Definición de la Escultura del siglo XX
Una característica importante de la escultura del siglo XX es el papel que la pintura ha jugado en ella. Desde el renacimiento el pintor ha ocupado una posición dominante en las artes visuales. Por lo que, el renacimiento de la escultura en el siglo XX ha sido en gran parte el resultado de una interacción sana entre ésta y la pintura. Los escultores han mirado en la pintura y han sido profundamente influenciados por cada movimiento de la pintura moderna. Pero, también, los pintores han mirado en la escultura, y muchos han producido importante esculturas ellos mismos.
Muchos pintores modernos en busca de inspiración fuera de los campos tradicionales hecha estéril por el sobrepastoreo de los artistas académicos, han convertido a las culturas no occidentales, por ejemplo África, cercano y lejano Oriente, la conquista de América del sur y Oceanía, en fuentes, en gran parte representadas en la escultura, y han recibido sugerencias para nuevos experimentos formales así como para la ampliación y enriquecimiento de sus imágenes. Siguiendo estas fuentes y ejemplos, el escultor moderno ha aumentado enormemente los recursos de su arte tal como lo demuestra a simple vista, la diversidad y complejidad de la escultura del siglo XX.
La escultura contemporánea como arte, experimentó el cambio más radical en el siglo XX, ya que sus tendencias evolucionan en un camino paralelo al de la pintura y en varios casos los pintores cultivan también la escultura. Uno de sus más resaltantes tendencias fue el Cubismo que supuso la ruptura definitiva con la tradición. La figura humana desaparece como inspiración para que se impongan las formas geométricas. Pero, además la otra gran característica de la escultura contemporánea es convertir el lenguaje escultórico en otro medio de expresión de la angustia del ser humano actual. Así, tanto la geometrización, como la abstracción, la inclusión de espacios por un lado y el expresionismo por el otro, además de la trascendentalización de las formas, son en líneas generales los principios de la escultura del siglo XX. Por lo tanto, las características más importantes de esta escultura son:
- La despersonalización de las figuras para conseguir nuevas estructuras esenciales de las figuras humanas o animales, destacando la naturaleza del material.
- La creación de nuevas formas con una estructura plástica casi arquitectónica.
- La experimentación con nuevos materiales piedra, metal, plásticos, para conseguir formas diferentes.
- La prioridad otorgada al espacio y al vacío.
¿Cómo se desarrolló la escultura del siglo XX?
Entre los siglos XVII y XIX el escultor occidental fue dependiente de la tradición grecorromana, derivada del renacimiento. Rodin, el padre de la escultura moderna, seguía estando en gran parte dentro de esa tradición, debido a la fuerza de su personalidad, y bajo el estímulo de los movimientos revolucionarios en la pintura, dio a esta tradición, una nueva vida después de que prácticamente había muerto a manos de formularios académicos. Sin embargo, la retórica de Rodin puede ser difícil de aceptar hoy en día, debido a lo escéptico e inhibido ante los cataclismos. Y aún durante la primera década del siglo hubo una reacción por parte de escultores tales como Maillol y Brancusi a la explosividad de la dinámica de las formas y temas de Rodin. Igualmente, tal como Cezanne se había esforzado para controlar y dar contenido a los efectos de luz evanescentes de los impresionistas, Maillol había domesticado el fuego de los gestos de Rodin en los ritmos cerrados y compactos de sus composiciones, basadas casi totalmente en el desnudo femenino, presentando un versión contenida e idealizada de la figura humana que ha influido en grande en los escultores modernos.
Por otra parte, los surrealistas, a partir de los años veinte, reaccionaron violentamente ante lo que consideraban era el estéril intelectualismo del arte abstracto de cualquier grado. Como correctivo se exploró el mundo de la experiencia subconsciente y de esta fuente se creó un imaginario de dimensiones fantásticas, horribles, siendo González y Giacometti los máximos exponentes de esta escultura surrealista y su influencia, particularmente de Arp y González, ha sido generalizada. Así, mientras que el surrealismo dejó de ser un movimiento organizado antes del comienzo de la segunda guerra mundial, su influencia, junto con la de los constructivistas, ha continuado hasta hoy. Por una especie de fusión de los dos, de hecho, se ha producido un nuevo movimiento vanguardista ahora vagamente llamado expresionismo abstracto, cuyos profesionales principales son americanos. Al mismo tiempo, durante la última década y media del siglo XX, ha habido una vuelta por algunos de los mayores escultores, a formas más naturalistas. Picasso, Lipchitz y Laurens y algunos de los italianos más jóvenes como Marini y Manzu son ejemplos de esta tendencia. Por lo tanto, la escultura moderna, como todos los demás aspectos del siglo XX, ha ido en un estado constante de cambio, en el momento actual no muestra señales de llegar a ninguna resolución final, allí quizás está el secreto de su extraordinaria diversidad y vitalidad nerviosa.
