Definición de la Escultura del Período Moderno y Postmoderno agosto 2018Definición de la Escultura del Período Moderno y Postmoderno agosto 2018

Definición de la Escultura del Período Moderno y Postmoderno

¿Qué es la Escultura del Período Moderno y Posmoderno?

La Escultura del Período Moderno y Posmoderno se entiende mejor definiendo la esencia de lo moderno que éste sustituyó aquello de la vanguardia que estaba activo a partir de 1860 la década de 1950. Durante este tiempo, varios artistas en la edad moderna, fueron conducidos por un enfoque de pensamiento radical hacia adelante, con ideas del positivismo tecnológico y grandes discursos de la dominación occidental y progreso. Por lo tanto, la llegada del Neo-dadaísmo y el arte Pop en América después de la guerra,  marcó el comienzo de una reacción contra esta mentalidad que vino a ser conocida como posmodernismo.

La reacción tuvo múltiples formas artísticas para las siguientes próximas cuatro décadas, incluyendo arte conceptual, minimalismo, arte video, así como el arte de la instalación y performance. Estos movimientos son diversos y dispares pero conectados por ciertas características tales como  el tratamiento irónico y juguetón de un sujeto fragmentado, la ruptura de alta y baja cultura de jerarquías, los conceptos de autenticidad y originalidad con un énfasis en la imagen y el espectáculo. Más allá de estos grandes movimientos, muchos artistas y tendencias menos pronunciadas continúan en el sentido posmoderno a este día.

¿Cómo se desarrolló la Escultura Moderna y Postmoderna?

El postmodernismo se caracteriza por un cuestionamiento de las narrativas maestras que fueron adoptadas durante el período moderno, siendo la más importante la noción de que todos los avances, tecnológicos especialmente, son positivos. Rechazando tales narrativas, los postmodernistas se oponen a la idea de que el conocimiento y la historia pueden ser englobados para totalizar las teorías, adoptando en su lugar lo local, el contingente y lo temporal. Igualmente,  otras narrativas rechazadas por los posmodernistas incluyen la idea de un desarrollo artístico meta-orientado, así como también la noción de que sólo los hombres son genios artísticos y la asunción colonialista de que los no blancos son razas inferiores. Así, el arte feminista y el arte de la minoría desafiaba las formas canónicas de este pensamiento a menudo incluido bajo la rúbrica de la postmodernidad y vistos como representaciones de la misma. Igualmente, el postmodernismo anuló la idea de que había un significado inherente a una obra de arte o que este significado se determinaba por el artista en el momento de la creación. En cambio, el espectador se convirtió en un importante determinante del significado, incluso permitido por algunos artistas para participar en el trabajo como en el caso de algunas piezas de rendimiento. Así mismo, otros artistas fueron más allá al crear obras que requirieron la intervención del espectador para crear o completar el trabajo. De igual manera, el dadaísmo prehecho tuvo una marcada influencia sobre el postmodernismo en su cuestionamiento de la autenticidad y originalidad. Combinado con la noción de apropiación, el postmodernismo menoscabó la originalidad hasta el punto de infracción de las leyes de copiado, incluso en el uso de fotografías con poca o ninguna alteración a la original. Así, la idea de romper distinciones entre alto y bajo arte, particularmente con la incorporación de elementos de la cultura popular, también fue un elemento clave de la postmodernidad que tenía sus raíces en finales del siglo XIX y principios del XX en la obra de Edgar Degas, por ejemplo, quien pintó los fans y más tarde en el cubismo donde Pablo Picasso a menudo incluía las letras de canciones populares en sus lienzos. Así, la idea de que toda la cultura visual es no sólo igualmente válida, pero que también puede ser apreciada y disfrutada sin ninguna estética o formación, socava las nociones de valor y merecimiento artístico, con el uso de lo prehecho.

Los comienzos

Los primeros signos de la postmodernidad eran evidentes en el siglo XX con los artistas del dadaísmo ridiculizando la creación del arte con sus acciones anárquicas y actuaciones irreverentes. El término, postmoderno, sin embargo, no fue utilizado  en el sentido contemporáneo sino hasta 1979, por el filósofo J.F. Lyotard. En el arte, el término se aplica generalmente a los movimientos que surgieron a finales de los años 1950, en reacción a la percepción de fallos o excesos de la época modernista.

