Bienvenido al Mundo de los Pintores Españoles. Esta biografía de Pablo Picasso le será de gran utilidad para resolver sus tareas escolares y lograr sus objetivos Académicos.
¿Quién fue el artista Pablo Picasso?
Pablo Picasso, nació el 25 de octubre de 1881, Málaga, España, murió el 08 de abril de 1973, en Mougins, Francia. Fue un español expatriado pintor, escultor, grabador, ceramista y diseñador, considerado uno de los más grandes y más influyentes artistas del siglo XX y el creador (con Georges Braque) del cubismo.
Con el enorme cuerpo de su obra, Picasso, sigue siendo una leyenda viva del arte del siglo XX. Por casi 80 de sus 91 años, Picasso se dedicó a una producción artística que contribuyó significativamente a todo el desarrollo del arte moderno en este siglo.
¿Cómo se desarrolló la Vida y Obra de Pablo Picasso?
Pablo Picasso era hijo de José Ruiz Blasco, profesor de dibujo y María Picasso López. Su inusual destreza para el dibujo empezó a manifestarse pronto, alrededor de la edad de 10 años, cuando se convirtió en pupilo de su padre en la Coruña, donde la familia se trasladó en 1891. Desde ese punto su capacidad de experimentar con lo aprendido y desarrollar rápidamente nuevos medios expresivos le permitió superar las habilidades de su padre. En la Coruña su padre cambió de puesto para deponer sus propias ambiciones y alentar a su hijo, proporcionándole modelos y apoyo para su primera exposición a los 13 años de edad.
La capital española fue la siguiente parada evidente para el joven artista intentando conseguir reconocimiento y para dar cumplimiento a las expectativas familiares. Por lo que, Pablo partió a Madrid en el otoño de 1897 y entró en la Real Academia de San Fernando. Encontrando la enseñanza requerida en esta academia. Por lo que, cada vez más pasó tiempo de su vida en los cafés, en las calles, en los burdeles y en el Museo del Prado, donde descubrió la pintura española. Por lo que, Goya, por ejemplo, era un artista cuyas obras Picasso copió en el Prado en 1898 (un retrato del torero Pepe y el dibujo de uno de sus caprichos, la joven maja). Esos mismos personajes reaparecen en su último trabajo, Pepe en una serie de grabados (1957) y la Celestina como una especie de autorretrato voyerista, sobre todo en la serie de aguafuertes y grabados conocida como la Suite 347 (1968).
Picasso cayó enfermo en la primavera de 1898 y pasó la mayor parte del año convaleciente en la aldea catalana de Horta de Ebro en compañía de su amigo Manuel Pallarés del Barcelona. Cuando Picasso volvió a Barcelona en 1899, era un hombre cambiado, había aprendido a vivir en el abierto campo, hablaba a catalán; y, lo más importante, era que había tomado la decisión de romper con su formación de la escuela de arte y rechazar los planes de su familia para su futuro. Incluso empezó a mostrar una preferencia decidida por el apellido de su madre.
