Definición del surrealismo ¿Qué es el arte surrealista? 2024

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¿Qué es el arte surrealista? Definición

Podemos decir que la definición de arte surrealista es un modelo que busca inspirar cambios surrealista con obras conceptuales sin necesidad de que estas sean figurativas. Este movimiento empezó en Francia por lo que el dadaísmo tomo fue una de sus bases en la década de 1920, se desarrolla como una manera de poder olvidar la realidad y encontrar alguna forma de que el artista se encierre en sí mismo, un impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional. Surgió como parte del avance de las vanguardias artísticas que querían representar ideales diferentes a los academicistas, rompiendo las leyes de la pintura tradicional y con un fin de llamar la atención del espectador de manera directa, con imágenes no realistas y en muchos casos ni siquiera figurativas.

Este estilo de arte intenta encontrar la inspiración en la mente del artista, es decir, intenta olvidar todo pensamiento lógico o racional ya que en este estilo de arte la realidad no nos ayuda para poder representar una nueva obra con una distinta expectativa. Es por ello por lo que el pintor no representa temas que hablen de experiencias pasadas, de objetos, de cambios, entre otras cosas, su objetivo principal es representar la realidad que no ven los demás, es decir, una realidad que está en el inconsciente o los sueño. Es por esto, por lo que el arte surrealista es uno de los estilos de arte más difícil de comprender e interpretar.

La poesía fue el inicio del surrealismo y más tarde se extendió a la pintura y a la escultura, extendiéndose a lo político a partir de 1925, identificándose con la ideología comunista.

El arte surrealista empezó con La interpretación de los sueños de Freud en 1901. las ideas de Freud al principio no eran bien consideradas pero poco a poco sus ideas fueron calando en el imaginario filosófico y artístico del momento y los artistas del momento impregnados de sus teorías, empezaron a describir, a dibujar, a pintar o a moldear ese mundo fuera del ámbito de la conciencia.

Fue André Breton quien escribió “Manifiesto surrealista” en el año 1924, según André Breton ya en la posguerra se desarrolló un nuevo arte, este nuevo arte representaba la fantasías y los sueños de los artistas y no la cruel realidad que en esos momentos había. Aunque este tipo de movimiento tenía unos principios políticos y por eso se asoció al Partido Comunista Francés. Por esta razón, se crearon ideas contradictorias y el estilo de arte empezó a deteriorarse.

Características del arte surrealista

Como hemos dicho anteriormente, esta clase de arte se caracterizaba por hacer representaciones magia, del inconsciente, de fantasías y de sueños, además de la irracionalidad que tenían las obras. Entre las características más conocidas podemos destacar:

Pretende acceder a la esencia última de la realidad adentrándose en los campos profundos del pensamiento y dejando a éste libre de toda sujeción racional.
Mezclan objetos, sentimientos y conceptos que la razón mantiene separados, apareciendo asociaciones libres e inesperadas de palabras, metáforas insólitas, imágenes oníricas y hasta delirantes.
Es una forma de vida. Breton exalta la «espera y disponibilidad» vital necesarias para entrar en trance con objetos, símbolos y personas, con grandes encuentros fortuitos y pasajeros, con un amor «loco», con un fundamento mágico, no sentimental, recurriendo al la crueldad y al humor.
Las estrechas relaciones iniciales entre surrealismo y marxismo hacen que se despliegue toda una visión liberadora del hombre, un hombre nuevo. En cierto modo el surrealismo inaugura una nueva forma de leer.
Para conseguir esa finalidad de liberar al ser humano de las represiones personales y sociales, los surrealistas se valieron de una serie de técnicas que buscaban la libertad de creación y olvidando la razón.
Tanto las formas como los objetos carecían de su significado tradicional, es decir, el artista quiere que el espectador quede desorientado.
Se crean imágenes erróneas de forma que una cosa u objeto puede interpretarse de diversas maneras.
Lo artista daban importancia a la destrucción, el misterio, lo paradójico y lo absurdo, entre otras cosas.
Muchas de las obras serán una crítica a la vida moderna.
La imaginación se utilizará como lógica.
La fabricación de objetos, la cinematografía y la fotografía.
El ensamble de objetos y los collages.
Dibujos creados con el roce de superficies rocosas, estos dibujos se les denomina Forttage.
Utilizaban un método llamado “Cadáver Exquisito”, esta técnica se basaba principalmente en que varios artistas dibujaban diversas partes de un texto o una figura.
Cualquier manera de expresión que tenía la mente no poseía ningún control sobre lo demás.
La inspiración se basaba en los pensamientos prohibidos y ocultos, el sexo será usado de manera impúdica.

