Principales técnicas de la Pintura
Hay diversas técnicas de pintura que se han desarrollado a lo largo de la historia, aquí te mostramos cada de una de ellas:
Pintura Acrílica
Esta técnica de pintura se ejecuta por medio medio de resinas de acrílico. La ventaja del acrílico es que permite el secado rápidamente, también es un vehículo para cualquier tipo de pigmento y puede dar el brillo transparente de acuarela y la densidad de la pintura de aceite. Se considera que puede ser menos afectada por el calor y otras fuerzas destructivas que la pintura de aceite. Se encontró el favor entre los artistas que estaban preocupados por los riesgos para la salud del manejo del óleo y la inhalación de los humos asociados a ellos. Debido a todas estas características deseables, las pinturas acrílicas se hicieron inmediatamente populares con los artistas cuando primero, fueron promovidas comercialmente en la década de 1960. Notables artistas del siglo 20 utilizan la pintura acrílica. Incluyen artistas del arte Pop Andy Warhol y Roy Lichtenstein, el artista Bridget Riley Op. Artistas del campo del color Mark Rothko, Kelly de Ellsworth, Barnett Newman y el artista británico David Hockney.
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Pintura Acción
Esta técnica es directa, instintiva y muy dinámica, que consiste en la aplicación espontánea de vigorosas, amplias pinceladas y los efectos de la posibilidad de goteos y derrames de pintura sobre el lienzo. El término fue acuñado por el crítico estadounidense Harold Rosenberg para caracterizar el trabajo de un grupo de expresionistas abstractos estadounidenses que utilizaban el método de 1950. Así, la pintura de la acción se distingue por una obra cuidadosamente preconcebida de los pintores imaginativos abstractos, del campo del color, que constituye la otra dirección importante implícita en el expresionismo abstracto y se asemeja a la pintura de la acción solamente en su absoluta devoción a la expresión personal sin trabas de todos los valores estéticos y sociales tradicionales.
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Perspectiva aérea
También llamada perspectiva atmosférica, es un método que permite crear la ilusión de profundidad o recesión, en una pintura o dibujo, usando el color para simular los cambios efectuados por la atmósfera sobre los colores, lo que se ve como una modulación a distancia. Aunque el uso de la perspectiva aérea ha sido conocido desde la antigüedad, Leonardo da Vinci la utilizó por primera vez y menciona el término en su tratado sobre pintura, en que explica que los colores se vuelven más débiles en proporción a la distancia de la persona que está mirando. Más tarde se descubrió que la presencia en la atmósfera de la humedad y de partículas diminutas de polvo y material similar provoca una dispersión de la luz cuando pasa a través de ellos, y el grado de dispersión depende de la longitud de onda, que corresponde al color de la luz. Porque la luz de corta longitud de onda, la luz azul, es más dispersa, los colores de todos los objetos oscuros distantes tienden hacia el azul; por ejemplo, la cordillera tiene un molde azulado. Mientras que, la luz de larga longitud de onda, la luz roja, se dispersa menos, así, los objetos brillantes distantes aparecen más rojos porque el azul es dispersado y perdido de la luz por la que se ven. Por lo tanto, generalmente los contrastes entre luz y sombra aparecen menos extremos a grandes distancias. Todos estos efectos son más evidentes en la base de una montaña que en su pico, puesto que la densidad de la atmósfera que es mayor en elevaciones más bajas.
Ejemplos de perspectiva aérea se han encontrado en antiguas pinturas murales grecorromanas. Las técnicas se perdieron del arte europeo durante el oscurantismo y la edad media. Luego fueron redescubiertas por los pintores flamencos del siglo 15 (como Joachim Patinir), después de lo cual se convirtieron en un elemento estándar en el vocabulario técnico del pintor europeo.
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Anamorfosis
En las artes plásticas, es una técnica ingeniosa técnica de perspectiva que da una una sensación de imagen distorsionada al sujeto, representando una imagen como cuando es vista desde el punto de vista usual, pero se ejecuta como si fuera a ser vista desde un ángulo particular, reflejada en un espejo curvo, la distorsión desaparece y la imagen aparece normal. Se deriva de la palabra griega que significa transformar. El termino anamorfosis fue empleado por primera vez en el siglo XVII, aunque esta técnica ha sido uno de los subproductos más curiosos del descubrimiento de la perspectiva en los siglos XIV y XV.