En Barcelona Picasso se movió entre un círculo de artistas catalanes y escritores cuyos ojos se volcaron hacia París. Eran sus amigos en el café Els Quatre Gats («los cuatro gatos,»en París), donde Picasso hizo su primera exposición de Barcelona en febrero de 1900, con 50 retratos de diversos temas. Además, realizó una pintura oscura, «modernista», llamada el último momento, que muestra la visita de un sacerdote a la cabecera de una moribunda, una obra que fue aceptada por la sección española de la exposición universal de París en ese año. Ansioso por ver su obra en el lugar y experimentar de primera mano, Picasso partió en compañía de su compañero de estudio Carles Casagemas (Retrato de Carles Casagemas, 1899) para conquistar París. Por lo que, uno de los principales descubrimientos artísticos de Picasso en ese viaje fue el color, no solo los colores grises de la paleta española, el negro de los chales de las mujeres españolas, o los ocres y marrones del paisaje español pero brillante, sino también, el color de Vincent van Gogh, de la nueva moda, cuando la ciudad celebró una feria mundial. Igualmente, utilizando carbón de leña, pasteles, acuarelas y aceites, Picasso realizó grabados de su vida en la capital francesa tales como: los amantes en la calle (1900). Así mismo, en su cuadro el Moulin de la Galette (1900) rindió homenaje a los artistas franceses Henri de Toulouse-Lautrec y el suizo Théophile Alexandre Steinlen así como a su compatriota catalán Ramón Casas. Después, Picasso regresó a España con Casagemas, quien estaba abatido sobre una fallida historia de amor. No obstante, intentando sin éxito divertir a su amigo en Málaga, Picasso se fue a Madrid, donde trabajó como redactor de arte para una nueva revista, Arte Joven. Casagemas volvió a París, y en un incidente intentó dispararle a la mujer que amaba, volvió la pistola hacia sí mismo y murió. Por lo que, el impacto sobre Picasso fue profundo, porque no solo era que había perdido a su fiel amigo sino que lo abatía el sentimiento de culpa por haberlo abandonado. Lo más importante, era que había ganado la experiencia emocional y material que estimularía la poderosa expresividad de las obras de la llamada época azul. Picasso hizo dos retratos de la muerte de Casagemas varios meses más adelante en 1901, así como dos escenas fúnebres (dolientes y evocación), y en 1903 Casagemas apareció como el artista en la pintura enigmática, La Vie.
Entre 1901 y mediados de 1904, cuando el azul era el color predominante en sus cuadros, Picasso se trasladó ida y vuelta entre Barcelona y París, recolectando material para su obra. Por ejemplo, sus visitas a la cárcel de las mujeres de Saint-Lazare en París en 1901-02, le proporcionó modelos gratis y una atractiva temática para su cuadro la sopa (1902). Igualmente, se reflejaron en sus pinturas de gente de las calles de Barcelona, mendigos ciegos, solos y náufragos. Con esta temática realizó sus cuadros, mujer en cuclillas mujer (1902); Ciega comida del hombre (1903); el viejo judío y el muchacho (1903).
Picasso tomó finalmente la decisión de trasladarse permanentemente a París en la primavera de 1904, y su obra refleja un cambio de espíritu y sobre todo una respuesta a diferentes corrientes intelectuales y artísticas. El circo itinerante y los saltimbanquis se convirtieron en temas para otras de sus obras, temas que comparte con un nuevo e importante amigo, Guillaume Apollinaire. Para el poeta y el pintor los intérpretes errantes sirvieron de inspiración para sus cuadros titulados: La chica en equilibrio sobre una pelota (1905) y El Actor (1905). Estas obras se convirtieron en una especie de evocación de la posición del artista en la sociedad moderna. Picasso hizo específicamente una identificación con la familia de los saltimbanquis (1905), donde él asume el papel de Arlequín y Apollinaire era el hombre fuerte.
Las circunstancias personales de Picasso también cambiaron cuando a finales de 1904 Fernande Olivier se convirtió en su amante. Su presencia inspiró muchas obras durante los años previos al cubismo, especialmente en su viaje a Gósol en 1906 ( la mujer con panes). No obstante, el color nunca llegó fácilmente a Picasso, porque el era generalmente más de paleta española (es decir, monocromático). Los tonos de la época azul fueron sustituidos desde finales de 1904 a 1906 en el llamado período rosa, por los de cerámica, de carne y de la tierra (el Harén, 1906). Sin embargo, Picasso parecía haber estado trabajando con el color en un intento de acercarse a la forma escultórica, sobre todo en 1906 se reflejan estos cambios en sus obras: Dos desnudos, La Toilette, su retrato de Gertrude Stein (1906) y un autorretrato con esta paleta (1906), los cuales muestran el desarrollo así como, la influencia de su descubrimiento de la escultura Ibérica arcaica.