Entre otras características estas son las más destacadas, ya que todo artista del arte surrealista buscará la manera de poder desubicar al observador.

El Surrealismo Abstracto

Se caracteriza por aplicar el automatismo puro, por lo que los artistas inventan universos figurativos propios. Así, en el automatismo las ideas y las asociaciones de imágenes, tienen un surgimiento y origen de forma rápida, espontánea, fluida, no tomando en cuenta para nada la coherencia y el sentido.

Los representantes más relevantes son: Masson, Miró o Klee ya que ellos crean en sus obras universos figurativos personales partiendo del automatismo más puro. Por lo tanto, en el surrealismo abstracto se hace más énfasis en los aspectos cromáticos, formales, estructurales de una obra, sin imitar modelos o formas naturales.

Por lo que, es un arte más bien subjetivo que representa formas libres surgidas de la imaginación del creador. Así con la abstracción se puede lograr transmitir diversos tipos de sensaciones, que pueden ser de agresividad, de calma, de dinamismo, de reposo, de desorden, de armonía. En consecuencia, cuanto más regular sea la forma abstracta más sensación de estabilidad, calma y reposo transmite. Por el contrario, si la obra es más irregular tiende a transmitir sensaciones de desorden, agresividad, movimiento y agitación.

Otra característica importante del surrealismo abstracto es que tiende generar un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha edificado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, exaltando la fuerza del color y convergiendo en la abstracción lírica o informalismo, también partiendo de la estructuración cubista, que configura las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

El surrealismo Figurativo

Esta corriente nace en Europa, en Francia, después de la primera guerra mundial, siendo uno de sus máximos representantes Salvador Dalí. Por lo que, no hay más que ver sus obras para extasiarse con la forma como Salvador Dalí envuelve al espectador al internarlo en el mundo surreal de sus magníficas pinturas. En las que dimensiona su mundo interior y como lo percibe llevándolo al mundo real. Así, con ese mundo fantástico recreado se trae de vuelta al espectador que está en el mundo real, a su mundo interior.

Así al estudiar su psiquis los psicólogos y psicoanalistas afirman que la única forma que tuvo Salvador Dalí de lidiar con la separación de su mamá desde el nacimiento, fue recreando ese mundo interior que solo él podía dilucidar a través de sus pinturas. Así, en sus pinturas destaca del surrealismo figurativo, la forma casi fotográfica de las figuras.

Tipos de surrealismo

El Surrealismo surge como una corriente del pensamiento del que emerge una estética muy diferenciada, una ciencia de lo sensible que utiliza a la imagen para percibir la globalización. Está corriente del pensamiento se va extendiendo a la literatura, las artes plásticas, los medios audiovisuales, entre otras. Una característica trascendente de esta corriente de pensamiento es la identificación proyectiva con algo externo al sujeto que le permite tomar conciencia de lo que desde afuera le es reflejado de vuelta. Se divide en surrealismo figurativo y abstracto. Debemos recordar que en el dadaísmo Salvador Dalí es uno de los principales representantes que veremos un poco mas adelante.

El Surrealismo en la literatura

Es un movimiento artístico y literario que se inició en país francés a partir del arte dadaísta, en los años 1920, siguiendo pautas André Breton uno de los principales poetas de la época. Por lo tanto, los términos surrealismo y surrealista en la literatura según Guillaume Apollinaire en mayo de 1917, en un programa a mano que escribió para el musical Parade y en el mismo, afirma que sus autores lograron una integración entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el principio de un arte más amplio que estaba por llegar.

Desde la literatura surrealista, se avoca a una perfección de límpida belleza, buscando la perfección formal y el lúcido acierto de contenido, en una elegante creación literaria contemporánea. En esta corriente se manifiesta un conjunto de intuiciones e ideas de profunda coherencia. Por lo que, existe en la obra de los literatos representativos de esta corriente una estructura temática constante que se adopta en cada etapa poética. Puede variar la estructura externa, las formas de expresión elegida, los modos poéticos pero el fundamento, la esencia literaria persiste de manera inalterable. La estructura básica se reitera con diversas y significativas variantes, habiendo siempre una constante de fondo.

