¿Qué es la Escultura Gótica?
Gótico es sólo un término técnico para el tipo de edificio en el que se señalan los arcos. Arquitectónicamente los matices posibles de la transición del románico al gótico y aun del arte bizantino al gótico, son infinitos. Sin embargo, Venecia está llena de edificios góticos por definición, pero es Bizantina en espíritu. Los arcos apuntalados de Monreale en Sicilia están más estrechamente relacionados con el Bizantino que los arcos de la ronda de Durham. Así mismo, como reflejo de la estabilidad creciente de este tiempo, así como el creciente poder y la ambición de la iglesia cristiana, se construyeron catedrales basadas en este movimiento gótico diseñadas como un símbolo en pequeño del universo de Dios. Cada elemento del diseño del edificio transmite un mensaje teológico del asombro de la gloria de Dios. La naturaleza ordenada de la estructura refleja la claridad y la racionalidad del universo de Dios, mientras que las esculturas (relieves y estatuas de columna), vitrales y murales ilustraron los mensajes de las escrituras de la Biblia. Entre los artesanos implicados incluyen los más grandes escultores de Europa, sin embargo, seguían siendo en gran parte anónimos.
¿Cómo se desarrolló la Escultura Gótica?
El significado permanente del arte gótico es que el mismo es aplicable no sólo a una catedral, sino también a las estatuas y relieves. En lugar de limitarse a la humanidad, el gótico se ha desarrollado en la dirección de la complejidad y hermosura y alegremente se mezclaron lo grotesco con lo elegante. Es esta mezcla que le da su verdadero valor y por ello, no se limita a una estatua o una pintura. Así el arte gótico en sus aspectos separados no representa lo suficiente como el valor que tiene la obra integrada ya en su etapa final ya que tiene toda la complejidad de la vida misma. Para ver el gótico en su impresionante belleza, basta contemplar las grandes catedrales, especialmente las catedrales del norte de Francia. Así, las catedrales están entre las más extraordinarias creaciones del hombre. Si uno las ve desde lejos, recrean orgullosamente la ciudad que les rodea y rompen hacia arriba en chapiteles y pináculos. Si se examinan más de cerca, se observa el infinito e inquieto detalle escultórico y trastes de textura. Pero si uno entra a ellas, va a encontrarse un complejo sistema arquitectónico cuyos altísimos pilares y bóvedas nervadas a simple detención del ojo, están hechas tan eficazmente que las paredes casi ni se notan y el efecto es más bien de un bosque formalizado que de una habitación cerrada.
Lo que más llama la atención desde el arte gótico, no es su forma o su función sino su capacidad para proporcionar un entorno ideal para cierta clase de artes plásticas. El espíritu gótico no es sólo vertical. Su esencia radica en su capacidad de sugerir no la perfección final de la razón clásica, como un templo griego, sino una dinámica búsqueda de lo inalcanzable. Las secundarias artes de escultura y vidrieras que fomentó tan fácilmente, parecen crecer orgánicamente de él en lugar de ser impuestas. Como una planta viva, un edificio gótico se puede enriquecer desde sus propias raíces, tirar hojas, zarcillos y flores sin perder su unidad central. Así mismo, la energía nerviosa en la que se basa toda la estructura gótica, se comunica a todas las partes del edificio pero particularmente a aquellas partes que, si bien no pueden ser embebidos en el diseño del conjunto, por lo menos pueden ser consideradas como pertenecientes a la categoría separada de la escultura.
En un sentido puramente físico, una gran escultura gótica puede extraerse de su contexto arquitectónico y aún reclamar la admiración no sólo de su vitalidad, su fantasía y su gracia, sino también por su significado inherente e independiente. No obstante, una serie de estatuas talladas de los siglos XIII y XIV pudieran sacarse de sus nichos y situarse junto a la mejor de las estatuas de la escultura del renacimiento italiano sin sufrir por la comparación. Pero debido a que los escultores eran en gran parte anónimos y debido a que sus creaciones eran casi una invariable contribución a una concepción que era mayor que ellos mismos (y porque pocos aparecen en los mejores museos de arte), es difícil pensar incluso en la mejor de las esculturas góticas como una serie de obras maestras, porque son obras maestras en si mismas, en la certidumbre de su artesanía y en la gracia y nobleza de su concepción.