Hacia finales de 1906 Picasso empezó a trabajar en una gran composición que se llamó las damiselas de Avignon (Les Demoiselles d ‘ Avignon, 1907). Su trato violento del cuerpo femenino y máscara de pintura de las caras (influenciado por un estudio del arte tribal, que algunos críticos más tarde llaman el período Negro o africano, haciendo el trabajo polémico. Sin embargo, el trabajo se basó en la tradición del arte-histórico, un renovado interés en El Greco que contribuyó a la fractura del espacio y de los gestos de las figuras y la composición general que le debe mucho a los bañistas de Paul Cézanne así como a las escenas del harén de Ingres.
Las Señoritas, tienen como tema la calle Avignon en Barcelona, donde los marineros encontraban los burdeles populares, fue percibida como un ataque directo y chocante ya que, las mujeres no eran imágenes convencionales de belleza. Picasso eligió ocultar por un tiempo su pintura de las señoritas que no fue vista durante varios años.
Por su parte, Picasso y Braque trabajaron juntos durante los próximos años (1909-12), la única vez que Picasso ha trabajado anteriormente con otro pintor de esta manera, y desarrollaron lo que llegó a ser conocido como el Cubismo Analítico. Por lo tanto, los primeros cuadros cubistas fueron a menudo mal entendidos por los críticos y los espectadores porque se pensaba que este arte era meramente geométrico. Sin embargo, los pintores fueron presentando un nuevo tipo de realidad que se separó de la tradición renacentista, especialmente de la utilización de la perspectiva y la ilusión. Por ejemplo, mostraron varias vistas de un objeto en el mismo lienzo para transmitir más información que podría contener una sola vista ilusionista.
Tal como lo establece Kahnweiler el cubismo significó la apertura de la «representación» de la forma de los objetos y su posición en el espacio en lugar de su imitación a través de medios ilusionistas. De igual manera, el proceso analítico de fractura de los objetos y el espacio, la luz, la sombra y el color incluso fue comparado por Apollinaire a la manera en la que el cirujano diseca a un cadáver (por partes). Este tipo de análisis es característico del inicio del trabajo de Picasso en 1909, especialmente en los paisajes producto de un viaje a España ese verano (fábrica en Horta de Ebro). Éstos continuaron en 1910 con una serie de retratos herméticos (Ambroise Vollard; Daniel-Henry Kahnweiler); y en los cuadros de 1911-12 de figuras sentadas, a menudo tocando instrumentos musicales (el acordeonista, 1911). Así en Picasso se fundieron figuras, objetos y espacio en una especie de rejilla. La paleta fue nuevamente limitada a grises, marrones, ocres y monocromáticos.
¿Por qué es importante el trabajo artístico de Pablo Picasso?
El arte de Picasso de la época de las señoritas fue radical en la naturaleza, prácticamente ningún artista del siglo 20 pudo escapar de su influencia. Por otra parte, mientras que otros maestros como Henri Matisse o Braque tienden a mantenerse dentro de ciertos límites estilísticos, Picasso siguió siendo un innovador en la última década de su vida. Eso condujo a la incomprensión y la crítica tanto en su vida personal como artística y desde entonces fue sólo en la década de 1980 que sus últimas pinturas comenzaron a apreciarse en sí mismas y por su profunda influencia en la nueva generación de jóvenes pintores. Puesto que Picasso desde la década de 1920 vendía sus obras a precios muy altos, podía mantener la mayor parte de su obra en colección. En el momento de su muerte poseía unas 50.000 obras en diversos medios de comunicación de cada período de su carrera, una selección que pasó a posesión del Estado francés y el resto a sus herederos. Su exposición y publicación ha servido para reforzar las estimaciones más altas de los poderes asombrosos de Picasso de la invención y ejecución en un lapso de más de 80 años.
¿Cuáles fueron las técnicas pictóricas utilizadas por Pablo Picasso?