Las primeras obras aparecen en los cuadernos de Leonardo da Vinci. Fue vista como una muy virtuosa técnica de exhibición y fue incluida en manuales de dibujos del siglo XV. Dos importantes ejemplos de anamorfosis están en un retrato de Edward VI (1546) que ha sido atribuido a William Scrots y un cráneo en primer plano de la pintura de Hans Holbein (1533). Muchos ejemplos se proporcionan con miradores especiales a través de los cuales se puede ver la forma rectificada que primero eludió al espectador.
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Camaieu
Es una técnica por la cual una imagen se ejecuta completamente en tonos o matices de un solo color o en varios tonos artificiales al objeto, figura o escena representada en la pintura. Cuando una imagen se procesa de manera monocromática en gris, se llama grisalla. Cuando está en amarillo, cirage. Originario en el mundo antiguo, el camaieu fue utilizado en la pintura de miniatura para simular camafeos y en decoración arquitectónica para simular la escultura de la relevación.
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Pintura de Caseína
Está técnica de pintura es realizada con colores tierra en una solución de caseína, una fosfoproteína cuyo precipitado se lleva a cabo, calentando con un ácido o ácido láctico en la acidificación de la leche. En forma de cuajada casera o de leche descremada cuajada, ha sido un tradicional adhesivo y aglutinante por más de ocho siglos. Así, la caseína en polvo, pura y refinada, que puede ser disuelta con amoníaco, se ha utilizado para el lienzo en caballete y pinturas murales desde el siglo XIX, principios del XX y, más recientemente. Así la caseína en las pinturas prefabricadas en tubos ha entrado en uso amplio. Una ventaja de la pintura de caseína es que puede crear efectos que se acercan a los de la pintura al óleo. Permite el uso de cepillos de cerdas y un empaste moderado, como la pintura al óleo, pero no la fusión de tonos. Es preferida por algunos artistas debido a los efectos mates y secado rápido. Cuando se seca, la pintura se convierte en resistente al agua a un grado considerable. Por lo tanto, las pinturas de caseína pueden ser barnizadas para asemejarse más a pinturas al óleo, y con frecuencia son esmaltadas o pintadas con colores de aceite. Igualmente, debido a que la caseína es demasiado frágil para el lienzo, debe ser aplicada en paneles o placas rígidas.
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Pintura Encáustica
En esta técnica se mezclan los pigmentos con cera caliente, líquida. Después todos los colores se han aplicado a la superficie de la pintura, un elemento de calefacción se pasa sobre ellos hasta que las marcas de pincel o espátula individuales se fusionan en una película uniforme. Este calentado de los colores es un elemento esencial de la verdadera técnica encáustica. Así, la cera encáustica tiene muchas de las propiedades de la pintura de aceite: puede dar un efecto muy brillante y atractivo y ofrece gran alcance para la pincelada expresiva y elegante.
Sin embargo son considerables, las dificultades prácticas de la utilización de un medio que tiene que mantenerse caliente. Aparte de la mayor sofisticación de los métodos modernos de la calefacción y el uso de aceite en la lona (o resina), la técnica actual es similar a la descrita por el erudito romano Plinio de comienzos de siglo. Ya que, la pintura encáustica fue inventada por los antiguos griegos y ellos llevaron a la cima su perfección técnica en el siglo IV A.C.
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Pintura al Fresco
Es el método de la pintura con pigmentos a base de agua en el yeso recién aplicado, generalmente en superficies de pared. Los colores, se hacen moliendo los pigmentos de polvo seco en agua pura, secar y fijar con el yeso para convertirse en una parte permanente de la pared. Por lo que, la pintura al fresco es ideal para preparar murales porque se presta a un estilo monumental, es durable y tiene una superficie mate.
El bueno o verdadero fresco es la técnica más duradera y consiste de un proceso de tres capas sucesivas de yeso preparado especialmente, con arena y polvo de mármol colocado con llana sobre la pared. Cada una de las dos primeras capas son ásperas y luego se aplica la última capa que permite a definir (secar y endurecer). Mientras tanto, el artista, quien ha hecho un boceto a gran escala (Dibujo preparatorio) de la imagen que tiene la intención de pintar, transfiere los contornos del diseño en la pared en un trazo de dibujos. Luego se coloca la capa final, lisa (entonado) de yeso para luego ser pintada. Los límites se colocan cuidadosamente a lo largo de las líneas del contorno, para que las juntas, de cada sección sucesiva del enlucido fresco sean imperceptibles. El trazo es luego alineado cuidadosamente con las secciones adyacentes de la pared pintada y así provengan de su interior las líneas y contornos pertinentes sobre el yeso fresco. Este débil pero preciso dibujo sirve como guía para pintar la imagen en color.
