Definición de la Escultura Románica
El movimiento de Artes del siglo XVIII, conocido como el neoclasicismo representa una reacción contra la última fase del barroco y un reflejo del creciente interés científico en la antigüedad clásica. Las investigaciones arqueológicas del mundo mediterráneo clásico obligan a dar testimonio de la orden y la serenidad del arte clásico, proporcionando un telón de fondo de ajuste a la ilustración y la edad de la razón.
Los teóricos académicos, especialmente los de Francia e Italia durante el siglo XVII, sostuvieron que la expresión, el traje, los datos y la configuración de una obra debía corresponder al tema tanto como fuera posible. Por lo tanto, en el siglo XVIII, en particular, los neoclásicos heredan esta teoría del «decoro», pero en lugar de dar preferencia a un ideal universal, implementaron la forma restringida. Subdividiendo toda acción y expresión en reposo clásico, idealizando rostros y cuerpos en héroes clásicos y transformando todo traje a ropa ajustada para evitar la referencia al tiempo efímero.
Una serie de monumentos del siglo XVIII y principios del siglo XIX generales y almirantes de las Guerras Napoleónicas en la Catedral de San Pablo y la Abadía de Westminster demuestran este importante dilema resultante, de si un héroe o una persona famosa debía ser retratado en clásico o vestuario contemporáneo.
Por lo tanto, muchos escultores variaron entre mostrar las figuras de uniforme y las completamente desnudas. Así mismo, el concepto del héroe moderno en vestido antiguo pertenece a la tradición de la teoría académica, ejemplificado por el pintor inglés Sir Joshua Reynolds en uno de sus discursos de la Academia real, afirmando el deseo de transmitir a la posteridad la forma del vestido moderno. Incluso el héroe de la vida podría ser idealizado totalmente desnudo, como en dos figuras de pie del colosal de Napoleón (1808 – 11), del escultor italiano Antonio Canova. Una de las más famosa esculturas de estilo neoclásico es «Paolina Borghese como Venus Victrix» también de Canova (1805-07; Galería de Borghese, Roma). Ella se muestra desnuda, ligeramente drapeada y sensualmente reclinada en un sofá, un encantador retrato contemporáneo y una Venus antigua idealizada.
¿Cómo se desarrolló la escultura Románica?
La edad del neoclasicismo y del romanticismo ambos abarcan aproximadamente el final del siglo XVIII y el siglo XIX. Estos movimientos florecieron en toda Europa occidental (especialmente en el norte), Estados Unidos y en menor medida en Europa del este.
Dos fuerzas principales contribuyeron al surgimiento del Neoclasicismo, la reacción contra la extravagancia del barroco y rococó y el renovado interés en la antigüedad debido a la excavación de varios sitios clásicos importantes (incluyendo Pompeya y Atenas). Por lo tanto, estas fuerzas obligaron a artistas de toda Europa para colaborar en un renacimiento clásico.
Por otra parte, muchos artistas crecieron impacientes con las restricciones del clasicismo y del barroco. En lugar de comenzar con una estructura estética preconcebida (la estabilidad del clasicismo) o el dinamismo del barroco, estos artistas fueron guiados por la emoción, en un enfoque conocido como el romanticismo. Por lo tanto, la estructura estética de la obra romántica no estaba predeterminada, sino que surge naturalmente cuando el artista se esfuerza por capturar sentimientos particulares. Así, el arte romántico también es distintivo de un número de temas típicos, tales como, la naturaleza, la nostalgia histórica y la lucha social.
En este sentido, la escultura románica, contó con artistas de un gran imperio de cambiantes gustos públicos durante siglos, en la que por encima de todo, estuvo su notable gran variedad y mezcla ecléctica. Así en estas esculturas se mezclan la perfección idealizada de la escultura griega clásica anterior con una aspiración mayor de realismo, absorbiendo también las preferencias artísticas y estilos de Oriente para crear imágenes en piedra y bronce que se alinean entre las mejores obras de la antigüedad. Aparte de su contribución única, los escultores románicos tienen también, sus populares copias de obras maestras griegas anteriores, conservadas en obras invaluables para la posteridad que de lo contrario se habrían perdido completamente al arte del mundo.
Las Esculturas copiadas
Tomando como principios la escultura griega, los romanos trabajaron la piedra, los metales preciosos, el vidrio y la terracota, sin embargo, sus materiales favoritos eran el bronce y el mármol sobre todo por el logro de un mejor trabajo. No obstante, dado que el metal siempre estuvo en gran demanda para su reutilización, la mayoría de los ejemplos de la escultura románica son de mármol. De igual manera, el gusto romano por la escultura griega y helenística significó que una vez que había se había agotado el suministro de piezas originales, los escultores tuvieron que hacer copias y estas podían ser de variada calidad dependiendo de la habilidad del escultor. De hecho, había una escuela específicamente para copiar originales griegas en Atenas y Roma, encabezada por Pasiteles junto con Archesilaos, Evander, Glykon y Apollonios. Igualmente, un ejemplo del trabajo de la escuela de este siglo I A.C. es la estatua de mármol de Orestes y Electra, ahora en el Museo Arqueológico de Nápoles. Además, los escultores románicos también produjeron miniaturizadas copias de originales griegos, a menudo en bronce, que fueron adquiridas por los amantes del arte para mostrar en los armarios de sus casas.