Haciendo una similitud a lo que es la música romántica en sus distintas variaciones en torno a un mismo tema, cada variante muestra una nueva apreciación, una nueva perspectiva. Por lo tanto, el conjunto entrega un mosaico final que remite siempre a un mismo punto supremo que apenas recobrado se pierde. Por lo tanto, el surrealismo en la literatura implica una teoría acerca del amor, de la vida y de la imaginación, de las relaciones entre el ser humano y el mundo.

La literatura más representativa es la de Octavio Paz, su imaginación no conduce tanto al juego irracional de la poesía coqueta de la corriente francesa, sino más al juego del destino como el juego de pelota de los dioses aztecas. Otro aspecto que la caracteriza y que también está representado en Paz, es la actitud ante el lenguaje, ya que tal como lo afirma Blanchot, considera que fue el surrealismo el que le concedió por primera vez vida a las palabras.

Así el movimiento nació como una operación fuerte realizada sobre el lenguaje, es decir la liberación imaginativa del lenguaje, donde al final el azar juega con la palabra. Esta consideración del lenguaje conlleva a una intrínseca referencia a lo sagrado a la otredad, a ese otro al que la conciencia del humano se dirige por esencia. Es decir el surrealismo quiere conservar la esencia de la conciencia religiosa rechazando lo que considera como su alienación.

Así desde esta corriente literaria, en el amor humano reside todo el poder de regeneración del mundo, en una suerte de divinización magnética de la mujer. Por lo tanto, el amor se considera la recuperación de los poderes perdidos, la unidad de los contrarios, la potencia del destino como el sueño y la inspiración poética. Igualmente, desde esta corriente la mujer comunica al ser humano con las fuerzas de la naturaleza y el oculto inconsciente en una manifestación de directa relación con el punto supremo o unidad de los contrarios (Martínez Torrón, 1983).

El surrealismo en las artes plásticas

El Surrealismo en las artes plásticas parte de que la forma es considerada el motivo central, el concepto clave, del arte y la arquitectura. Por lo tanto, se considera que las formas siempre transmiten valores éticos, remiten a los aspectos culturales, intercambian criterios sociales y se refieren a significados. En consecuencia, desde el surrealismo se quiere hacer ver que detrás de cada uno de los conceptos formales básicos existe una visión del mundo, una concepción del tiempo y una idea definida del sujeto.

Por esta razón, cada concepto formal no sólo se relaciona con las obras sino también con las teorías filosóficas y científicas. Toda la complejidad de la arquitectura y del arte del siglo XX se ha integrado desde el surrealismo en torno a conceptos esenciales que permiten relacionar entre sí las obras de arquitectura, artes plásticas, literatura, cine, fotografía y moda.

En este sentido, el desarrollo de los conceptos son interpretados como mecanismos creativos y mundos formales. Por lo tanto, desde el surrealismo se perfilan los conceptos de: Organismos, máquinas, con la abstracción y el racionalismo, realismos, subdividido en realismo humanista y en cultura pop, estructuras, distinguiendo la crítica radical, la crítica tipológica y el minimalismo, y dispersiones, con fragmentos, caos y energías, que luego generan las tendencias en las artes del siglo XX.

En otro orden de ideas, el surrealismo en las artes plásticas se caracteriza por un sistema estético y compositivo clásico, que a pesar de sus variables y evolución tiene unos criterios unitarios e intemporales basados en el orden, la proporción, la simetría, la armonía, la jerarquía y la representación, lo que permitió posteriormente entrar en una nueva era en que desaparecieron las leyes compositivas universales a las que dio origen esta corriente.

También se considera que el surrealismo en las artes plásticas fue un movimiento que buscaba descubrir la verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar las emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico. Sin embargo, en las artes plásticas lo que más caracteriza al movimiento es la creación de objetos y formas sin un significado tradicional, la creación de estas imágenes pueden llevar a la equivocación de manera que una misma cosa pueda ser interpretada de diferentes maneras. Dándole mucha importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.

