¿Qué es la escultura?
Durante miles de años la escultura, siendo también obras de arte, ha llenado el espíritu de la vida humana. Por lo tanto, la escultura más temprana fue hecha probablemente para suministrar ayuda mágica a los cazadores. Luego en los comienzos de la civilización, las estatuas fueron utilizadas para representar a los dioses. Así mismo, los antiguos reyes, posiblemente con la esperanza de hacerse inmortales, tenían tallados y esculturas de su semejanza.
De igual manera, los griegos hicieron estatuas que mostraban a hombres y mujeres perfectamente formados. Así, los primeros cristianos decoraron las iglesias con demonios y diablos, recordatorios de la presencia del mal de los muchos feligreses que no podían leer ni escribir. Desde sus inicios hasta la actualidad, la escultura ha sido en gran parte monumental. Igualmente, en el siglo XV, se construyeron monumentos a héroes bíblicos en las calles de las ciudades italianas, y posteriormente, en el siglo XX se construyó un monumento a un compositor en el corazón de la ciudad de Nueva York.
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En este sentido, en la escultura como arte, ha predominado el diseño y realización de grandes fuentes con esculturas en el centro que han sido de lugar común al lado de modernos rascacielos como en los tribunales de antiguos palacios. De igual forma, los antiguos sumerios celebraban la victoria militar con la escultura, así como también, los participantes de la II Guerra Mundial también utilizan la escultura para honrar a sus soldados.
Historia de la escultura
La Escultura puede ser la más antigua de las artes, puesto que las personas tallan antes de haber pintado o haber diseñado sus viviendas. Los primeros dibujos probablemente fueron tallados en la roca o con incisión (rayada) en la tierra. Por lo tanto, estos dibujos eran los precursores del relieve de la escultura y también el inicio de la pintura. De igual manera, sólo unos pocos objetos sobrevivieron para mostrar lo que fue la escultura hace miles de años. Sin embargo, hay cientos de ejemplos recientes de escultura realizada por personas que viven en culturas primitivas. Estos ejemplos se cree que pueden ser similares a la escultura prehistórica. Por lo tanto, desde la reciente escultura primitiva y de las pocas piezas sobrevivientes prehistóricas, se puede juzgar que la escultura prehistórica nunca fue hecha para ser bella. Así, la escultura, siempre fue hecha para ser utilizada en los rituales. En consecuencia, debido a la constante lucha del ser humano por la supervivencia, la gente primitiva hacían esculturas para proporcionarse apoyo espiritual.
En este sentido, las figuras de hombres, mujeres y animales, así como la combinación de todos que éstos sirvieron de honor a los extraños y a veces aterradoras fuerzas de la naturaleza, que eran adoradas como espíritus malos o buenos. Extraña forma figuras deben han representado oraciones para hijos fuertes, buenas cosechas y abundante caza y pescado. Escultura en forma de máscaras fue usada por sacerdotes o curanderos en danzas diseñados para conducir a los malos espíritus o pedir favores de los buenos.
Etapas de la Escultura
A lo largo de la historia, la escultura siempre ha sido un hito, ha tenido evolución y un desarrollo importante, puedes ver las distintas etapas de la escultura:
Escultura en el mundo antiguo
Las primeras civilizaciones de Egipto, Mesopotamia, el valle del Indo y China gradualmente desarrollaron formas de escritura alrededor del año 3000 A.C. Las personas de estas civilizaciones, como sus antepasados prehistóricos, también expresaron creencias profundamente sentidas en la escultura.
Escultura Egipcia
Egipto y todo el arte egipcio se basaba en la creencia en una vida después de la muerte. El cuerpo del gobernante egipcio o Faraón, fue siempre, cuidadosamente preservado, también todas sus pertenencias y tesoros eran enterrados con él para atender sus necesidades para siempre. De igual manera, se construyeron las pirámides, grandes tumbas monumentales de Giza, para los gobernantes más poderosos. Igualmente, el Faraón y su esposa eran enterrados en cámaras de corte profundo dentro de los enormes bloques de piedra.
Por otra parte, los escultores egipcios hacían esculturas sentadas y de pie en redondo y en relieve. De allí que, los cambios en el estilo revelan el cambio de las circunstancias. Así, las figuras colosales como las de Ramsés II en la entrada de su tumba en Abu-Simbel, son amplias, poderosas y demandantes. Un pequeño retrato de Ramsés II muestra el acabado liso, artesanía de precisión y elegancia de nuevo arte unido.
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Escultura Mesopotámica
Mesopotamia, que significa, la tierra entre los ríos, tenía una sociedad mucho menos estable que Egipto y carecía de las grandes cantidades de piedra con la que contaba Egipto para la escultura monumental. A menudo, sus ciudades fueron destruidas por las inundaciones y los ejércitos invasores. Por lo tanto, los primeros ejemplos de escultura en esta región se formaron de materiales ligeros, tales como la arcilla horneada y sin hornear, la madera o combinaciones de madera, conchas y hoja de oro. Por lo tanto, un grupo de figuras de piedra de Asmar representan los dioses, sacerdotes y fieles de una manera muy diferente que desde la escultura egipcia. Estas figuras son en forma de cono, con faldas plisadas, cabezas pequeñas, enormes y prominentes narices de ojos grandes y mirada fija.