Escultura Impresionista
En este sentido, la escultura románica, sin embargo, empezó a buscar nuevas vías de expresión artística, alejándose de sus raíces etruscas y griegas, a mitad del siglo I A.C. De allí que los artistas romanos trataron de capturar y crear efectos ópticos de luz y sombra para una mayor realismo. Este hecho, marcó más adelante, el paso hacia el impresionismo con trucos de luz y formas abstractas. Igualmente, la escultura románica también llegó a ser más monumental con estatuas más grandes de la vida de los emperadores, dioses y héroes como las enormes estatuas de bronce de Marcus Aurelius a caballo o la mayor estatua de Constantino I (sólo la cabeza, mano y algunos miembros sobrevivieron). Ambos residen ahora en los museos Capitolinos de Roma. Así mismo, al final del Imperio, las esculturas tienden hacia la falta de proporción, con las cabezas especialmente fueron agrandadas, y las figuras se presentan más en plano y de frente, mostrando la influencia del arte oriental.
También es importante distinguir dos distintos ‘mercados’ escultura románica, el primero fue el gusto de la clase aristocrática gobernante por la escultura más clásica e idealista. Mientras que el mercado de la ‘clase media’ en segundo lugar, era más provincial, por lo que parecen haber preferido más el naturalismo y lo emocional de las esculturas y el retrato funerario. Aunque se cree que las limitaciones de los artistas de los más grandes centros urbanos, pudieron también haber tenido algo que ver con las diferencias en los estilos. Una interesante comparativa de los dos enfoques se puede encontrar en la columna de Trajano en Roma y un trofeo en Adamklissi conmemora las campañas dacias.
La Escultura Funeraria
Los bustos funerarios y estelas (lápidas) fueron una de las formas más comunes de la escultura en el mundo románica. Estas esculturas pueden retratar a los difuntos solos, con su compañera, hijos y esclavos incluso. Por lo que, las figuras suelen llevar una toga y las mujeres pueden sostener la postura pudicitia con la mano en el mentón en remordimiento. Las tumbas altares también fueron comunes y éstos podían llevar escenas en relieve de la vida o acciones del causante y los más ricos podían retratar diferentes generaciones de miembros de la familia.
¿Cuál es el legado de la escultura Románica?
Al igual que a los griegos, los romanos representaban sus dioses en estatuas. Por lo tanto, cuando los emperadores romanos comenzaron a reclamar la divinidad también pasaron al tema de las estatuas colosales y a menudo idealizadas, representando a estos personajes, con un brazo levantado a las masas y sacando una postura convenientemente autorizada por Augusto de Prima Porta.
Igualmente, las estatuas podrían también usarse para propósitos decorativos en el hogar o jardín y podrían ser miniaturizadas, especialmente en metales preciosos como la plata. Un tipo de esas estatuas peculiares a los romanos fue el Lares Familiar. Éstos se realizaban en bronce y representaron los espíritus que protegen el hogar. Estas esculturas se mostraban típicamente en pares en un nicho dentro de la casa y son figuras juveniles con los brazos alzados y el cabello largo que normalmente visten una túnica y sandalias.
En relación con la escultura románica en edificios, la misma podría ser meramente decorativa o tener una finalidad más política, por ejemplo, los arcos de triunfo (que a menudo celebraciones de victorias militares). Igualmente, la escultura arquitectónica capturaba actos de campaña con detalles clave que refuerza el mensaje de que el emperador era un agente civilizador y victorioso en todo el mundo conocido. Un ejemplo típico es el arco de Constantino en Roma (c. 315 CE) que también muestra a los bárbaros derrotados y esclavizados enviando el mensaje de la superioridad de Roma. Del mismo modo, en las columnas como la columna de Trajano (c. 113 CE), la escultura podía mostrar al emperador como un líder de bien, meticulosamente preparado, como un militar innovador e inspirador conveniente para sus tropas. Tal representación de personas reales y personajes históricos específicos en la escultura arquitectónica está en marcado contraste con la escultura griega donde las grandes victorias militares generalmente se presentaron en metáfora con figuras de la mitología griega como las amazonas y los centauros en el Partenón.
¿Cuáles son los representantes de la Escultura Románica?
Mucha de la Escultura del Período Románico, es anónima. Se conocen más bien las obras que sus autores. Así por ejemplo: La estatua ecuestre de bronce dorado de 3,52 metros de Marcus Aurelius es una de las más imponentes estatuas de bronce que sobreviven a la antigüedad. Probablemente fue erigida entre 176-180 CE en un lugar desconocido en Roma. La estatua conmemora las victorias del emperador sobre las tribus germánicas en 176 CE y su muerte en el 180 CE. La notable supervivencia de la estatua se ha acreditado al emperador Régulo de Constantino. Se necesitó mucho trabajo de restauración a finales de década de 1980 ya que la estatua había sido lentamente erosionada al aire libre, sin embargo, ahora toma un lugar en un salón construido en el museo Capitolinos de Roma.
Por otra parte, el Maestro de Cabestany fue otro escultor del periodo románico, activo en el siglo XII, que ejerció en su tiempo una enorme influencia. Así mismo, el Escultor Arnau Cadell o Gatell fue un escultor español del siglo XII y XIII, autor de los capiteles de los claustros del monasterio de Sant Cugat del 1190 y de la catedral de Gerona.
Así mismo, Anselmo da Campione, realizó obras escultóricas en la catedral de Módena que es uno de los lugares de estilo románico más importantes de Europa y a su vez Patrimonio de la Humanidad.
