¿Quién fue Dorothea Tanning?
El Arte impregna la vida de Dorothea Tanning, no sólo se tienen muchas imágenes, objetos y textos que se convierte en arte de calidad, su presencia transforma la fotografía y los momentos haciendolos más artísticos. La misma energía que envuelve a Tanning como persona también se encuentra en su pincelada enérgica. Nació un día de fuerte viento, que se dice aterrorizó a su madre. Por lo que, el dominio de una fuerza de vida aterradora, e imparable caracteriza toda la obra de Tanning.
Con ideas demasiado grandes para el Illinois rural, un lugar donde nada pasaba, la artista lo dejó todo atrás para irse a Chicago y luego, una vez en Nueva York encontró que tanto en estilo como en la empresa ella se identificaba como surrealista. Se casó con Max Ernst. Así mismo, con la progresión distinta a través de una larga carrera, Tanning comenzó meticulosamente a representar sus propios sueños de manera continua en una penetrante exploración psicológica. Sin embargo, su trabajo evolucionó a ser más abstracto y escultórico. Igualmente, en la fase final de su carrera la artista se vio convertida en poeta, en colaboración con otros poetas de renombre y la producción de una serie de pinturas de flores a gran escala.
Aquí puedes conocer más sobre los artistas y sus principales obras
¿Cómo se desarrolló Dorothea Tanning?
Al igual que otros surrealistas y sobre todo René Magritte y Salvador Dalí, las pinturas de Tanning son a menudo ilustraciones directas de sus sueños. Ella pretende hacer visible la compleja psicología, revelando un interés particular en el inconsciente individual experimentado a través del sueño, al representar al menos una figura dentro de su escena del sueño con los ojos cerrados.
La pintura de Tanning se caracteriza por su energía, su cinética, dinamismo, flujo e inmediatez que descubre una interesante comparativa ideología con los futuristas italianos. Nacida en una tormenta y con la necesidad de escapar de los límites de las restricciones de la infancia hay una vitalidad, intención y propósito conectado a todo lo que hace esta artista. Las ilustraciones en forma de pliegues de la tela a menudo sirven para poner de relieve este interés en el constante movimiento.
Una carga sexual late en toda obra de Tanning. La cual se ve reflejada en que la ropa en las pinturas de chicas jóvenes aparece rota, y pelo llevado de forma lujosa desdibujando la línea entre la inocencia y la experiencia. La sugestividad de la violencia recuerda a las muñecas de Hans Bellmer, pero es más probable que el eros en el trabajo de Tanning se asemeja más a la fotografía de Sally Mann, en una fuerza que trasciende las especificidades sexuales y se convierte en una necesidad más general a la vida en todas sus manifestaciones.
Dorothea nació como la segunda de tres hijas de una familia de clase obrera originaria de Suecia que se había colocado y hecho su hogar en Galesburg, Illinois. Su padre tenía aspiraciones de convertirse en un vaquero en el oeste americano, mientras que su madre era una fantasiosa que insistía en vestir a sus hijas en Tafetán y seda. Los niños fueron levantados en una zona de estrictos valores luteranos haciendo de sus padres a la vez de devoción religiosa y también grande soñadores.
Tanning expresa un gran amor por el arte desde muy temprana edad buscando encontrar su propia paz también en la lectura de Lewis Carroll y Hans Christian Anderson. Una vez completada la escolaridad inicial, posteriormente trabajó en la biblioteca pública local antes de matricularse en la Universidad de Knox, el más cercano centro de artes liberales. Aunque el colegio no ofrece clases de arte,contribuyó con las ilustraciones para el periódico escolar, Por lo que, Tanning siempre pintó y dibujó en su tiempo libre.
En 1930, tras sólo dos años en el Knox College, Tanning se mudó a Chicago, donde se quedó con los amigos que había hecho mientras trabajaba en la biblioteca pública de Galesburg. Trabajó como presentadora en un restaurante y se inscribió en clases de noche en el Instituto de arte de Chicago donde asistió a clases durante tres semanas. Aparte de este breve tiempo, Tanning era una autodidacta, que aprendió de forma independiente, visitando museos y galerías. Ella aseguró su primera exposición en una galería de la librería de Nueva Orleans en 1934 y mostró una serie de acuarelas. Unos meses más tarde, en la primavera de 1935, se trasladó a Nueva York donde logró mantenerse como una artista comercial por primera vez del Dadaísmo y el surrealismo.
La muestra de arte fantástico, Dadaísta y surrealista de 1936 en el Museo de arte moderno despertó el interés permanente de Tanning en el surrealismo. Entre 1936 y 1940, Tanning viajó extensamente. Ella viajó por primera vez a California y luego pasó mucho tiempo en Europa en los años justo antes del comienzo de la segunda guerra mundial.