En este sentido desde el surrealismo las artes plásticas en general se caracterizan por: las formas abstractas o figurativas simbólicas que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. La animación de lo inanimado, el aislamiento de fragmentos anatómicos, los elementos incongruentes, la metamorfosis, la creación de máquinas fantásticas, las relaciones entre desnudos y maquinaria, la evocación del caos, las perspectivas vacías, los universos figurativos propios.

Con técnicas específicas del arte surrealista, tales como el automatismo. Así el surrealismo en las artes plásticas se basó en imágenes e ideas que vienen del subconsciente. Por lo tanto, los aspectos racionales y lógicos son invalidados por el flujo espontáneo de los impulsos creativos de la mente surrealista del creador. La fabricación del arte surrealista es por lo tanto, en gran parte un proceso de la coincidencia.

El Surrealismo en los medios audiovisuales

Una característica resaltante del surrealismo en los medios audiovisuales es que las imágenes y reminiscencias se trabajan desde una lógica totalmente onírica y libre de toda represión de los sentidos. Por lo tanto, las películas surrealistas captan la atención al instante y, a partir de ellas, la imaginación se dispara hacia lugares insospechados.

Igualmente, desde el surrealismo, en la fotografía, se tomaron algunas técnicas como el collage, la cual fue llevada más allá creando otras imágenes nuevas. Por ejemplo los llamados objetos encontrados y más conocidos como los objetos ya hechos, fueron ampliamente representados en la fotografía surrealista. Estos objetos fueron descubiertos en el dadaísmo y el surrealismo, a partir de productos de desecho hallados por casualidad, tales como etiquetas, sellos, latas de conserva, objetos cotidianos, trozos de metal y tejidos gastados que se emplean en el collage. Por lo tanto, en el aprovechamiento artístico se le otorga a estos objetos de desecho una nueva función estética aparte del mecanismo de consumo.

Otras técnicas muy extendidas desde el surrealismo en el mundo de la imagen, son los llamados rayogramas o rayografias de Man Ray. Con está técnica surrealista, se realiza la obtención de imágenes sin cámara fotográfica. La misma, consiste en exponer papel fotográfico a la luz durante unos segundos. Luego, encima de ese papel se colocan objetos, y lo que se refleja en la “fotografía” será su forma. En consecuencia, el modo de trabajar de los fotógrafos se basaba en la representación inconsciente de la realidad y en la manipulación de las imágenes.

El surrealismo en la pintura

En el surrealismo y la pintura de 1928, cuyo máximo exponente es Breton, en la que se toma en consideración la psicología surrealista, del inconsciente definida como la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. Por lo tanto, el arte, en está esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo.

De allí que, se establece una conexión que se expresa de forma prioritaria en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que convergen el deseo del individuo y el devenir ajeno a él de manera imprevisible como también en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. Es así como, el surrealismo propone trasladar las imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión de la conciencia. De ahí que se elija como método el automatismo, recogido como testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas, pero cambiando radicalmente su interpretación, por lo tanto, lo que habla a través del médium no son los espíritus, sino el inconsciente.

Ernst (1891-1979), llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo ya que creó y utilizó la técnica del frotagge, la cual consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto dejando su huella en dicho papel, con todas las irregularidades. Así, las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación. Así una de estas obras con está técnica es la titulada: Ciudades, Europa después de la lluvia.

El Surrealismo con otros modelos artísticos

El surrealismo no solo es una opción artística, es también un movimiento que promueve la revolución integral, la liberación total del ser humano. Así su objetivo fue transformar la vida. Esta liberación total que buscan los surrealistas se centra fundamentalmente en dos áreas de la personalidad y de la vida. Por un lado buscan liberar al ser humano de sus propias represiones.

En este aspecto, se vincula con otros campos tales como la teoría del psicoanálisis de Freud. Así mismo, el surrealismo busca la liberación de la represión que sobre el ser humano ejerce la sociedad burguesa y su modelo de estado. En esta tendencia, el surrealismo se relaciona con el marxismo. Por lo tanto, los surrealistas buscaron llamar la atención del inconsciente del ser humano. Con ello buscaban provocar acciones, no ser entendidos.

