¿Qué es las Pintura Occidental?
La Pintura Occidental en general se distingue por su concentración en la representación de la figura humana, ya sea en el contexto heroico de la antigüedad o el contexto religioso del mundo cristiano y medieval temprano. El renacimiento habría extendido esta tradición a través de un examen minucioso de la naturaleza y la investigación del equilibrio, la armonía y la perspectiva en el mundo visible, a la pintura. La primera separación real de la pintura figurativa vino con el crecimiento de la pintura del paisaje en los siglos XVII y XVIII.
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El paisaje y las tradiciones figurativas se desarrollaron juntas en el siglo XIX, en la pintura occidental. Este campo se caracteriza cada vez más por las cualidades “pictóricas» de la interacción de la luz y el color y las cualidades expresivas en la pintura. En el siglo XX estos intereses contribuyeron al desarrollo de una tercera mayor tradición en la pintura occidental, la pintura abstracta, que buscaba descubrir y expresar la verdadera naturaleza de la pintura a través de la acción y la forma.
Definición de la Pintura Occidental
La tradición de la pintura occidental que se conoce hoy heredó la mayor parte de sus raíces del arte griego. La búsqueda de la base de la pintura occidental es la recreación de la naturaleza. La reproducción fiel de lo que percibe el ojo humano, como órgano sensorial. Los griegos ‘embellecieron’ la naturaleza en un estado idealizado, como puede verse en sus esculturas humanas. Más adelante, los artistas pintores utilizan esta fórmula, que representa fielmente lo que los ojos pueden observar, al mismo tiempo que presenta a la naturaleza en un estado idealizado. Esta situación continuó hasta la introducción de los impresionistas (segunda mitad del siglo XIX).
En este sentido, la pintura occidental se compone principalmente por parches de colores, a diferencia de la pintura China que está dominada por líneas. De igual modo, la modernidad en la tradición occidental y los historiadores del arte occidental a menudo se refieren al movimiento impresionista como el comienzo de la modernidad. De manera simplificada, el modernismo puede verse como el proceso por el que el lenguaje pictórico rompió con la exigencia de la perdurable naturaleza, diversificándose en otros temas. Este proceso finalmente llevó a la abstracción, que ha sido un tema predominante en la pintura occidental.
La mayoría de las pinturas occidentales tradicionales se pueden apreciar fácilmente ya que son congruentes con la percepción sensorial visual. Tradicionalmente, se aprecia la pintura occidental por las habilidades del realismo del artista y el ambiente o estado de ánimo presentado en el cuadro. Al mismo tiempo, con la invención de la fotografía, se hizo más evidente que la fotografía podría eventualmente considerarse un sustituto de la pintura realista. Es por ello que, los artistas occidentales comenzaron a cuestionarse la posición que debía tomar la pintura.
¿Cómo se desarrolló la Pintura Occidental?
En las pinturas occidentales modernas, ya sea de paisaje natural o paisaje urbano fueron introducidas en el escenario, las actividades humanas que debían ser interpretadas. Este concepto está estrechamente ligado a la jerarquía de los géneros que tienen las pinturas históricas como paradigma y representa el antropocentrismo que dominaría la civilización occidental moderna. Aunque no hay figuras humanas en la imagen natural y las personas fueron fundidas con el paisaje de la calle, el hombre desempeña el papel principal en la pintura occidental.
Por otra parte, la creciente popularidad de la pintura de paisaje, incluyendo los paisajes urbanos, está relacionada con el desarrollo del turismo. Por lo tanto, las pinturas de este género ofrecen una variedad de lugares de interés que las personas desean visitar. La mirada que domina esas escenas coincide en su principio con la perspectiva geométrica que es particular de la cultura urbana y comparte el ideal de la civilización occidental moderna de conquistar la naturaleza.
La Pintura Occidental en América
En el Siglo XIX la pintura americana en historia del arte fue influenciada por el desarrollo de una nueva nación. La América establecida posee las tradiciones, gobierno propio y sus propias instituciones. De allí que los artistas americanos eran individualistas como era la mayoría de los estadounidenses y después de las tradiciones europeas, eligieron pintar las influencias y las tradiciones de una cultura americana cada vez mayor. Algunos artistas estadounidenses viajaban al extranjero pero los cambios estilísticos o influencias seguían siendo generalmente secundarias.