El anonimato del arte gótico en general y de la escultura gótica en particular ofrece un obstáculo para el historiador de arte del cual él en sí mismo es apenas consciente. Las tres puertas del lado oeste de la Catedral de Rheims sola contienen 33 figuras en tamaño natural y 200 figuras más pequeñas, cada una de ellas es el producto de una mente creativa con pasión y una tradición completamente desarrollada de la artesanía. Y cuando se recuerda que esta impresionante colección de la escultura medieval está contenida dentro de un área comparativamente pequeña de uno entre un centenar de edificios similares, se produce asombro por la extraordinaria fecundidad de los siglos XIII y XIV en noroeste de Europa. Igualmente, mucho se ha escrito de la talla gótica desde el capítulo famoso de Ruskin sobre ‘La naturaleza del gótico’ en las piedras de Venecia. Sin embargo, inevitablemente el historiador de arte, frente a una masa de obras de arte escultórico gótico anónimas, tiende a considerarlas como productos de un período, en lugar de un conjunto de individuos excepcionales. A pesar de sí mismo, se refugia en las generalizaciones.
En este sentido, el período gótico, estuvo dominado por las Catedrales en las ciudades, que se caracterizaban no sólo por su elevada silueta, sino también por su influencia política, económica y religiosa. La Catedral es el monumento que define lo que llamamos arquitectura gótica. Este término, dada la prominencia por los románticos, se aplicó el nuevo estilo de arte religioso que se originó en la isla de Francia y floreció primero en el norte de Francia, extendiéndose a las vecinas tierras durante la segunda mitad del siglo XII y los dos siglos siguientes.
La escultura de la época de la expansión gótica fue concebida principalmente para el embellecimiento de las catedrales, con una escultura religiosa cristiana de una época diferente y una función totalmente diferente. Así, desde la escultura gótica, la Catedral y su decoración fue el símbolo de una organización comunal, de un espíritu secular que había tomado precedencia sobre el monacato y el feudalismo. Por lo tanto, como tendencias del estilo neogótico en la arquitectura, las catedrales se convirtieron en muy populares en toda Europa desde finales del siglo XVIII, tomando en cuenta lo formal, simbólico y técnico para la valoración tanto de la escultura como de la arquitectura.
La Estatua de Columna en la Escultura Gótica
Escultura gótica mayor nació y evolucionó al ritmo de las catedrales, de las cuales fue el adorno externo, de la misma manera como las preciosas decoraciones de los grandes santuarios góticos hechas por orfebres. Así, la escultura invadió las fachadas de la Catedral, y se conjuga íntimamente a su severa arquitectura ayudando en el patrón de su división en plantas. Por lo tanto, las torres que estaban erguidas sobre las naves laterales cerraban la parte central de la fachada y se levanta sólidamente apoyada por los poderosos contrafuertes. El último pasaba inadvertido a nivel del suelo por la plenitud y profundidad de las jambas extendidas de los portales, que la escultura monumental ayudó a aligerar. El conjunto del tímpano, las molduras del arco, el parteluz, las estatuas y pedestales conforman el portal gótico. Así mismo, su iconografía habría ampliado considerablemente el contenido religioso de fachadas románicas asociando estrechamente las molduras de los arcos y estribaciones con el tímpano. Entre los temas tallados en ellas, además del apocalipsis y el juicio final, se encuentran las escenas del antiguo testamento correspondientes tipológicamente con las del nuevo testamento. Cada evento de la época de la antigua alianza se refiere a un episodio de la nueva alianza. Así la estadía de Jonás dentro de la ballena prefigura a Cristo en la tumba, y Abraham sacrificando a Isaac evoca el sacrificio de la Cruz. Mateo, los padres de los iglesia y algunos teólogos medievales han establecido estas comparaciones tipológicas muy claramente. Un gran número de portales ofrece a los fieles el ejemplo de vidas de los Santos. La Virgen ocupa un lugar privilegiado. Así, según la clasificación planteada por Emile Male, el siguiente conjunto corresponde a los diferentes espejos de cristianismo gótico: naturaleza y moral y ciencia histórica.