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El Graffiti
Es una forma de comunicación visual, generalmente ilegal, que marca de manera no autorizada el espacio público por un individuo o grupo. Aunque la imagen común del graffiti es un símbolo estilístico o frase aerosol-pintado en una pared por un miembro de una pandilla callejera, algunos graffiti no están relacionados con las pandillas. El Graffiti se puede entender como una conducta antisocial realizada con el fin de obtener atención o como una forma de buscar la emoción, pero también puede ser entendido como una forma de arte expresiva.
Se deriva de la palabra italiana graffio («rasguño»), el graffiti (inscripciones incisas), es plural pero de uso frecuente como singular y tiene una larga historia. Por ejemplo, las marcas se han encontrado en las antiguas ruinas romanas, en los restos de la ciudad maya de Tikal en América Central, en las rocas en España que datan del siglo XVI y en las iglesias medievales inglesas. Durante el siglo XX, el graffiti en Estados Unidos y Europa estaba estrechamente asociado con pandillas, que se utilizaron para una variedad de propósitos: para identificar o reclamar territorio, para conmemorar a los pandilleros muertos en un informal «Obituario», jactándose sobre hechos, por ejemplo, delitos cometidos por miembros de pandillas y de bandas rivales difíciles como preludio a las confrontaciones violentas. Así el Graffiti fue particularmente destacado en los principales centros urbanos en todo el mundo, especialmente en los Estados Unidos y Europa por lo que su objetivos comunes se encuentran en los subterráneos, vallas publicitarias y paredes. En la década de 1990 surgió una nueva forma de graffiti, conocido como «tagging», que exigió el uso repetido de un solo símbolo o serie de símbolos para marcar territorio. Con el fin de atraer la mayor atención posible, este tipo de graffiti apareció generalmente de manera estratégica en los centros y barrios.
Para algunos observadores el graffiti es una forma de arte público, continuando la tradición, por ejemplo, de los murales encargados por los Estados Unidos de la Administración Federal, de obras durante la gran depresión y la obra de Diego Rivera en México. Como los murales de estos artistas, grandes obras de graffiti pueden embellecer un barrio y hablar por los intereses de una comunidad específica. Por ejemplo, el graffiti de muchos barrios hispanos en los Estados Unidos es bastante elaborado y es considerado por muchos como una forma de arte urbano. La cuestión de si dicho trabajo es una innovadora forma de arte o una molestia pública ha despertado un gran debate.
En este sentido, el Graffiti se convirtió en notorio y prominente en la ciudad de Nueva York a finales del siglo XX. Grandes graffitis multicolor fueron creados y elaborados con pintura en aerosol en las paredes y vagones del metro que llegaron a definir el paisaje urbano. Llegó a causar cierta fascinación en el mundo del arte por los artistas que funcionaban con los canales tradicionales fuera de la galería y que habían estimulado el interés en esta forma de expresión. En la década de 1980 en Nueva York artistas como Keith Haring y Jean-Michel Basquiat quienes ganaron notoriedad por sus graffitis, han apostado por el reconocimiento en carreras exitosas como pintores, representados por galerías superiores.
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El Mural
Es una pintura aplicada para lograr una obra integral con la superficie de una pared o techo. El término correctamente puede incluir pintura sobre azulejos despedidos pero ordinariamente no se refiere a la decoración de mosaico a menos que el mosaico forme parte del esquema general de la pintura. Por lo tanto, la pintura mural es intrínsecamente diferente de todas las otras formas de arte pictórico ya que está orgánicamente conectado con la arquitectura. El uso del color, diseño y tratamiento temático puede alterar radicalmente la sensación de proporciones espaciales del edificio. En este sentido, el mural es la única forma de pintura que es verdaderamente tridimensional, ya que modifica y participa de un espacio dado. Las decoraciones del mosaico bizantino demostraron el mayor respeto por la forma arquitectónica orgánica. Los grandes artistas del Renacimiento, por el contrario, intentaron crear una sensación ilusionista del espacio, y los maestros del barroco posterior obtuvieron tales efectos radicales que parecen disolver casi por completo las paredes o techos. Aparte de su relación orgánica con la arquitectura, una segunda característica de la pintura mural es su amplia trascendencia pública. Así, el artista mural debe concebir gráficamente un tema social, religioso o patriótico en la escala adecuada en referencia a las exigencias estructurales de la pared y a la idea expresada.