La Pintura americana se inició en 1825 en la escuela nativos de pintura terminando en 1910 con el artista Winslow Homer y Thomas Cole. De allí que, el período de la escuela indígena comenzó con la pintura de paisaje. Los artistas famosos tales como Thomas Cole, Asher Durand y Guillermo Cullen Bryant, dejaron claro en sus escritos que la pintura paisaje representó para ellos, una resolución de conflicto entre una disposición idealista, religiosa y una demanda de la tranquilidad de la observación del paisaje real.
El desierto tal como lo percibe Cole, era un lugar apropiado para hablar de Dios. Por lo tanto, este periodo de la pintura fue ofrecido al público estadounidense como un todo. Ya que, los paisajes estadounidenses no requieren de imaginativos y especiales conocimientos de historia o estilo para su apreciación y ofrecen una vista del bosque pintado en un estilo realista.
Por lo tanto, en el período colonial entre los siglos XVIII y XIX, la pintura consistió principalmente en retratos y algunos artistas se dedicaron a la pintura del paisaje. Las pocas oportunidades disponibles para los artistas derivan de contactos con la clase colonial.
En este sentido, la América independiente ofrece más oportunidades a todo el mundo, incluyendo a los artistas pintores. Aunque la fotografía inventada en 1839, sustituye eventualmente a la pintura como un cronista de eventos y experiencia, el siglo XIX en América se basó en los pintores para grabar los acontecimientos de la época. El retrato continuó siendo un género de pintura, pero también lo fueron los populares paisajes del desierto americano. Estos dos estilos fueron los más famosos, destacando la vista panorámica de la pintura, ambos altamente románticos, procedentes mayormente de la escuela de Hudson que inspiró a Thomas Cole (c.1825-65) y su rama más adelante del luminismo (c.1850-75). La escuela de Barbizon francesa fue también influyente, mientras que un estilo conocido como tonalismo creció en la década del 1880 al 1890. Igualmente, los movimientos del arte europeo del impresionismo y el postimpresionismo tuvieron algunos seguidores en los Estados Unidos, pero el realismo siguió siendo el estilo dominante.
Tal como el mundo del arte americano fue ampliado durante el siglo XIX, también lo hicieron sus organizaciones. La Academia Americana de las Artes fue fundada ya en 1802 y funcionó hasta 1841. Después de eso fue reemplazada por la Academia Nacional de Diseño (originalmente llamada la sociedad para la mejora del dibujo) que fue creada en 1825 en Nueva York. La Academia Nacional fue la más activa Asociación de Bellas Artes en América hasta el siglo XX cuando su carácter conservador poco a poco le lleva a convertirse en más que una institución histórica.
A partir del año 1900, el arte europeo y, lo más importante, los artistas europeos, comienzan a tener un impacto mucho mayor en América. Este es el resultado de dos factores principales. El primero se relaciona con el aumento del poder comercial estadounidense que a su vez condujo a la aparición de los coleccionistas de arte americano de gran alcance y filántropos, que compraron arte europeo para los museos en los Estados Unidos. El crecimiento de las ciudades americanas, generó los clientes ideales y el desarrollo de nuevos estilos de la arquitectura europea como el “Art Nouveau” (1890-1914) y el “Art Decó” (1920, a 1930). En segundo lugar, los conflictos de la primera y segunda Guerra Mundial, llevaron a muchos artistas continentales a emigrar a los Estados Unidos. Un efecto de este incremento de la influencia europea fue la aparición progresiva de una escuela de arte abstracto: inicialmente orientado a los cubistas, más tarde geométrica y colorista en su naturaleza, proporciona un contraste evidente con la representación nativa.