Durante las primeras décadas del siglo XX el cubismo arrasó muchos de los principios sagrados del arte plástico tradicional y desencadenó una ola de experimentación en la escultura. Así, el arte representacional fue rechazada a favor de nuevas expresiones abstractas de espacio y movimiento, normalmente utilizando materiales no tradicionales nunca antes utilizados. Guerra Mundial (1914-18) y la revolución rusa de 1917 fueron también importantes influencias, desencadenando movimientos como el dadaísmo y el constructivismo. Los artistas modernos comenzaron a producir obras de arte realizadas con objetos encontrados (el «Readymades» de Duchamp, Schwitters y los «Merz» collages), que también reflejan nuevos iconos como la máquina, así como nuevos conceptos del diseño.
La Etapa del Surrealismo (1925-1960)
El surrealismo de mediados del siglo XX, reemplazó al dadaísmo, convirtiéndose en un movimiento muy influyente de abstracción geométrica, así como del realismo clásico. Otros escultores del siglo XX fueron explorando nuevas formas de la abstracción orgánica, mientras que la escultura móvil y el movimiento cinético fue precursor en ambos lados del Atlántico. No obstante, después de la II Guerra Mundial, no hay una escuela de escultura en Nueva York o París para comparar con el estilo principal de la pintura del expresionismo abstracto, aunque hubo una originalidad considerable, principalmente en el uso de nuevos materiales y un sentimiento creciente de conceptualismo. Por lo tanto, el ensamblaje de este arte, surgió a menudo hecha de basura industrial, con trabajos multimedia combinando pintura, collage, escultura y otras formas de arte moderno.
Pop-Art y postmodernismo (1960 al presente)
El primer movimiento de la posguerra importante que involucra la escultura, ha sido el Pop-Art, que se originó en la última década de 1950 y duró hasta la década de 1970. Actuó como el puente entre el modernismo y el arte posmodernista. Así, la escultura pop no era considerada seria pero fue muy divertida, a diferencia del minimalismo de la década de 1960 en la que predominó la pureza de las formas hasta el punto de lo absurdo. Igualmente, en la década de 1960 se vio también un nuevo tipo de escultura conocida como arte ambiental, en el que artistas posmodernistas excavaron el paisaje natural para crear lo que esperaban era arte. Por lo tanto, ya en 1970, el arte contemporáneo, incluyendo la escultura, era cada vez más experimental. A menudo, cruzado en otras formas de arte tales como la instalación y el ensamblaje con el teatro. Los historiadores del arte se refieren a esta época post-1970 como «posmodernidad», aunque pocos analistas parecen saber el significado exacto del término.
¿Cuál es el legado de la Escultura del siglo XX?
La primera mitad del siglo XX estuvo marcada por dos guerras mundiales que para muchos es algo difícil de imaginar. En la década de 1950, Gran Bretaña estaba emergiendo de la sombra del conflicto y los artistas alrededor del mundo siguen buscando respuestas adecuadas. Replanteándose el camino para el arte moderno y preguntándose si hacer arte tenía que ver con pretensiones morales, decidiendo entre la pintura abstracta o realista, incluso entonces, entre el arte sencillo como la fotografía, o más complejo como las figuras de Lucian Freud con sus características misteriosas y siniestras basadas en el realismo, o si la pintura debía ir por el camino de Patrick Heron, cuyas obras tienen valores abstractos manteniendo la real la materia. No obstante, Azalea Garden de Herón en mayo de 1956 parece mostrar un arte muy abstracto pero dando señales de cambio hacia la representación, pero también se las arregla para capturar el efecto del sol en extremo a través de un luminoso jardín inglés. Por lo tanto, este fue sólo un potencial avance artístico en una época turbulenta para el arte británico, por lo menos. Sin embargo los debates en torno al arte moderno internacional estaban en alcance. Muchos artistas se trasladaron a Gran Bretaña en la década del 1950 y 60 específicamente a estudiar y participar con el modernismo, que era en sí mismo una especie de «lengua internacional» capaz de superar las fronteras de la cultura, discurso y diferencia política. Así, el artista paquistaní Rasheed Araeen, por ejemplo, fue un pionero del minimalismo en Gran Bretaña. Pero la creación de arte en la época sólo se podía ver en Araeen y otros artistas internacionales en términos de su etnicidad, marginando pero también incitando a desafiar y definir los modernismos propios. Igualmente, una de las figuras principales de esta época fue Henry Moore, cuyas esculturas de figuras humanas enormes y curvas lograron la captura de algo abstracto y humano. Moore tomó el género de la escultura pública (generales masivas piezas de caballos y figuras militares igualmente triunfantes) y las convirtió en algo más personal para Gran Bretaña después de la guerra. Así, los caídos, una de sus obras, son una representación más suave y el resumen de las consecuencias de la guerra, mientras que otras esculturas como su grupo familiar de 1949 muestran figuras en composiciones tiernas, compartiendo una visión de una sociedad orientada a la comunidad en construcción de sí misma otra vez.