En la historia de la pintura mural, se han utilizado muchas técnicas: pintura encáustica, pintura al temple, pintura al fresco, cerámica, pintura al óleo sobre lienzo y, más recientemente, silicato líquido y esmalte de la porcelana cocida. En la época clásica grecorromana, el medio más común fue la encáustica, en que colores en aglutinante de cera fundida (capa de resina) fueron aplicados a la superficie de la pintura mientras estaba caliente. Igualmente, la pintura tempera también fue practicada desde los primeros tiempos conocidos. La capa era de un medio albuminado como yema de huevo o clara de huevo diluida en agua. En Europa del siglo XVI, la pintura al óleo sobre lienzo entró en uso general para murales. El hecho de que pudiera ser completado en el estudio del artista y más tarde transportado a su destino y fijado a la pared fue de conveniencia práctica.
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Pintura al óleo
Esta técnica de pintura en colores de aceite, se conforma de un medio compuesto por pigmentos suspendidos en aceites secantes. La excepcional facilidad con la que se logra la fusión de tonos o color la hace única entre los medios de pintura fluida. Al mismo tiempo, se obtienen fácilmente satisfactorios tratamientos lineales y efectos crujientes. Por lo que, la pintura puede ser opaca, transparente y translúcida, dentro de su gama, y es insuperable para la variación textural.
Los artistas elaboran los colores de aceite a través de la mezcla de pigmentos secos en polvo con aceite de linaza refinado seleccionado a una consistencia de pasta rígida y pulido por la fricción fuerte en molinos de rodillo de acero. La consistencia del color es importante. El estándar es una pasta lisa, mantecosa, no fibrosa, ligera o pegajosa. Cuando se requiere una calidad más que fluye o móvil el artista usa un medio de pintura líquida como trementina de goma pura debe mezclarse con ésta. Para acelerar el secado, un secante líquido, se utiliza a veces. Los cepillos o pinceles de primera calidad se fabrican en dos tipos: rojo sable (de varios miembros de la familia de la comadreja) y las cerdas de cerdo blanqueado. Ambos vienen en tamaños numerados en cada una de las cuatro formas regulares: redondo (acentuado), plano brillante (forma plana pero más corta y menos elástica) y oval (plano pero claramente acentuado). Los pinceles de marta rojos son ampliamente utilizados para el suavizado, menos robusto tipo de pincelada. Igualmente, la espátula, es una versión finamente templada, y ágil de cuchillo de paleta del artista, es una herramienta conveniente para la aplicación de colores de aceite de una manera robusta.
En este sentido, las pinturas al óleo hechas antes del siglo XIX fueron realizadas en capas. La primera capa era un campo en blanco, uniforme de pintura enrarecida llamado suelo. El suelo había sometido el blanco evidente de la cartilla y proporciona una base de color suave para construir imágenes. Las formas y objetos en la pintura luego eran bloqueadas con el uso de tonos de blanco, gris o verde neutro, rojo o marrón. Por lo tanto, las masas resultantes de luz monocromática y oscura fueron llamadas fondos. Las formas se definían utilizando cualquier pintura sólida, por lo que, la aplicación de finas capas de pigmento opaco pueden luego impartir una variedad de efectos pictóricos. En la etapa final, se utilizan capas transparentes de color puro llamado esmalte para dar luminosidad, profundidad y brillo a las formas, y los destacados son definidos con parches de pintura llamados empastes gruesos y con textura.
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Pintura Panorama
En las artes plásticas, se trata de una escena narrativa continua o paisaje pintado conforme a un plano curvado de fondo, lo que rodea o se desenrolla ante el espectador. Por lo tanto, los panoramas generalmente se pintan de una manera amplia y directa, similar a la escena, o teatro. Fueron populares en los siglos XVIII y XIX, por lo que, el panorama era esencialmente el antecedente del stereoptico y de imágenes en movimiento, especialmente animaciones y el proceso llamado Cinerama.