Por otra parte, el arte de vanguardia más americano se basó en las tendencias que emanan de París, siendo el centro de arte del mundo. El cubismo, expresionismo, dadaísmo y surrealismo eran los más importantes de estos movimientos y atrajo a un número de artistas americanos indígenas, incluyendo: el expresionista cubista John Marin (1870-1953) de Nueva Jersey; el modernista Marsden Hartley (1877-1943); el expresionista Ruso-Americano Max Weber (1881-1961); así como al neoyorquino pionero del Bauhaus Lyonel Feininger (1871-1956). En consecuencia se van cultivando y desarrollando una serie de movimientos y géneros de pintura y arte occidental en el siglo XX.
Estilos incorporados a la Pintura Occidental
Durante la década de 1940, con la influencia europea, Nueva York asumió el control de París como el centro innovador del arte. Esto coincidió con la aparición del mayor movimiento de arte americano, conocido como el expresionismo abstracto (florecido desde 1943 hasta finales de los años 1950).
A principios de los años 1950, una tendencia anti-estética conocida como el arte Neo-Dada, ejemplificada por Robert Rauschenberg (1925-2008) y Jasper Johns (b.1930), surgió como una reacción al intelectualismo del expresionismo abstracto. Este movimiento Dada, utiliza materiales modernos, iconografía popular y contenido absurdo. Coincidió también con el arte del ensamblaje, que son obras de arte hechas de fragmentos de objetos encontrados en los hogares desechos, detritus urbanos, de hecho cualquier material (generalmente reconocible), grande o pequeño. Aunque de breve duración y uno de tales grupos anti arte, fue el Neo-Dada, precursor del Arte Pop.
El Arte Cinético (móviles) fue iniciado por el reconocido ingeniero, dibujante y pintor Aguada Alexander Calder (1898-1976). Igualmente, el llamado arte del forastero fue representado en América por Alfonso Ossorio (1916-90) que produce pinturas sobre papel cubierto de cera, así como los conjuntos decorativos en cemento con numerosos complementos.
El Arte conceptual o conceptualismo, es un movimiento mundial que argumenta que la «idea» de una obra de arte es más importante que la propia obra. Los artistas conceptuales intentan producir ideas ingeniosas diseñadas para sorprender y divertir sin necesariamente dejar atrás cualquier impresionante obra de arte.
Influenciado por el dadaísmo y el surrealismo, los artistas Pop intentaron distanciarse del expresionismo abstracto usando imágenes instantáneamente reconocibles (hamburguesas, personajes de tiras cómicas, colillas de cigarrillos, coches, guantes de béisbol), así como la tecnología del grabado moderno como pantalla impresión, todos haciendo una profundización humorística en la sociedad americana.
El Graffiti, también llamado «Escritura», «Spraycan Art» y «Aerosol Art», este arte de la pintura está estrechamente vinculado al movimiento cultural hip-hop, que surgió en varias ciudades estadounidenses, en la década de 1970, en particular en el metro de Nueva York. Por a mediados de 1970 la mayoría de los estándares creativos en arte aerosol ya se había establecido, y el género comenzó a estancarse. Por la década de 1980, un grupo de vanguardia de pintores del siglo XX pintores como la “United Graffiti Artists” (UGA), fundada en 1972 por Hugo Martínez, habían ampliado su membresía para incluir a muchos de los principales taggers del graffiti y rociadores, con el fin de mostrar obras en sedes oficiales, como la galería de la maquinilla de afeitar. Después de eso, durante la década de 1980 y 1990, grafiteros conocidos comenzaron el alquiler de estudios de arte, mostrando sus obras en galerías de arte.
El Arte postmodernista (siglo XXI), ejemplificada por las obras innovadoras como kitsch de Jeff Koons, continúa predominando en América, reflejando acontecimientos similares en Gran Bretaña ilustrada en las obras de Damien Hirst (b.1965). Sin embargo, mientras que en Gran Bretaña y en el continente, existen los soportes del arte posmodernista torpemente junto a Miguel Ángel y Monet, el mundo del arte americano ha tendido a ser más basado en el producto. Para decirlo simplemente, mientras que los europeos se preocuparon fuertemente por la estética, los estadounidenses compran y venden arte como si se tratara de un conjunto de productos. Esto es tan cierto, que la recesión del 2008-2009, probablemente establece un nuevo valor en las obras del arte americano del siglo XIX, los principios/mediados del siglo XX y la era contemporánea. Por lo que, se cree que el arte contemporáneo ha sufrido un importante descenso de su valor financiero.