Desde los años 60 y a través de los años 80 Gran Bretaña y el arte británico experimentó un período de gran cambio social y político. Nuevos temas, nuevas formas de abstracción, el arte conceptual, eleva la idea de una obra de arte por encima de las preocupaciones materiales. Por lo que, la actuación en vivo, y el arte del video llegaron por primera vez, y con explosión. Así que, Londres se convirtió en el punto artístico y el hogar de muchos pintores y escultores emblemáticos emergentes como Peter Blake y David Hockney. En tanto que, las minorías étnicas, sexuales y políticas, cuyas voces fueron suprimidas anteriormente, comenzaron a ver en el arte moderno, una salida para sus ideales.
El énfasis en el aspecto conceptual del arte, al privilegiar las ideas sobre los objetos, hizo que al compartir las mismas, fuera aún más fácil su asimilación.
¿Cuáles fueron los principales representantes de la Escultura del siglo XX?
Uno de estos artistas, Anthony Caro, tomando la disciplina artística de sus compañeros como puente, viajó por América y fue testigo de la pintura abstracta en completo vigor (en pinturas, como las de Mark Rothko o Barnett Newman). Así, Caro obtuvo las cualidades de la pintura abstracta y las convirtió en formas escultóricas, tal como lo muestra en su obra titulada: En una temprana mañana. Caro había trabajado con Henry Moore pero se alejó de las figuras humanas, yendo más bien hacia formas duras, brillantes y abstractas. Él incluso fue un paso más allá, bajando sus esculturas del plinto, la base tradicional de la escultura, para colocarla directamente en el piso. Esta fue la época cuando el arte británico intentó desafiar a la categorización, renegociando los objetos de arte y su significado.
Otro representante de la escultura del siglo XX, fue Antoine Bourdelle (1861-1929), Francés, discípulo de Rodin, quien mostró gran interés por la escultura arcaica griega y la románica, por lo tanto, su escultura es naturalista y clásica. Igualmente, sus obras destacan por el culto a la fuerza, en un interés por representar el volumen, las formas geométricas y proporcionadas.
Arístides Maillol (1861-1944), también Francés, está en la corriente de la tradición clásica, colocando su interés en las formas puras, ignorando los detalles y elementos accesorios. En su obra resalta el volumen simple, redondeado y de modelado liso. Además, sus esculturas, tienen una concepción arquitectónica del cuerpo humano, construyendo la figura con un esquema geométrico.
De los artistas españoles, es importante resaltar las obras de:
Manuel Martínez Hugué (1872-1945), quien resalta en sus esculturas un canon, en el aspecto, más bien rechoncho, de pequeño tamaño, siendo las figuras muy expresivas, de aspecto alegre y juvenil. Fernández (1885-1957), también Español, con su enfoque sobre el tema de los animales, que los representa en reposo, con superficies brillantes y tersas. Igualmente, José Clara (1878-1957), representante del estilo mediterráneo, que evolucionó desde la estilización hacia un naturalismo acentuado, enfatizando el modelo real, destacando la representación de la modernidad, en el marco del clasicismo. Por lo que, muestra en sus esculturas las formas estáticas y aplomadas, conjugando de manera sabia, la belleza formal con el sentimiento humano, haciendo una exaltación del cuerpo femenino en su aspecto robusto y sano.