Por ello, se debe considerar al surrealismo como un movimiento que rehumaniza el arte deshumanizado de las vanguardias, que cierra un periodo y supone la vuelta a temas existenciales, religiosos y sociales. Así en su relación con otros modelos artísticos, pueden citarse los siguientes rasgos, más significativos de toda la época vanguardista:

La realidad no es criticada sino que se accede a ella en su esencia, metiéndose en campos profundos del pensamiento y dejando a éste libre de toda sujeción racional y al margen de toda preocupación estética o moral.
Se concibe un universo nuevo que es el del subconsciente, capaz de producir obras inquietantes y extrañas, dominadas por la irracionalidad, la no-lógica y por las técnicas de libre asociación.
En consonancia con el rechazo de una visión informativa o descriptiva de la realidad, surge el concepto de lo maravilloso. En el Manifiesto surrealista queda plasmado claramente lo maravilloso por ser siempre bello. En consecuencia todo lo que se considere maravilloso, sea lo que fuere, es bello.
Como recursos destacados resalta siempre el uso de imágenes perturbadoras, la presencia de profecías, de los sueños, del humor negro y la crueldad (como vías contrarias al sentimentalismo), el satanismo y la alusión a objetos surrealistas.

Modos de hacer arte surrealista – características del surrealismo

Se distinguieron dos modos de hacer arte surrealista:

Una que defendía el automatismo, donde se encontraban los surrealistas abstractos como Joan Miró y André Masson, quienes creaban universos figurativos propios. En el automatismo las ideas y las asociaciones de imágenes, surgen de manera rápida, espontánea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido.
Y otra que creía que la figuración naturalista podía ser un recurso igual de válido. Donde los surrealistas figurativos como Salvador Dalí, René Magritte, , Paul Delvaux, Estéfano Viu o Yves Tanguy, se interesaban por los sueños y el realismo mágico.

Técnicas usadas en el arte surrealista

Se usaron varias técnicas artísticas en el surrealismo que vamos a conocer a continuación entre los mas populares que encontramos en la actualidad el collage y el caligrama que continua utilizándose no somos en colegios si no también en institutos.

Cadaver exquisito

Fue una de las principales innovaciones del arte surrealista, que consiste en la creación colectiva de un conjunto de imágenes o textos, un artista comienza una obra y se la pasa a otro artista, quien la continúa sin mirar lo que hizo el creador precedente, siendo el trabajo final una obra que se ha realizado de manera colectiva.

Caligrama

Es un poema, frase o palabra en la cual la tipografía, caligrafía o el texto manuscrito se arregla o configura de tal manera que cree una especie de imagen y esa imagen creada por las palabras expresa visualmente lo que la o las palabras dicen.

Collage

Es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado.

Automatismo

Es una técnica surrealista más importante desde el nacimiento del surrealismo hasta el día de hoy.

Ahumado

El ahumado o fumage, llamado en francés, es una técnica en donde las impresiones son hechas por humo sobre el papel o lienzo.

Cubomanía

Es un método para crear collages utilizando una imagen cortada en pequeños cuadrados y ordenados al azar, Gherasim Luca, fue el artista que más utilizó esta técnica.

Decalcomania

Esta técnica pictórica fue inventada por Óscar Domínguez, consiste en aplicar gouache negro sobre un papel, el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen.

Soufflage

Es una técnica surrealista creada por Jimmy Earns in donde una pintura líquida es aspirada para inspirar o revelar una imagen.

Las mujeres surrealistas

El surrealismo de los años 20 consideraba a la mujer un objeto artístico, como si fuera una musa de inspiración. Por ello, en aquella época, las artistas pasaron muy desapercibidas a los ojos de la crítica y el público. Sin embargo muchas de ellas fueron transgresoras y polémicas porque entendieron el surrealismo como una herramienta para reivindicar su libertad personal.

En las obras de las mujeres surrealistas se puede ver que ellas exploraron el inconsciente mediante sueños, trances inducidos, pensamientos y sentimientos. No obstante, la historia las dejó en un segundo plano inmerecido. Por lo que hoy en día se busca recuperar el protagonismo que estas mujeres siempre debieron tener. Así resurgen posteriormente plenamente libres, como creadoras de mundos únicos y originales todos, con acento femenino.