El modernismo

A finales del siglo XIX a mediados del siglo XX, el arte así como la literatura, la ciencia y la filosofía fueron definidos por un sentido de progreso y avance tecnológico, provocado por la revolución industrial y la afiliación con la positividad de la vida moderna. Artistas como Paul Cézanne y Piet Mondrian se esforzaban para encontrar  un medio de expresión universal a través de la abstracción creciente de sus temas. Otros artistas se centraron en lo subjetivo y lo prohibido, como Salvador Dalí o Marcel Duchamp que fueron vistos como afloramientos en este énfasis en el progreso y la racionalidad, y su trabajo los convirtió en precursores de la posmodernidad.

Por la década de 1930 en ciertos círculos artísticos, el proceso de la pintura y la escultura, una vez aclarados los medios para representar a un objeto, mediante el uso de la línea, el color y la forma, se convirtió en el tema en sí mismo. Este énfasis en el formalismo primero, fue observado y defendido en los Estados Unidos por Clement Greenberg, crítico de arte y feroz defensor de la modernidad. Sus escritos teóricos se ven a menudo como la antítesis de la postmodernidad por su defensa de la pureza artística y por su singular enfoque en el formalismo a expensas de la materia. Así en el momento en que los expresionistas abstractos fueron pintando en galerías y áticos de Nueva York en la década de 1940, la representación había sido eliminada totalmente a favor de una expresión gestual directa centrada en la aplicación de la pintura y escultura más narrativa. Por lo que, era fundamental para el artista de la vanguardia modernista la individualidad, la autonomía y la tendencia a la experimentación radical en busca de una verdad última y su significado.

El entrecruzamiento Modernista Posmodernista

A mediados del siglo XX, el mundo occidental había experimentado un cambio de paradigma importante, marcado por dos guerras mundiales devastadoras, millones de vidas perdidas, las ideologías comunistas destrozadas y la utilización de las armas nucleares. El optimismo moderno que había dominado en un mundo antes de la guerra ahora parecía irrelevante, anticuado y condenado al fracaso. Europa ya no era el centro de arte moderno o la vanguardia.

En este sentido, el foco del mundo del arte y de la escultura ahora se trasladó a Nueva York y a los expresionistas abstractos que florecían en una nueva era del capitalismo de la posguerra revigorizada. Este grupo, sin embargo, fue aún muy marcado por el modernismo, con el movimiento apoyado incondicionalmente por Greenberg como un alto arte hacia  todo el arte incluyendo la escultura,  que había estado presente inexorablemente desde el siglo XIX. Mientras tanto, fuera de este gran enclave del arte, América en la década de 1950, estaba experimentando un auge consumista y cultural, así como un tempestuoso clima político. Por lo tanto, una vez que el expresionismo abstracto en la escultura se convirtió en un movimiento dominante, los jóvenes artistas escultores empezaron a cuestionar su falta de referencia al estado del mundo y a la floreciente cultura popular de los cuales eran una parte. Motivado por estos sentimientos y con un deseo de crear un arte, en la escultura  que reconozca la vida diaria, artistas como Jasper Johns y Robert Rauschenberg comenzaron a experimentar con nuevos estilos que pidieron prestados y recrearon de las imágenes de la cultura de masas que les rodeaba. Así, el estilo Neo-dadaísta  que se volvería asociado, podría decirse que fue el primero de los movimientos de arte genuinamente posmoderno.

En este sentido, estos artistas fueron influenciados por John Cage, y muchos de sus experimentos darían origen al Pop art y al  minimalismo.

Conceptos y Estilos
El Postmodernismo no puede ser descrito como un movimiento coherente ya que carece de características definitivas, reflejada en las esculturas del momento. Puede ser mejor entendido como un conjunto de estilos y actitudes que fueron afiliadas en su reacción contra el modernismo. Un nuevo enfoque a la cultura popular y los medios de comunicación surgió en la década de 1950, provocando una ola de movimientos artísticos que reintrodujo la representación de diferentes fuentes y experimentó con la imagen, el espectáculo, los códigos estéticos, los límites de la disciplina, la originalidad, y la participación del espectador en maneras que desafiaron las definiciones anteriores de la escultura y el arte.