La escultura monumental también invadió las partes altas de la fachada gótica: gabletes, rosetones, galerías, entre otros. Fuera del edificio, arbotantes y espuelas forman emplazamientos aéreos, casi como los tabernáculos, donde se alojaron estatuas. En el interior, la escultura arquitectónica puede cubrir las superficies murales, como en la fachada interior de la Catedral de Reims, pero esto es inusual, ya que son pilares esculpidos como el de la Catedral de Estrasburgo.
Por otro lado, estatuas aparecieron muy pronto en los pilares del coro y la nave como en la Sainte Chapelle (1241-48) en París y la Catedral de Colonia. Por el contrario, los capiteles tallados ya no tenían el papel iconográfico que había en la época románica. La pantalla de la Cruz cerrando el coro litúrgico brinda un nuevo muro esculpido. Sin embargo, la catedral también estaba adornada con estatuas de culto, el arte del retablo, muebles tallados y tumbas, cuyo arreglo cuidadoso se había hecho esencial en la iconografía general.
¿Cuál es el legado de la Escultura Gótica?
Las esculturas monumentales asumieron un papel cada vez más prominente durante los períodos góticos alto y tardío y se colocaron en grandes números en las fachadas de las catedrales, a menudo en sus propios nichos. En el siglo XIV, la escultura gótica llegó a ser más refinada y elegante y adquirió una delicadeza amanerada en su elaborada y meticulosa pañería. La belleza elegante y un tanto artificial de este estilo se difundió ampliamente en toda Europa tanto en la escultura, pintura e iluminación del manuscrito en el siglo XIV y llegó a ser conocido como el estilo gótico internacional. Una tendencia opuesta en este tiempo fue la del realismo intensificado, tal como se muestra en las esculturas de la tumba francesa y en la vigorosa y dramática obra del escultor gótico, Claus Sluter. Así mismo, la escultura gótica estuvo siempre ligada a la arquitectura, puesto que fue utilizada principalmente para decorar los exteriores de las catedrales y otros edificios religiosos. Las primeras esculturas góticas eran figuras de piedra de los santos y la sagrada familia para decorar la puertas o portales de las catedrales en Francia y en otros lugares.
Las esculturas sobre el portal real de la Catedral de Chartres (c. 1145-55) cambiaron poco de sus predecesores románicos en sus modalidades rígidas, rectas, simples, alargadas e hieráticas. Pero durante el siglo XII posterior y el siglos XIII, las esculturas eran más relajadas y naturales en el tratamiento, una tendencia que culminó en la decoración escultórica de la Catedral de Reims (c. 1240). Estas figuras, que conservan la dignidad y la monumentalidad de sus predecesores, han individualizado rostros y figuras, así como también han sido los complementos de cortinas y poses naturales y gestos, que muestran un equilibrio clásico, que sugiere una conciencia de los antiguos modelos romanos por parte de sus creadores. También se evidencian principios masones góticos en las formas naturales de las plantas, siendo evidente del realismo, el repujado de los racimos de hojas que adornan los capiteles de las columnas.
¿Cuáles son los principales representantes de la escultura Gótica?
Sin duda existía en la medieval Francia, Alemania e Inglaterra, escultores individuales, cada uno de los cuales es digno de estudio aparte como Nicola Pisano (c.1206-1278), Giovanni Pisano (c.1250-1314), Arnolfo di Cambio (c.1240–1310), Giovanni di Balduccio (c.1290– 1339), Andrea Pisano (1295-1348), Filippo Calendario (pre-1315-1355), Jacopo della Quercia (1374-1438) y Donatello (1386-1466), pero puesto que su trabajo se muestra sin sus nombres, carece de la atención de los historiadores de arte.