En 1924, André Breton lleva a cabo el Primer Manifiesto del Surrealismo, con el cual funda el movimiento surrealista que, aunque apoyaba en la teoría la igualdad y la opción artística de la mujer, en la práctica la consideraba como un objeto artístico, una musa o un objeto sexual. Sin embargo a pesar de la masculinidad de este movimiento, y del maltrato que el mismo, creado por hombres, le dispensó a la mujer, hubo un grupo de mujeres artistas que a partir de los años veinte fueron protagonistas y partícipes, en mayor o menor grado, del surrealismo.

¿Qué aportes hicieron?

Las décadas de los veinte y treinta del siglo veinte fueron tiempos tanto fértiles como controvertidos en los campos de las ideas, el arte y el progreso industrial. Especialmente en París, considerado el tesoro de todas las vanguardias de la época, donde se dio el fenómeno más revolucionario de la historia del arte contemporáneo como lo fue el movimiento femenino surrealista: artistas plásticas, escritoras, filósofas, inventoras, cineastas, mecenas y modistas solían trabajar juntas con absoluta espontaneidad, en un continuo fluir de ideas y colaboraciones tan natural entonces como lo es hoy en día, tanto la separación como el secreto entre las distintas disciplinas.

Así, un hecho trascendente del movimiento surrealista femenino, es que en aquella época, la moda era sólo alta costura, y estaba en manos casi exclusivamente de mujeres. Vionnet, Lanvin, Alix, Louise Boulanger y las hermanas Callot eran modistas notables y célebres, y cada casa de moda tenía su clientela. Igualmente, el movimiento surrealista femenino reflejaba que el poder era de ellas, teniendo a Coco Chanel, como la máxima representante de todas, quien introdujo en la costura los conceptos de juventud y racionalismo, y que dijo proféticamente que la moda que no se hace para las masas no es moda, pues según ella muere al nacer. Por lo tanto, Channel defendió siempre su trabajo como un oficio y no como un arte, por ello se considera que desde el surrealismo se le sigue debiendo a las mujeres la actual silueta.

Pintoras surrealistas

El surrealismo corresponde a una legión liderada por André Breton y artistas como Max Ernst, Salvador Dalí, Man Ray, Buñuel, Miró y Magritte, por citar algunos. No obstante este movimiento, tuvo también representantes femeninas muy importantes, que merecen especial importancia y estudio más allá de mujeres surrealistas famosas como Leonora Carrington o Remedios Varo. Se presenta a continuación una interesante lista compilada de siete artistas que se deberían conocer desde el arte y los sueños.

Las mujeres surrealistas contribuyeron a este movimiento en aspectos tales como el estilo narrativo con conciencia feminista, ya que desde el ámbito artístico consiguieron reflejar en sus obras la relación entre la ciencia y el arte, buscando revelar el orden interno del mundo fantástico tomado de sus experiencias personales, buscando lo racional en el mundo de la fantasía, la naturaleza, la alquimia, lo sobrenatural, unido a la mujer como fuente de sensibilidad y poderes regenerativos. Así en las obras de Remedios Varo, una de sus representantes, se observa está reconciliación de estos dos mundos tanto el científico como el mítico, dando origen así a la trascendencia y a la reencarnación.

Escultoras surrealistas

La primera asociación de los artistas escultores con el mundo del surrealismo fueron las esculturas en bulto redondeado. Aunque tuvieron en los años 1915 fascinación por las formas orgánicas y el orden de la renovación biomórfica que se interpreta en las formas ovaladas. De igual manera, se resalta la disposición de los elementos de la escultura de una manera horizontal, tal como se observa en la obra de Giacometti en sus juegos de mesa. También Elisa Breton quien elaboró cajas surrealistas y esculturas con diversos objetos.

Así mismo se evidencia desde la escultura, la impresión que dan los objetos al espectador al aproximarse, que no parecen más que ocupantes modificados que nadan en corrientes opuestas, tal es el caso de la obra de Arp en la que se concretan entidades contorneadas. Igualmente se observa en la obra de estos escultores la forma fantástica de disponer y llevar a lo palpable las formas de los objetos, como proyecciones internas de la realidad. Así, en la actualidad una de las escultoras más representativas del surrealismo es la estadounidense Nancy Fouts quien trabaja y expone esculturas surrealistas de objetos ordinarios y cotidianos, animales o símbolos, transformándolos y ordenándolos, con un carácter distinto al original. Afirmando que su obra no tiene profundidad pero que divierte y hace sonreír a la gente.