Cuando regresó a Nueva York en 1940, Tanning volvió a trabajos comerciales y creó una serie de anuncios para la tienda por departamentos de Macy’s. Esta resultó ser una empresa fructífera, ya que ella fue introducida a Julien Levy, de la la Galería Julien Levy quien toma un interés inmediato en su trabajo. Poco después, la ciudad experimentó una afluencia de refugiados que huían de Europa debido a la guerra. Esto trajo muchos artistas influyentes, incluyendo notables surrealistas como Max Ernst, André Masson, Yves Tanguy y Salvador Dalí. Igualmente, Tanning se hizo amiga de la mayoría de estos artistas y entonces amante y esposa de Max Ernst. Tanning y Ernst trabajaron juntos en algunas obras.
¿Por qué es importante el trabajo artístico de Dorothea Tanning?
Toda la obra de Tanning de la pintura a la poesía, ha tenido una profunda influencia en posteriores generaciones de artistas. Su continua exploración de la forma femenina ha conducido a su asociación con el movimiento feminista. Junto con otros surrealistas mujeres, Tanning proporcionó un modelo de rol activo necesario para mujeres más jóvenes también intentando liberarse de puntos de vista restrictivos de la feminidad para convertirse en artistas independientes.
En particular, sus experimentos en la escultura se realizaron conjuntamente con Louise Bourgeois y luego Sarah Lucas, revelando el mismo intenso interés en las fuerzas psíquicas de base. Sus pinturas anteriores, en que los niños enfrentan al espectador escasamente vestido con inquietante conocimiento, establecen un vínculo definitivo e interesante con las fotografías de Sally Mann.
La poesía y escritura de Tanning han añadido una capa adicional y contribuyó a una comprensión más profunda de su obra y sus ilustraciones, destacan los diseños de trajes para algunos de los ballets clásicos de George Balanchine, que han tenido un impacto duradero en el diseño de vestuario de teatro. Pese a la consternación del artista, su legado artístico es a veces eclipsado por su matrimonio con Max Ernst.
¿Cuáles fueron las técnicas pictóricas utilizadas por Dorothea Tanning?
Aunque conocida como surrealista, la obra de Tanning en 1950 se movió hacia otros estilos, tales como el impresionista. Mezclando la geometría del color con toques de formas representacionales. Tanning fue también fue una escritora establecida y poeta por lo que, siguió trabajando hasta en su edad avanzada.
La obra de Dorothea cumple de manera irrefutable con los protocolos surrealistas. Su trabajo está basado en un surrealismo apegado a la psicología, a la fantasía, al delirio y a lo onírico. El absurdo, el humor, las pesadillas, el erotismo, todos estos aspectos inundan sus cuadros.
¿Cuáles son las principales obras pictóricas de Dorothea Tanning?
A continuación se describen brevemente las pinturas más resaltantes de Tanning:
-El Cumpleaños es una obra seminal para Tanning, es la obra de la talla de las obras de Max Ernst y Peggy Guggenheim, ya que refleja su fuerte carácter individual introduciendo motivos que se repiten a lo largo de la escena. Igualmente, en esta obra, se pinta a sí misma en primer plano en una sala que se convierte en un infinito pasillo de muchas puertas abiertas. Su traje combina la naturaleza y la cultura. Igualmente, en esta obra, de su falda crecen algas como follaje mientras que de la blusa salen sus pechos hacia fuera de manera aristocrática, y la blusa está hecha de seda y encaje. Junto a sus pies hay un animal familiar que ha sido identificado por el historiador de arte, Whitney Chadwick, como un lémur con alas.
Los lémures desde hace mucho tiempo se han asociado con la noche y con el mundo espiritual. Como un símbolo del inconsciente a través del sueño, Leonora Carrington, Remedios Varo y Valentine Hugo, todas ellas han también representado el lémur mágico.
Este autorretrato de Tanning tiene mucho en común con el autorretrato de Carrington (1938). Los dos cuadros se funden entre la fantasía y realidad del artista solitario representado en compañía sólo de criaturas. Ambas imágenes presentan dispositivos de otro encuadre; la puerta en el caso de Tanning y la ventana en el caso de Carrington, anuncian la importancia de los poderes creativos y visionarios de una mujer. El crecimiento orgánico se combina para hacer la falda de Tanning una referencia con su retrato de ese mismo año, del paisaje de Arizona, así como un retrato anterior de otra mujer, Deirdre (1940), cuyo pelo es reemplazado por hojas. Robert Motherwell fotografió a Tanning en la que ella lleva una corona de hojas en 1945. Como la falda en su pintura cumpleaños, la función de la corona es como la de antenas/tentáculos que sugiere a la vez una conexión con reinos más altos pero también recuerda una corona de espinas, significando la unión de las penas y alegrías de la vida.