El verdadero panorama se exhibe en las paredes de un cilindro grande, la versión más temprana es de 18 metros (60 pies) de diámetro y más adelante tan grande como 40 metros (130 pies) de diámetro. El espectador, que está parado en una plataforma en el centro del cilindro, gira y ve sucesivamente todos los puntos del horizonte. El efecto de estar rodeado de un paisaje o un acontecimiento puede acentuarlo por el uso de la iluminación indirecta para dar la ilusión de que la luz emana de la pintura misma.
La primera pintura panorama fue ejecutada por el pintor escocés Robert Barker, que la exhibió en Edimburgo en 1788 a la vista de la ciudad, seguida de panorámicas de Londres y la batalla de las Guerras Napoleónicas.
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Pintura en Perspectiva
En esta técnica se representan gráficamente los objetos tridimensionales y las relaciones espaciales en un plano bidimensional o en un plano que es menor que la original (por ejemplo, en relieve plano). La perceptiva es un método de representación del espacio y volumen, que al aplicarla la obra se ve en un momento determinado y desde una posición fija. Esta técnica es característica de la pintura china más occidental y también del renacimiento, en contraste con los métodos conceptuales. Pinturas de niños de artistas en los primeros tiempos, tales como las pinturas de culturas como Egipto, Creta, India, Islam y el pre-renacimiento en Europa, así como las pinturas de muchos artistas modernos. Así, estas pinturas representan objetos y entornos independientes el uno del otro, como se ven más que como parecen ser y desde las direcciones que mejor se presentan sus rasgos más característicos. Muchas pinturas egipcias y cretenses así como los dibujos y grabados por ejemplo, muestran la cabeza y las piernas de una figura de perfil, mientras que el ojo y el torso se muestran frontalmente. Este sistema no produce la ilusión de profundidad, sino el sentido de que objetos y su entorno han sido comprimidos dentro de un espacio poco profundo detrás del plano de la imagen.
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Tachismo
El tachismo, es una técnica de pintura practicada en París después de la segunda guerra mundial y a través de la década de 1950 que, como su equivalente americano, la pintura acción, aparece el gesto de la pincelada del artista intuitivo, espontáneo. Fue desarrollado por los jóvenes pintores Hans Hartung, Gérard Schneider, Pierre Soulages, Frans Wols, Chao Wu-chi (Zao Wu-ki) y Georges Mathieu. También, el tachismo fue parte de un movimiento más grande de la posguerra francés conocido como el arte informal que abandonó la abstracción geométrica en favor de una forma más intuitiva de expresión. Así el arte informal, fue inspirado por el enfoque instintivo, personal del contemporáneo americano expresionismo abstracto, del que la pintura acción fue uno de los aspectos.
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Como sus contrapartes estadounidenses, las tachistas franceses trabajaban con un pincel cargado, produciendo grandes obras de amplias pinceladas y de gotas, borrones, manchas y salpicaduras de color. Sus obras, sin embargo, son elegantes y líricas, a menudo incluyen líneas elegantes y colores mezclados. Algunas de estas obras son también de pintores americanos como Jackson Pollock y Willem de Kooning, a quien los artistas franceses modelaron. Los Tachistas eran también menos fanáticos que los pintores de acción desenfadada e inspiración psíquica.
Pintura de Témpera
La técnica es ejecutada con el pigmento en un medio miscible con agua. la palabra tempera de vino originalmente del verbo, temple que significa traer a una consistencia deseada. Pigmentos secos se hacen utilizables con un vehículo vinculante y adhesivo. Dicha pintura se diferencia de la pintura al fresco porque los colores no contienen aglutinante. Finalmente, después del surgimiento de pintura al óleo, la palabra adquirió su significado actual.
La témpera es un medio antiguo, que ha estado en uso constante en la mayoría de las culturas del mundo hasta que fue reemplazado gradualmente por la pintura al óleo en Europa, durante el renacimiento. Así la tempera fue el medio para el mural original de las antiguas dinastías de Egipto, Babilonia, la civilización micénica y China y fue utilizado para adornar las primeras catacumbas cristianas. Era empleada en una variedad de soportes, de las estelas de piedra (pilares conmemorativos), momias y rollos de papiro del antiguo Egipto. También fue utilizada en los paneles de madera de los iconos bizantinos, retablos, la vitela así como en las hojas de manuscritos ilustrados medievales.