La Pintura Occidental de América Latina en la Conquista y la Colonia
Las tradiciones artísticas que se desarrollaron en Mesoamérica, América Central y América del sur después del contacto con el español y portugués a partir de 1492 y 1500, respectivamente han continuado hasta el presente.
El descubrimiento, la conquista y el establecimiento de las Américas, que comenzó en 1492, crea enormes cambios en las culturas indígenas de la región. Cuando llegaron los europeos, principalmente de España y Portugal, llegaron con las tradiciones de la pintura y la escultura que se remonta a la antigüedad. Durante siglos, los pueblos indígenas americanos habían formado de manera semejante civilizaciones con sus propias prácticas artísticas únicas, de las grandes estructuras políticas de los imperios Inca y Azteca, con dispersa presencia de pequeños grupos de pueblos nómadas. La importación de los esclavos africanos condujo a la presencia de tradiciones antiguas y artes visuales africanas en la región.
En el transcurso de las décadas y siglos después del contacto europeo, América Latina experimentó cambios culturales y políticos que llevarían a los movimientos de independencia del siglo XIX, las convulsiones sociales radicales del siglo XX y que continúan en algunos países durante el siglo XXI. Por lo tanto, la producción de las artes visuales en la región reflejan estos cambios. Así, los artistas latinoamericanos han aceptado a menudo superficialmente estilos de Europa y los Estados Unidos, modificándolos para reflejar sus experiencias y las culturas locales. Al mismo tiempo, estos artistas a menudo han conservado muchos aspectos de las tradiciones indígenas. Por lo tanto, como América Latina ha buscado su propia identidad, sus artistas han mirado a su pasado, su cultura popular, a su religión, su entorno político y a su imaginación para crear una tradición diferente de pintura y arte latinoamericano.
La apreciación del arte de América Latina y su historia comenzó como un esfuerzo nacionalista en la segunda mitad del siglo XIX, inspirado en parte por los movimientos de independencia que tuvieron lugar a principios de siglo. Al principio, las discusiones de las artes visuales fueron escritas y generalmente aprendidas de los aficionados, a menudo sacerdotes y arquitectos, o los extranjeros con ojos analíticos. Estos escritos tenían a menudo la estructura de un relato, en el que los monumentos importantes de cada lugar fueron descritos en términos no técnicos, algo románticos. Los escritores generalmente no poseen un gran conocimiento de la historia del arte, pero a menudo trajeron el conocimiento de haber vivido en Europa y visto los famosos monumentos que inspiraron obras en varios países de América Latina. Tras la secularización de bienes eclesiásticos en países como México, algunas construcciones no se mantuvieron y su contenido fue saqueado, haciendo dicha documentación muy importante.
Los historiadores de arte nativos inicialmente tuvieron que ir al extranjero para ser entrenados. Sin embargo, los institutos nacionales para el estudio de las artes se establecieron en América Latina en la década de 1930 como parte de los gobiernos o universidades. Por lo tanto, los estudiosos de América Latina de este período, estudiaron su propia historia visual, y tendían a centrarse en la historia de una nación, y rara vez se examinan en relación con otros países.
Durante la II Guerra Mundial, numerosos eruditos europeos huyeron de la opresión fascista y se exiliaron en América Latina. Estos historiadores de arte aplican métodos académicos europeos al cuerpo de material cultural. Por lo que vieron y desarrollaron una cronología para la región que está relacionada con los estilos artísticos de América Latina vinculados con Europa. Por lo que, muchos estudiosos de los Estados Unidos, que habían sido bloqueados en el mismo momento de hacer la investigación in situ en Europa para la que habían sido entrenados, también aplican su metodología a América Latina. Expertos de Europa y los Estados Unidos tendían a enfatizar las semejanzas a través de límites nacionales y regionales en América Latina. En tanto que, los Latinoamericanos todavía tienden a acentuar sus tradiciones nacionales, con algunas excepciones.