-El Autorretrato (1936)
Es un retrato de ella misma en el que se muestra a una mujer joven con la mano en la cabeza mirando al espectador en actitud típicamente reflexiva. Su dibujo muestra una muy buena habilidad técnica y presta especial atención a los detalles de su pelo. El estudio aislado del ojo a la izquierda de la página es quizás el aspecto más interesante de la imagen y sus enlaces a la tendencia surrealista que Tanning introduciría más tarde. También, André Breton y Salvador Dalí estaban interesados en los ojos y a menudo en el ojo sin cuerpo, como en el caso de las ilustraciones incluidas por Bretón en su novela Nadja (1928). La atención al ojo se define no solo como una ventana al mundo inconsciente, sino también como aparente contradicción, debido a que se considera un órgano que se ha atribuido erróneamente a la vista. Es decir, el ojo desde esta artista, es más bien, para ver en las profundidades, tal como está demostrado en esta obra de Tanning, y también por otros artistas surrealistas, lo cual es considerado un proceso más complejo e interno.
-Eine Kleine Nachtmusik (1943)
Es otra obra relativamente temprana de Tanning, pintada con perfección figurativa y una cercanía evidente con temas surrealistas. Situado en el pasillo de un hotel o en una casa grande, el título de la obra se inspira en la composición de Mozart del mismo título, «una pequeña música nocturna». Sin embargo, por tratarse de una escena nocturna inmediatamente se asocia la imagen con el sueño. Hay dos niñas, quienes están cercanas a un girasol gigante en el piso, otra se inclina contra una puerta, y con los ojos cerrados tiene uno de los pétalos del girasol. Una de las niñas tiene el pelo que le vuela hacia arriba, convirtiéndose en torre, como atrapada por el viento. Mientras que la otra recuerda polémicas esculturas de Hans Bellmer, como su pelo inusual no absolutamente de frente, sin saber bien si es en realidad humana o una muñeca. Tres puertas permanecen cerradas mientras una está agrietada para revelar una luz brillante.
-Tempête en Jaune (tempestad en amarillo) (1956)
A mediados de la década de 1950, Tanning experimentó un dramático cambio estilístico. Pasó de ser una artista dispersa, realizando un examen de su propia infancia individual, a una experiencia más colectiva de la energía de la vida a través de la abstracción. Así en Tempestad en amarillo, mantiene firme el girasol y le da un movimiento de giro, pero aquí la sensación total del sueño es conjurada, en lugar de emblemas específicos explorados. En la inspección cercana, aparece una figura con los ojos cerrados siendo envuelta en una bruma, pero su frente se ha ampliado para convertirse en un prisma multifacético de color y luz. Hay un paralelismo aquí con el dinamismo del futurismo, el movimiento del arte conectado a la filosofía de Henri Bergson, que privilegia ideas de flujo, de experiencia inmediata y de intuición.
-Alfiletero (1956)
Es una de las primeras piezas escultóricas de Tanning. Un embudo, el serrín y la lana han sido cubiertos en terciopelo negro y pegado con alfileres. Hay un final abierto que recuerda un orificio, mientras que la forma general se asemeja a una criatura de mar extraña. Recubierto de material táctil, el objeto hace referencia a la taza de té de piel icónica de Meret Oppenheim (1936) y atravesado por alfileres que expresa los dolores compartidos por Louise Bourgeois.
-Nue Couchée (Desnudo reclinado) (1969-70)
Es una pieza escultural que presenta una figura pesada, retorcida y sin cabeza. La obra se encuentra en subversión desafiante a la tradicional lánguida y pasiva reclinable mujer modelo de la pintura clásica.
La escultura enfrenta decididamente la anticuada fantasía de las proyecciones del cuerpo femenino y en su lugar presenta a una mujer enredada y vencida por las fuerzas psíquicas interiores complejas e invisibles. Utiliza pelotas de tenis de mesa para resaltar la delicada columna vertebral y tela rosa para evocar una carnosa masa corporal.
-Hôtel du Pavot, de Chambre 202 (1970-73)
Fue creada para una retrospectiva en el Centre Georges Pompidou en 1974. Dos torsos rosa carnosos similares a la de Nue Couchée escalan las paredes en un rasgón a través de los fondos, mientras brotan ramas de la mesa y sillas. La sala presenta un fuerte sentimiento de confinamiento. La presencia humana se funde con objetos inanimados, tal vez para ilustrar un estado de aburrimiento o el deseo de desaparecer de circunstancias represivas.
-Merrillium Trovatum (1997)
La visión de Tanning había cambiado otra vez de la pintura, escultura, y poesía. Por este tiempo vivía en Nueva York, después de haber vuelto de Francia y Max Ernst, su esposo, había muerto. Ella tenía algunos lienzos habían estado en almacenaje desde su vida en París. Por lo que, esta particular flor púrpura vino a ella como «una visión» y llevó a la creación una serie de doce pinturas de la flor del mismo modo abstracto. La serie se exhibió junta, dos años más tarde, en un espectáculo llamado «Otro lenguaje de las flores» en que Tanning le incorporó su nuevo amor por la poesía, invitando a 12 poetas para escribir poemas que acompañaran a cada una de las pinturas. Su buen amigo, James Merrill, proporcionó el verso para complementar esta imagen.