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¿Cuáles son los principales géneros de la pintura?
Existen desde la antigüedad diferentes maneras de expresarse los artistas en la pintura, que pudieran considerarse como los diseños establecidos en un conjunto de ideas que tienen estos artistas antes de ejecutar las obras. Algunos de ellos son: los relieves, retratos y autorretratos, paisajes, entre otros. A continuación se hace una descripción de cada una de estas ideas.
Los Relieves
Se denomina relieve de manera general, al conjunto de formas que resaltan sobre un plano o superficie. El vocablo proviene del latín relevare, que significa ‘levantar’, ‘alzar’; también se relaciona con la palabra ‘restos’ cuando se usa con la forma plural en latín reliquiae.
En el Arte, el relieve se considera tanto un diseño como una técnica tanto de pintura como de escultura, que permite crear una obra artística con la sensación de profundidad a nivel tanto óptico, como físico, en un plano o superficie. En la Pintura, el relieve se constituye de salientes que resaltan figuras y que sobresalen en el plano.
Los relieves se clasifican de acuerdo al resaltado y la ordenación de los planos. El altorrelieve es un diseño completo que toca el plano de sustentación. El bajorrelieve tiene un grosor inferior a la media figura.
A lo largo de la historia se han tenido diferentes medios de representación tanto en la pintura, como en la escultura. Buscando determinar la colocación de las figuras en el espacio. Esto se puede llevar a cabo de manera convencional, que se denomina sistema conceptual pero también, puede ser al contrario a través de una representación óptica basada en la visión humana, la perspectiva.
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El retrato y auto-retrato
El retrato apareció en el siglo V a.C en las monedas de los reyes persas. En el retrato, el artista toma los rasgos físicos y de personalidad de la persona a los que le asigna cualidades. Para realizar el retrato, puede centrarse en una parte del cuerpo, generalmente el rostro y establecer relaciones entre el aspecto físico y la personalidad del retratado. El retrato permite hacer una visión profunda y ofrece un análisis más allá de lo superficial. En el autorretrato, el artista se pinta a sí mismo, destacando lo que él quiere que espectador vea y perciba.
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El bodegón y las Vanidades
El bodegón es clasificado en pintura como una naturaleza muerta , es una pintura que representa objetos sin vida en un espacio determinado, tales como animales de caza, frutas, flores, utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, entre otros. También está determinado el bodegón floral, que representa la naturaleza muerta de las flores. En la literatura, se reportan una serie de símbolos con diferentes grados de iconicidad, para representar naturalezas muertas de toda clase y condición, empezando por las más realistas y terminando con las que se acercan bastante a la abstracción. De igual manera, existe otro tipo de bodegón, llamado Vanitas : Vanitas es el término latino que designa una categoría particular de bodegón en el que se usaban elementos de tipo simbólico, relacionados con un pasaje de la biblia del Eclesiastés : « Vanitas vanitatum omnia vanitas » (Vanidad de vanidades, todo es vanidad). El mensaje lo que pretende es transmitir la inutilidad de los placeres mundanos frente a la certeza de la muerte. De acuerdo a este mensaje, no vale la pena acumular objetos y riquezas, pues al final todo se va a quedar en el mundo físico, ya que indefectiblemente la muerte llegará para todos.
El Paisaje
El paisaje es una representación pictórica de escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques. De igual manera, se incluye casi siempre el cielo y el tiempo es un elemento de la composición. Tradicionalmente, la pintura paisaje muestra la superficie de la tierra, sin embargo, pueden haber otros tipos de paisajes, inspirados en los sueños.
Pintura de género
En las bellas artes, el término-pintura de género (obras de género) se refiere a imágenes que representan situaciones y escenas de la vida cotidiana. Temas que incluyen típicamente ajustes internos, interiores, comidas, celebraciones, escenas de taberna o campesinas, mercados y otras escenas de la calle.
En general, la característica principal de la pintura de género es que la escena se presenta de una manera no idealizada, en contraste con el enfoque clásico tradicional de escenas de infusión heroica, de características nobles o dramáticas. También se incluyen dentro de este género, las características del contraste por ejemplo de los personajes sin barnizar en escenas campesinas por Courbet, los personajes idealizados de los pilluelos de calle logrados por el artista sevillano Bartolomé o también las escenas de Esteban Murillo. Sin duda los mejores exponentes del medio fueron en el siglo XVII de la escuela holandesa realista de la pintura de género, dirigida por el gran artista de Delft Johannes (Jan) Vermeer (1632-75).