La Pintura Occidental de América Latina en el Período Colonial
En el período colonial entre 1492 y 1820, los primeros exploradores españoles que viajaron a las Américas en los siglos XV y XVI, se establecieron como inmigrantes españoles en unidades sociopolíticas llamadas encomiendas, que eran en efecto ayudantes del gobierno de la tierra y personas a cargo de los poderosos españoles. Bajo el encomendero, la cabeza de la encomienda, los indígenas sirvieron en una variedad de capacidades, y los esclavos africanos fueron importados a menudo por su trabajo. Clérigos vinieron cada vez más a las Américas para funcionar dentro de estas encomiendas y para convertir a los indígenas al cristianismo.
Los portugueses se involucraron más lentamente en la región. Aunque mandaron en Brasil por muchas décadas, no fue hasta el mediados del 1500 que llegaron a estar más directamente involucrados, con las concesiones de sesmerias, o donaciones de tierras, a ciudadanos prominentes. Igualmente, en la América española, los misioneros cristianos se convirtieron en parte de este marco. Un gran número de esclavos africanos fueron importados a Brasil, en parte debido a las necesidades de la industria azucarera y en parte porque sólo un pequeño número de indígenas a menudo insuperables permaneció en la zona.
Por lo tanto, comenzó en la época colonial, una división distinta que existió al principio entre los artistas indígenas y europeos emigrados. En algunos casos los artistas indígenas continuaron explorando sus propias tradiciones y temas sin alteración. Muchos artistas europeos también tomaron temas y estilos de Europa de manera literal que tenía poco que ver con la cultura de América Latina. Cada vez más, sin embargo, las influencias recíprocas se podían sentir de ambos grupos como más una mezcla cultural y étnica que llegó a definir la región.
En el momento de la conquista, los artistas indígenas de algunas zonas, aunque titulados bajo dominio europeo, seguían siendo libres de tal control. Estos artistas incluyen áreas más alejadas tales como la baja Sudamérica meridional e interior (especialmente regiones tropicales y desérticas), América Central, bosque tropical Mesoamérica y las regiones desérticas mexicanas del norte sin potencial minero. Las artes dominantes eran de la época precolombina, cómo el tejido, la cerámica, la metalistería, el lapidario, la plumaria y el mosaico (véase arte nativo americano). Este arte se continuó practicando sin alteraciones en estas áreas en la era postcolonial. Estas regiones fueron sin embargo indirectamente influenciadas por factores tales como: la llegada de los europeos y la propagación de enfermedades a las que los nativos no tenían ninguna resistencia, el movimiento de los pueblos nativos de las zonas conquistadas, la difusión de nuevas tecnologías, de especies de plantas y animales y, finalmente, la importación de esclavos africanos en las zonas despobladas por las poblaciones aborígenes.
En las áreas más directamente en contacto con influencia europea, los artistas indígenas fueron enseñados por los frailes. Frente a un creciente cuerpo de convertidos, los sacerdotes respondieron mediante la creación de proyectos artísticos que claramente requieren la participación de estos pueblos indígenas. El esfuerzo más popular se convirtió en la construcción de enormes casas de culto dentro de las encomiendas; llamados monasterios, estos fueron realmente las células para la conversión de los pueblos indígenas. En el temprano arte de este período, la creatividad personal de los artistas indígenas no fue alentada más bien, se les fomentó la habilidad y competencia. Por lo que, a los artistas indígenas se les mostraban obras importadas de artistas europeos que sirvieron de modelos para las que ellos debían desarrollar.