Pablo Picasso ha sido considerado protagonista y creador de diversas corrientes que cambiaron de manera profunda, las artes plásticas en el siglo XX. Siendo el cubismo su creación, realizó obras, además de la pintura en la escultura, en varias corrientes, tales como: la escultura neofigurativa, el grabado, el aguafuerte, el pastel, la cerámica artesanal, además de las escenografías para ballets. Es también uno de los artístas en arte mas completos, ya que, su obra fue inmensa en número, en variedad y en talento, extendida durante a más de setenta y cinco años de actividad creadora, tomando temas que fueron compaginados sabiamente con el amor, la política, la amistad y disfrute de su vida personal. De igual manera, Picasso fue famoso desde muy joven, también fue admirado por todos, siendo una persona más bien sencilla y generosa, con una gran capacidad de trabajo, y una vida sentimental controversial
¿Cuáles son las principales obras pictóricas de Pablo Picasso?
La obra de Pablo Picasso, fue inmensa y muy diversa. Por lo que, se mencionan a continuación algunas de sus obras más emblemáticas.
En 1898, con 16 años obtiene una mención honorífica por “Ciencia y Caridad”, en la que su padre le sirve de modelo para la figura del médico.
En la etapa, denominada período azul (1901-05), sus obras fueron pintadas usando el color azul mate, para reflejar en las mismas sentimientos tal vez personales, de amargura, con figuras desoladas, desamparadas de profundo lirismo. Esta etapa Picasso la vive entre París (Montmartre) y Barcelona y sus obras más resaltantes fueron:
La vida (La Vie, 1903)
Sorprendentemente este cuadro, es una de sus primeras obras maestras de Picasso, fue pintada temprano su la carrera de artista cuando tenía sólo 20 años. La pintura también es una de las más grandes composiciones del período azul, limitado a una paleta de azules y grises, retratando temas melancólicos. Ésta incluye a los pobres, oprimidos y marginados, con quien Picasso se sentía fuertemente identificado debido a su propia circunstancia necesitada en aquel momento. Las pinturas del período azul fueron influenciadas el Expresionismo de finales del siglo XIX, un movimiento que abarca a artistas de Edvard Munch, Gustav Klimt. Pero la influencia de El Greco también es inmediatamente sensible, no sólo en el esquema del color, que a menudo aparece en la obra del maestro del siglo XVII, sino también en las proporciones atenuadas de las figuras, otra marca registrada de El Greco. La Vie toma la forma de una alegoría, que ha sido una interrogante que ha confundido a los historiadores del arte. Se cree sido una respuesta a la muerte de Picasso compatriota y camarada-en-brazos, Carles Casagemas, un depresivo impotente que se suicidó sobre su no correspondido amor por un modelo de artista, Germaine Gargallo, que más tarde se convirtió en amante de Picasso.
Luego vino la etapa Rosa (1905-06), su cromatismo fue más brillante y luminoso, con un estilo sobrio, melancólico, menos triste. Resaltando de esta etapa: Actores, Acróbatas y arlequines, La familia de saltimbanquis, el Retrato de la Señora Canals.
Posteriormente en la etapa cubista (desde 1907), trabaja en la representación de la forma en el espacio, buscando reducir los objetos a una expresión geométrica. Esta etapa tiene dos fases: La analítica y la sintética en la que realiza numerosos autorretratos. A continuación se describe brevemente, dos obras representativas de esta etapa:
Las señoritas de Avignon (Les Demoiselles d ‘ Avignon) (1907)
Esta obra se considera la pintura más conocida de Picasso, corresponde a una escena interior de un burdel de Barcelona, señalando con esta obra, el camino hacia el arte abstracto por venir. Cruda y primitiva, se deriva del estilo de la pintura del arte africano y de Oceanía.
