente a estas dos corrientes, se desarrolló el llamado teatro costumbrista, cuyo máximo representante es Ramón de la Cruz.

El teatro costumbrista

Es aquel que refleja la vida, la sensibilidad de seres y ambientes que le son reconocidos al autor y a los que trató de trascender por los medios habituales de su oficio. La principal característica es el Sainete: pieza corta (uno o dos actos) de carácter cómico que puede estar escrito en verso o en prosa. El principal cultivador de Sainetes es Ramón de la Cruz.

¿Cuál es el legado del Teatro Neoclásico?

Mientras los puritanos cerraron los teatros en Inglaterra, uno de los grandes florecimientos del drama ocurría en Francia. Por el 1660s, el neoclasicismo había emergido como la tendencia dominante en el teatro francés. Por lo tanto, el Neo-clasicismo francés representa una versión actualizada del teatro clásico griego y romano.

La tragedia neoclásica fue la forma más didáctica y moralizadora del teatro. Se pretendía transmitir un ideal en defensa de la libertad y opuesto a la tiranía de los gobiernos de ese tiempo. En tanto que la comedia neoclásica estaba dirigida a la clase media, contaba con personajes particulares, y tenía  una temática doméstica con un lenguaje cómico, humorístico  y sencillo, con el que se pretendía en cierto modo distender el estado de cosas que se vivía para ese momento.

En este sentido el teatro del neoclasicismo fue parte importante en el desarrollo de la literatura y de la infraestructura, para llegar a conocer la que hoy en día se puede apreciar todo ha sido una constante evolución de técnica, por lo tanto, todo lo que hoy se tiene como teatro, fue debido a la incorporación de nuevas formas y escenarios que tuvieron como base entre otros al teatro neoclásico.

¿Cuales fueron los mayores representantes del Teatro Neoclásico?

Mientras que había muchos dramaturgos exitosos durante el movimiento neoclásico, tres dramaturgos lograron un significativo éxito y notoriedad. Pierre Cornielle (1606 – 1684) a menudo es llamado al padre de la tragedia francesa, escribiendo guiones por más de cuatro décadas. Jean-Baptiste Poquelin, mejor conocido como Molière (1622 – 1673), reconocido por sus comedias. Jean Racine (1639-1699) que fue un dramaturgo amado por su planteamiento simplista en la acción y el logro de los lingüísticos ritmos y efectos.  Así, estos tres hombres fueron capaces de tomar elementos de literatura griega y romana clásica para transformarlos en obras que se adhirieron a las normas neoclásicas de decoro, tiempo y espacio.

El Teatro Neoclásico, aspectos de la dramaturgia
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El Teatro Neoclásico, aspectos de la dramaturgia
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Teatro neoclásico, se refiere a un movimiento que se dio a mediados del siglo XVII, definido por las ideas y estilos de antiguas sociedades griega y romana
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