El Genovés explorador Cristóbal Colón alcanzó el Caribe en sus viajes de 1492 a 1502. En las sociedades principales de las islas del Caribe que encuentra, los jefes no eran muy exigentes en sus temas para bienes o servicios. Ninguno de estos pueblos precolombinos había conocido de la cerámica (para formar el vaso) o esmaltes (para sellarlos), aunque usan métodos de pulido. Los principales oficios que existían en la región, era la cerámica y el tallado de concha y madera, que eran consideradas artes menores por los españoles y otros europeos
Una combinación de imágenes indígenas y europeas condujeron a formas únicas de arte religioso en Mesoamérica en el momento de la conquista. Los escultores indígenas comunican a menudo imágenes cristianas mediante el lenguaje simbólico en que los indígenas estaban acostumbrados. En lugar del crucifijo de estilo europeo típico, levantaron una cruz de piedra pesada, el travesaño fue hecho de brotes de follaje, lo que sugiere que está todavía vivo. Igualmente, los manuscritos de la Mixteca de la época precolombina también representan árboles en forma de cruces, pero éstos se piensan para ser árboles del mundo terrenal conectados a los cielos. No obstante, la pintura, es un arte relativamente frágil, y sobrevive en menor abundancia que la arquitectura o escultura. Sin embargo, se ha descubierto la pintura mesoamericana en forma de murales, decoración en cerámica y manuscritos iluminados.
En este sentido, la pintura en las Américas antes de la colonización europea es la tradición de la pintura precolombina de América. Esta pintura era relativamente extensa, popular y un diverso medio de comunicación y expresión para fines religiosos y utilitarios en todas las regiones del hemisferio occidental.
Durante el período antes y después de la exploración europea y el establecimiento de las Américas; incluyendo América del norte, América Central, América del sur y las islas de el Caribe, las Bahamas, las Antillas, y otros grupos de islas, las culturas nativas indígenas produjeron una variedad amplia de artes visuales, incluyendo pintura sobre textiles, pieles, sobre la superficie de rocas y cuevas, cuerpos especialmente caras, cerámica, elementos arquitectónicos incluyendo murales interiores, paneles de madera y otras superficies disponibles. Desafortunadamente, muchas de las superficies eran perecederas, tales como los tejidos, por lo general no se han conservado, pero la pintura precolombina en cerámica, paredes y rocas ha sobrevivido con mayor frecuencia.
La Pintura Occidental Latinoamericana Actual Moderna y Postmoderna
A finales del siglo XX, como el reino del arte contemporáneo se convirtió cada vez más en global, el arte de América Latina entró en la corriente principal de la crítica internacional de arte y sus artistas fueron reconocidos ampliamente, viviendo como extranjeros en la ciudad de Nueva York y París o exponiendo en las capitales culturales de sus países de origen. La Internet vinculada al mundo, y los museos internacionales se convirtieron en cada vez más en dispuestos a mirar a América Latina para los próximos artistas. Al mismo tiempo, en los centros artísticos de América Latina como la ciudad de México, desarrollaron fuertes escenas de arte nacional con sus propios establecimientos, críticos, museos y galerías.
En este mismo orden de ideas, en la mayoría de los cuadros, de los artistas latinoamericanos se evidencian los estilos de grabados y dibujos, pinturas de murales, al óleo, de género, grafitis entre otros, que dan protagonismo a la figura humana, al paisaje natural y urbano. De igual importancia se tienen animales antropomorfos y paisajes animistas, cuyas raíces se descubren en el folklore de Mesoamérica y Sudamérica. También se encuentran en muchas obras, la mitología precolombina y leyendas de la época colonial. En pintores como Toledo (México), se ha llegado a una comprensión profunda de la iconografía de México como país. Por lo que, también se desarrolla un discurso artístico matizado con el pensamiento y la expresión plástica de cada una de estas regiones donde tiene lugar el arte de la pintura occidental. Igualmente, cuando se contemplan muchas de estas obras de arte, las figuras en muchas de ellas se refieren a sueños y a la subconsciencia llevándolas inmediatamente a formar parte de la realidad del espectador.
En el ámbito internacional el desarrollo de las obras de muchos de los pintores latinoamericanos van a convivir con otras formas de la pluralidad que se suscitan a partir de los años sesenta y setenta como son: el pop art y sus derivados, el cinetismo y el op-art, el minimal, el arte de acción y los happenings, el povera y el land art, los neorealismos y neoconcretismos, el arte conceptual, el cinetismo, entre otros. Sin embargo, las pinturas y los diferentes artistas no pueden encasillarse en un movimiento y tampoco perderán su condición de pertinencia a una cultura determinada, dentro de la diversidad de las culturas latinoamericanas.
¿Cuál es la importancia de la Pintura Occidental?