Fotógrafas surrealistas

El surrealismo influenció fuertemente la fotografía en el sentido de que indaga en lo más profundo del ser humano el subconsciente y el mundo de los sueños para tener una comprensión del humano como una totalidad. Así el mayor aporte estuvo en la creación de innovadoras técnicas tales como el fotomontaje, los rayogramas, las schadografías y el fotocollage, las cuales se apoyaron en la luz y soportes sensibles, aun así dejando de lado la cámara fotográfica.

Otra característica que proviene del surrealismo en la fotografía es que la imaginación se muestra de manera muy evidente, sin ponerle obstáculos a la mente o la razón. Se muestra la creencia de una realidad superior, en la omnipresencia del sueño y la funcionalidad real del pensamiento, apartando toda preocupación estética y moral.

Así es creencia de los fotógrafos surrealistas que para realizar este tipo de fotografías no se requiere de un excesivo trabajo digital en ellas. Porque afirman que por un lado está el retocar, añadir o quitar algún elemento y por otro muy diferente está el construir toda la composición de forma digital, valiéndose inclusive de las fotografías de otras personas o de bancos de imágenes. Resulta interesante destacar la obra de Claude Cahun, poética y con rasgos autobiográficos, en la búsqueda del mito personal y la exploración constante de los límites del género en los trajes de diversa índole.

Cineastas surrealistas

El surrealismo influenció en el cine con la creación de técnicas específicas, tal es el caso de las técnicas cinematográficas como el efecto «flou» y la sobreimpresión, que quedan perfectamente reflejadas en la obra de Germaine Dulac, en uno de sus títulos más emblemáticos como lo fue: La souriante Madame Beudet (1923). En el cine surrealista los cineastas vivían en una constante experimentación, muchas veces como vías de escape de sus propias inquietudes y conflictos, no importando tanto el contenido sino más bien los retratos psicológicos que plasmaban.

Por otra parte, una de las mayores influencias del surrealismo en el cine, lo fue sobre la fotografía documental, lo que permitió posteriormente desarrollar la técnica cinematográfica del documental, que se habría dado de varias maneras.

Una de ellas, por la publicación de fotografías, lo que le permitió a los nuevos fotógrafos presentar modelos formales a partir de los cuales forjar sus estéticas. En un segundo termino, les ayudó a construir una panorámica de nuevos temas, ausentes hasta ese momento de la fotografía, la que más bien se hacía en los límites de lo urbano tanto a nivel físico como social y moral (en la filosofía de los surrealistas, la fotografía publicada resaltando el espacio que la imagen ocupó en el movimiento).

Pero la influencia mayor del surrealismo sobre los fotógrafos documentales se produjo en lo conceptual, al darles planteamientos intelectuales y vitales, a través de conceptos de naturaleza ontológica, epistemológica, antropológica, política y existencial para construir su visión de la realidad establecida y cómo ellos la entendieron más tarde en su propia práctica.

Modistas surrealistas

La mayor parte de la influencia surrealista en la moda tiene su origen en París, a comienzos del siglo XX, esta ciudad se considera el centro neurálgico de las ideas, movimientos e innovaciones que luego se extendieron por toda Europa.

Sobre todo, en el ámbito del arte del diseño, la costura y la moda. París vista como la ciudad del amor se constituyó en el hogar de un conjunto de escritores, artistas, inventores y, entre ellos, modistas. Así los años 30 y 40, que estuvieron marcados por las guerras, hizo desviar la atención a la importancia de la figura de la mujer, que marcó el mundo de la moda. El mayor giro se dió en torno a la alta costura que estaba en manos casi exclusivamente de mujeres.

Casos emblemáticos como el de Vionnet, Lanvin o las hermanas Callot quienes ganaron mucha reputación y tenían sus propias casas, cada una con su clientela exclusiva. Así todo el poder de la moda y la alta costura recaia sobre ellas, que luego las acompaña Coco Chanel. Esta gran figura de la alta costura y la moda, introdujo los conceptos de juventud y racionalismo, así como también defendió su postura de la alta costura como un oficio y no un arte, siendo su más fuerte concepción que la moda que no se hace para las masas no es moda, pues según ella, muere al nacer.