Como regla general, una pintura de género suele ser un retrato de eventos normales, en el que figuras individuales generalmente juegan un papel importante. Por el contrario, un paisaje típico no contiene un significativo elemento figurativo, mientras que un interior o naturaleza muerta es realmente una escena nacional que contiene un arreglo artificial de artículos. Aún así, todavía se puede argumentar que la callecita (1658) de Vermeer es un paisaje urbano o una pintura de género o que tal vez tenga de ambos artes.
Pintura Religiosa
El arte sagrado cristiano se produce en un intento de ilustrar, complementar y retratar en forma tangible los principios del cristianismo, aunque otras definiciones son posibles. Es para hacer imágenes de las diferentes creencias en el mundo y lo que parece. La mayoría de los grupos cristianos han utilizado el arte hasta cierto punto, aunque algunos han tenido fuertes objeciones a algunas formas de imágenes religiosas, y ha habido períodos importantes iconoclastas dentro del cristianismo. Por lo tanto, el arte más cristiano es alusivo, y construido alrededor de temas familiares para un observador previsto. Uno de los temas más comunes del cristiano es la de la Virgen María sosteniendo al niño Jesús. Otro es el de Cristo en la Cruz. En beneficio de un mayor conocimiento en este campo, un elaborado sistema iconográfico fue desarrollado para identificar de manera concluyente las escenas. Por ejemplo, Santa Inés está representada con un cordero, San Pedro con unas llaves, San Patricio con un trébol. Cada santo lleva a cabo o se asocia con atributos y símbolos en el arte pictórico sacro.
Pintura Abstracta
Los artistas abstractos utilizan un lenguaje visual de la forma, el color y la línea para crear una composición que puede existir con un grado de independencia de referencias visuales del mundo. Por lo tanto, la pintura abstracta no representa una persona, lugar o cosa en el mundo natural, puesto que, no hace ninguna referencia visual. Lo que es muy importante mencionar es que al definir la pintura abstracta, sus creadores no tratan con la interpretación figurativa de un objeto. Sólo se comunican con los espectadores en un intento de comprender la realidad. Por lo que, los artistas abstractos todos comparten una posición común y es que la realidad es subjetiva y depende de un espectador para definirla.
La principal característica de la pintura abstracta es la práctica no-representacional, lo que significa que el artista abarca salidas de abstracción de una representación precisa, esta salida puede ser leve, parcial o completa. Depende del movimiento artístico al que se refiera. En la abstracción geométrica y la abstracción lírica, se puede hablar de abstracción total.
Pintura Realista
En este género de pintura el artista busca presentar puntos de vista no idealizados de la vida cotidiana, en un intento de utilizar el arte como vehículo de crítica social y política. Las escenas esquemáticas, casi periodísticas de la sórdida vida urbana realizada por el grupo de pintores americanos conocidos como los ocho cae en esta categoría. De igual manera, los pintores del arte alemán conocido como Neue Sachlichkeit (nueva objetividad), por el contrario, trabajó en este género realista para expresar el cinismo y la desilusión de la posguerra en Alemania. También los pintores de la época de la depresión conocidos por el realismo Social adoptaron un género realista igualmente áspero y directo en sus representaciones de las injusticias y males de la sociedad americana durante ese período.
En la pintura Realista socialista se utilizan generalmente técnicas de idealización naturalista para crear retratos de trabajadores e ingenieros que eran sorprendentemente similares en su positivismo heroico y su falta de credibilidad realista.
Pintura surrealista
Los artistas pintores surrealistas buscan utilizar el arte para mostrar el funcionamiento interno de la mente, especialmente en lo que respecta a las áreas de la sexualidad y la violencia, ya que se consideran con frecuencia oprimidos. De hecho, estos artistas, pintores a menudo buscan en el psicoanálisis para escarbar profundos sentimientos reprimidos como inspiración. En esta pintura ninguna de las obras tiene una respuesta sólida. De hecho, el arte surrealista tiene algunas características que usted puede notar. Por lo tanto, los pintores surrealistas intentaban introducir conceptos más abiertos, de libre pensamiento que permitirían al común de la gente y a ellos mismos, ser conscientes de sí mismos sin influencia del mundo exterior.