La mayor parte de la historia del arte occidental busca llamar la atención acerca de la construcción de la pintura desde una visión empírica y realista. Por lo tanto, la idea de estos artistas pintores siempre fue representar lo que se observaba en la realidad. No obstante, a fines del siglo XIX, con el auge del impresionismo esta forma de aproximarse a la pintura comenzó a cambiar. Por lo tanto, los pintores impresionistas buscaron mostrar la realidad desde diferentes puntos de vista, usando pinceladas muy cargadas que hacían perder las siluetas reales de los objetos. Simultáneamente, pintaron las mismas escenas orientando la luz de diferente manera y con diferentes tipos, usando formas geométricas más deformadas, lo que visualmente generaba efectos muy llamativos y que fueron altamente criticados en la época. Considerando que estos pintores no sabían pintar. Luego, los vanguardias del siglo XX tomaron estos elementos como centrales y distorsionaron la realidad para transformarla en elementos únicos y rupturistas, creativos y abstractos, llenos de formas, de color y de siluetas nunca antes vistas.
¿Cuál es el Legado de la Pintura Occidental?
El Arte occidental y en particular la pintura occidental, forma parte del eje internacional, que tiene en Nueva York y París sus capitales tradicionales. No obstante, el arte llevado a cabo en los últimos 50 años, ha incorporado el arte de otras latitudes tales como Oriente, África, Asia, entre otros lugares. De esta forma, el arte y en particular la pintura en la actualidad, va más allá de los conceptos occidentales tradicionales, incorporando nuevas culturas, enfoques y técnicas. Sin embargo, varios críticos sostienen que, aún cuando existe una aparente internacionalización de la cultura, el ideario occidental continúa prevaleciendo como modelo y todo lo que es foráneo es mirado como exótico.
¿Cuáles son los pintores más importantes de la Pintura Occidental?
La Pintura americana se inició en 1825 con la escuela de los nativos de la pintura terminando en 1910 con el artista Winslow Homer y Thomas Cole. Además de otros Artistas famosos cómo Asher Durand y Guillermo Cullen Bryant, que realizaron la pintura paisaje de una forma entre idealista y religiosa, pero a la vez con una demanda de la observación de los fenómenos en la naturaleza. Otros Famosos artistas de este período fueron Albert Bierstadt, Frederick y Fitz Hugh Lane. En el período colonial, destaca el retrato de William Vans Murray por Mather Brown, 1787.
Por otra parte, el pintor John Smibert, es considerado el primer artista bien entrenado de los Estados Unidos, quien se estableció en Newport en 1729. Igualmente, Robert FLa de la escuela de Ashcan (Nueva York c.1892-1919), forma parte de un sistema progresivo de pintores americanos y dibujantes que representó la vida de la ciudad de Nueva York, en un estilo áspero, sin pulir. Igualmente, destaca la escuela de Ashcan, con los artistas: Arthur B. Davies, William J Glackens (1870-1938), Robert Henri (1865-1929), Ernest Lawson (1873-1939), George Luks (1867-1933), Maurice Prendergast (1858-1924), Everett Shinn (1876-1953) y John Sloan (1871-1951). Igualmente, esta escuela incluye una segunda generación de pintores, tales como: George Wesley Bellows (1882-1925) y las obras de Edward Hopper (1882-1967) que produjeron numerosos paisajes de género realista. Por ejemplo, la casa por el ferrocarril (1925, Museo de arte moderno) y el Faro a las dos Luces (1929, Museo Metropolitano) y su obra Nighthawks (1942, Art Institute of Chicago).
Otros pintores como Feke pinta la belleza de los nobles anhelos de la sociedad Colonial. Igualmente, Benjamin West (1738-1820) fue un pintor neoclásico. de la pintura occidental que emergió como un pintor de historia importante de Europa, cuestionando los símbolos alegóricos de la antigüedad clásica que había sido la norma y basando su trabajo en la investigación histórica.
Por su parte, Benjamin West tenía un importante liderazgo e influencia en artistas posteriores; ya que fue el maestro y mentor de una larga lista de estudiantes americanos que más tarde se convirtieron en pintores famosos.