Existieron además movimientos contrarios, aún cuando se tenía a los artistas cubistas, arquitectos racionalistas y el concepto de lo básico en la costura de Chanel. Estos movimientos alternativos, provienen de la influencia surrealista. Así, la modista más destacada en esta corriente fue Elsa Schiaparelli quien con sus diseños vanguardistas, desenfadados y coloridos, causó polémica y competencia entre las modistas más prestigiosas del momento, convirtiéndose en la única rival de Chanel, quién se refería a ella como la artista italiana que hace ropa y tuvo que compartir clientela con ella, algo que le disgustaba de sobre manera. Así, estas dos modistas llevaron la guerra y la competencia a su campo, que fue seguida muy fuertemente por la prensa.

Escritoras Surrealistas

A las escritoras surrealistas se les tildaba de que estaban locas solamente porque poseían una desbocada creatividad, se pensaba que necesitaban tratamiento psiquiátrico porque tenían una personalidad difícil de doblegar por su disidencia social, política, y moral. También se les catalogaba de brujas porque sin más, se empeñaron en transgredir normas que sentían que las asfixiaba. Se decía que portaban el demonio de la carne porque no se plegaron a una sexualidad castrante. En cada una de estas afirmaciones se puede observar el espíritu de las escritoras surrealistas tales como: Virginia Woolf, Leonora Carrington, Alejandra Pizarnik, Clarice Lispector, quienes fueron tildadas de enfermas mentales y fueron sencillamente, incomprendidas por una sociedad que no se tomó el tiempo y el conocimiento requerido para abordar sus prolijas obras.

La escritora Marta Sanz actual representante del surrealismo al hablar de su novela Clavícula (Anagrama) hace un relato que se enmarca ampliamente dentro del movimiento surrealista, como un eje psicosomático y actual, dice que se trata de un texto roto porque ella quería dejar reflejada la imagen del cuerpo femenino como territorio violentado y pasto de la fragilidad que tiene que ver con el género, ya que con el paso del tiempo, ella extiende su percepción de la vulnerabilidad a las personas que quiere haciendo énfasis en la precarización del género en lo particular y del país en general.

Por lo tanto, su metáfora de todo un desgarro presente, ella la refiere como las secuelas que deja en el cuerpo navegar contra la corriente y considera que es casi imposible separar la psique, de la química, de la fisiología, del espíritu de la economía, pues según ella en el caso de las mujeres se lleva sobre la espalda un peso al que a veces no se sabe que nombre ponerle.

Artistas del Arte Surrealista – Representantes mas famosos del surrealismo

Salvador Dalí: fue el artista más destacado, con imágenes oníricas de significados variados, con obras como “La persistencia de la memoria” de 1931, también conocido como “Los relojes blandos” por la incorporación de relojes deformados al paisaje de un atardecer en la playa , dan la impresión de la subjetividad del tiempo y del espacio. Aunque Salvador Dalí es parte del surrealismo también es muy importante en el dadaísmo.

Joan Miró: pintor Español, pintó en símbolos y garabatos, un universo personal, producto de su increíble imaginación, con obras destacadas como “El carnaval del arlequín” creado en 1925 e “Interior holandés” del 1928 entre otras.

André Breton: fue un poeta considerado el padre de este movimiento, con su obra, “Manifiesto surrealista” que creó en 1924, promoviendo un pensamiento libre, sin las ataduras del raciocinio, de lo moral o de lo estético, regidos por el automatismo, como si se tratara de representar los sueños.

Francis Picabia: sus comienzos fueron en el postimpresionismo, más tarde en el fauvismo, en el cubismo y sobresalir en el dadaísmo, se unió al surrealismo.

Max Ernst: este artista destacó en la pintura, donde la fantasía es representada de modo tan convincente que aparece como real.

René Magritte: artista del surrealismo dotó a este movimiento de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Paul Delvaux: este artista carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de Giorgio de Chirico.

Pablo Picasso: se unió al movimiento surrealista en 1925, sus obras de su periodo Dinard del 1928 al 1930, se consideran surrealistas, en que Picasso combina lo monstruoso en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico.

Óscar Domínguez: este artista inventó la decalcomanía, es una técnica donde se aplica gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre ella que se ejerce una ligera presión y antes de que se seque se despegan.

Video sobre el surrealismo

Aquí podemos ver un breve vídeo explicativo de que es el arte surrealista