¿Cuál es el legado de la Escultura Moderna y Postmoderna?

Alta y Baja Cultura

La alta cultura es un término usado para describir las tradicionales Bellas Artes, como la pintura y la escultura. El término se emplea comúnmente por el crítico de arte, para denotar clase, calidad y autenticidad. También se utiliza para distinguir los tipos de medios artísticos y disciplinas de la baja cultura o cultura popular, de mercancías producidas en serie, revistas, televisión y pulpa de ficción que tuvo América por la tormenta en el auge consumista de la posguerra. En su definitivo ensayo “Vanguardia y cursilería”, Greenberg Clement advirtió acerca de la vanguardia modernista asociada con lo que él consideraba efusiones filisteas. Greenberg propuso en cambio que las preocupaciones de los artistas escultores y pintores debian estar reservadas para un arte que pudiera transformar la sociedad.
Los postmodernistas, en respuesta, abrazaron el arte popular sin reservas y como eje central de su trabajo. Los artistas pop recrearon los objetos mundanos del consumismo, pero usaron el humor y la ironía para transformar éstos en gigantescas formas suaves (Claes Oldenburg) o en iconos culturales (Andy Warhol), mientras que los minimalistas utilizan materiales industriales para crear formas repetitivas que recuerda a la línea de producción industrial. El arte popular emergió como el sujeto y el medio para muchos artistas y el mercantilismo fue abrazado. Por lo que, este enfoque en la cultura “baja” expandió la definición del arte, mientras que también proporciona la crítica social.

¿Cuales son los principales representantes de la Escultura Moderna y Postmoderna?

El escultor francés Auguste Rodin encontró en la escultura una nueva base para el modelado de la vida y así restaura al arte un prestigio que no había poseído por más de dos siglos. Aunque el arte de Rodin parece conservadora en comparación con la pintura de la época, exploró temas mitológicos y literarios, y su nuevo estilo, hizo mucho para restablecer la importancia de la escultura como medio expresivo, por lo que, su trascendencia para la escultura del siglo 20 no puede ser sobrestimada.  Así, Rodin, en su escultura la Edad de Bronce (1877), deja evidencia de que aprendió de Honoré Daumier el audaz modelado de superficies que son más emotivos que literales, puesto que, esta estatua es sólo una aproximación áspera que evita el acabado definitivo de la escultura anterior y permanece en un estado de ser.

Entre los contemporáneos de Rodin, Edgar Degas, cuya escultura, tal vez iniciada en la década de 1870, fue un íntimo estudio del movimiento y esfuerzo físico a través de temas cotidianos, en varios respectos predice acontecimientos del siglo 20. Camille Claudel estudió y trabajó con Rodin; sus obras se encuentran en el mismo estilo y es probable que ella no sólo inspiró sino también colaboró en varias de sus obras más importantes en la década de 1880 y 90.  El más capaz de muchos alumnos de Rodin fueron Émile-Antoine Bourdelle y Charles Despiau. “Héraklès Archer” de Bourdelle (1910) es un intento de continuar posturas activas de Rodin; pero los resultados son melodramáticos y las formas son pesadas y menos sensible modelada.

Sir Jacob Epstein, (1880-1959), uno de los principales escultores del retrato del siglo XX, cuya obra, aunque rara vez innovadora, fue ampliamente anunciada para su representación perceptiva del carácter de la niñera y su técnica de modelado.

Uno de los primeros ejemplos de la escultura revolucionaria es la Cabeza de mujer (1909), de Picasso. El escultor ya no confió en los métodos tradicionales de la escultura o en su experiencia sensorial del cuerpo.  Por lo que, fue dominado por  una conceptualización fuerte del sentido de la vista  y  del tacto. Por lo tanto, el aspecto cambiante y contundente de la cabeza deriva de la utilización de volúmenes planos angulares y la incorporación de una nueva sintaxis independiente de la anatomía.

Definición de la Escultura del Período Moderno y Postmoderno
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Definición de la Escultura del Período Moderno y Postmoderno
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La Escultura del Período Moderno y Postmoderno se caracteriza por un cuestionamiento de las narrativas maestras adoptadas durante el período moderno
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