De igual manera, en el cubismo analítico (1909-11), los cuerpos se desintegran mostrando sus componentes volumétricos esenciales. Este fraccionamiento de difícil interpretación se ve claramente reflejado en obra la mujer joven con mandolina, que se describe más abajo. Así mismo, en esta etapa, hay un momento denominado “cubismo hermético” porque lleva al cubismo a su máximo extremo. Caracterizado por la monocromía, transparencia, y de formas facetadas. Se considera que ya en esta parte, el cubismo se aleja de la objetividad que Picasso aspiraba representar
Picasso sigue trabajando en el cubismo sintético hasta el final de sus días, que se ve claramente reflejado en su gran obra: Los tres músicos, chica ante un espejo, Dora Maar en un sillón, y una de sus obras más importantes, Guernica, que se describen a continuación:
Los Tres Músicos (1920)
Principios de la década de 1920, fueron los años de Picasso de la experimentación revolucionaria. El cubismo había sido suplantado como una moda de vanguardia por el surrealismo, cuyos adherentes declaran muerto a Picasso. Europa todavía estaba recuperándose de la devastación de la primera guerra mundial y en Francia, la cultura volvió al pasado en búsqueda de un orden. Picasso hizo lo mismo en esta obra de los tres músicos, con una mirada nostálgica hacia la vida bohemia de juventud de Picasso en un estilo más suave del cubismo que envió lejos el enfoque más radical que lo precedieron
Chica ante un Espejo (1932)
El tema de esta pintura, es una meditación sobre la vanidad femenina y el miedo al envejecimiento. La chica ante un espejo, sin embargo, es la obra maestra indiscutible. En la misma se aprecian las mejillas color de rosa, la mirada fija en el espejo, significando el abismo oscuro y distorsionado del futuro. Ella está rodeada de papel pintado en un patrón de Arlequín que ha significado temas favoritos de Picasso, mostrada como una metáfora, tal vez, por el propio artista.
Guernica (1937)
Además de ser la pintura más famosa de Picasso, Guernica es también una de las declaraciones contra la guerra, más famosas y emocionantes del mundo. Fue inspirada por el brutal 1937 bombardeo de la ciudad vasca de Guernica durante la Guerra Civil española. Ese mismo año, todavía enfurecido, el asediado por el gobierno izquierdista de España, Picasso crea esta pieza como un mural para la exposición universal de 1937 en París. Luego de giras por Europa y Estados Unidos, entrega la obra en préstamo al Museo de arte moderno en Nueva York con la salvedad de ser repatriada a España. Finalmente ocurrió en 1981, seis años después de la muerte de Franco en 1975 y ocho años después que Picasso mismo falleció en 1973. Resaltando que, Tony Shafrazi, un artista que luego se convirtió en un distribuidor de Galería, había borrado la pieza con pintura en aerosol. Luego fue posible restaurar la Guernica porque Shafrazi había sido lo suficientemente prudente para utilizar pintura que podía ser fácilmente removida.
Dora Maar en un sillón (1939)
Marie-Thérèse Walter se embarazó con el niño de Picasso en 1935, a pesar de no haberse divorciado de su esposa, la bailarina rusa, Olga Khokhlova. (Khokhlova murió en 1955, aún casada con Picasso). Ese mismo año, Picasso comenzó una relación con Dora Maar, fotógrafa surrealista que a veces modelaba para él. Picasso era feliz de hacer malabares con Walter y Maar. Un día cuando se toparon con una y otra en el estudio de Picasso mientras trabajaba en Guernica, exigieron que él eligiera entre ellas. Él objetó, diciendo que deberían ir afuera. Comenzaron a luchar, un momento que Picasso describiría más adelante como uno de sus mejores recuerdos. En última instancia, Maar reinó como amante de Picasso, aunque era neurótica. Picasso la llamó «la mujer llorona» debido a sus frecuentes llantos. En contraste con la manera en que Picasso pintó a Walter que fue como un ángel luminoso, brillante. Sin embargo a Maar la representó con frecuencia en condiciones más oscuras, como en este retrato que le hace parecer un poco desquiciada.