En este mismo sentido, las esculturas de piedra de los palacios de la ciudad eran pesadamente fortificadas como Nínive, Nimrud, y Khorsabad y revelan el carácter agresivo, belicoso de los conquistadores de esta región, los asirios. En las entradas de los palacios asirios se colocaban enormes símbolos del rey que simbolizaban majestad, también imágenes en forma de monstruos y colosales guardianes de cinco patas, con alas y toros con cabezas humanas. Así mismo, se colocaban dentro de los palacios, losas de piedra tallada en relieve con escenas de cacerías, batallas, banquetes de la victoria, y rituales ceremoniales a lo largo de las paredes inferiores.
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Escultura Egea
De esta civilización sólo se tienen algunos ejemplos de escultura que siguen siendo de la colorida civilización minoica en la isla de Creta. De igual manera se esculpían en marfil y terracota, pequeñas estatuillas de sacerdotisas y diosas serpiente y acróbatas, vasos con escenas en relieve como un ser atrapado en una red o cosechadoras animadas volviendo de los campos mostrando animadas sugerencias de los minoicos en acción. La puerta del León en Mycenae (alrededor 1250 A.C.), con sus dos bestias enormes custodiando la entrada a la ciudad fortificada, es una escultura monumental excepcional de este tiempo. La máscara de oro batido de Agamenón es memorable por su sugerencia de los grandes héroes de las leyendas homéricas. Igualmente, la máscara que fue hallada con tazas de oro, dagas, pectorales y otros objetos en las tumbas y sepulcros del eje de Mycenae.
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Escultura de la antigua Grecia
Alrededor del año 600 A.C., Grecia desarrolló una de las grandes civilizaciones de la historia del mundo. Escultura se convirtió en una de las más importantes formas de expresión para los griegos. La creencia griega de que el hombre es la medida de todas las cosas muestra claramente lo que significa la escultura griega. La figura humana fue el tema principal de todo el arte griego. Por lo tanto, los escultores en Grecia buscaban constantemente mejores formas de representar la figura humana. Por lo tanto, los griegos desarrollaron una figura de pie de un hombre desnudo, denominado la Kouros Apollo. El Kouros sirve para representar dioses y héroes. Igualmente, la Kore o figura de pie de una mujer cubierta, era más agraciada y fue utilizada para retratar doncellas y diosas. La figura femenina con alas, o Nike, se convirtió en la personificación de la victoria. Un hecho trascendente del a escultura griega es que los escultores concentraban sus energías en un número limitado de problemas lo que podría haber ayudado a traer los rápidos cambios que se produjeron en la escultura griega entre el siglo VII y el último 4to siglo A. C. Así, el cambio desde la abstracción al naturalismo, de figuras simples a las realistas, ocurrió durante este período. Por lo que, las figuras más adelante tienen proporciones normales al pararse o sentarse fácilmente en poses perfectamente equilibradas.
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Escultura Etrusca y Romana
La escultura y el arte griego habían sido exportadas a Italia mucho antes que los romanos gobernaran la tierra. Por los siglos 7 y 6 A.C. los etruscos se asentaron firmemente en Italia, por lo que, cientos de objetos han sido y todavía se encuentran en extensos cementerios etruscos. Algunas de las esculturas y muchos floreros son griegos, mientras que otros son traducciones etruscas animadas de forma griega. Muchas pequeñas figuras de bronce de los campesinos, guerreros o dioses demuestran el gran talento de los etruscos como metalúrgicos y escultores. Por ello, Roma se benefició de la doble herencia artística de la escultura griega y etrusca. Así, la inventiva de los escultores romanos fueron agregados a este patrimonio. De igual manera, las contribuciones más importantes de los escultores romanos fueron los retratos.
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Escultura Cristiana
La escultura de este periodo se asemejó al arte de Roma. De allí que los sarcófagos (cofres funerarios) encontrados en Italia son todos romanos en tipo, aunque reciben un significado especial por temas, señales o símbolos importantes para los cristianos. La Escultura, sin embargo, no era una forma natural de expresión para los primeros cristianos. Esto fue así porque uno de los diez mandamientos prohíbe la realización de imágenes (tallado). Así, muchos de los primeros cristianos interpretaban este mandamiento, tal como los hebreos, en el sentido de que consideraban un error hacer cualquier imagen de la figura humana. Finalmente las autoridades de la iglesia decidieron que este arte podía servir cristianismo. Por lo que, fue sólo la fabricación de ídolos (dioses falsos), lo que era considerado como una violación del mandamiento.
Existen relativamente pocos ejemplos de escultura realizada en los primeros 1.000 años del cristianismo. Entre estos raros ejemplos están los altares portátiles, relicarios (contenedores para restos de santos cristianos y mártires), cálices y otros objetos utilizados en los servicios del culto cristiano. Éstos fueron formados con gran cuidado y a menudo fueron hechos de materiales preciosos. Por lo que, los artistas escultores utilizaban el medio frágil y hermoso del marfil de muchas maneras. Habían tallas en relieve para pequeños altares o como cubiertas para los evangelios, la Biblia o libros de rezo. Figuras pequeñas, independientes representaban la virgen y el niño Jesús, ángeles, o Santos.
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Escultura Románica
Un nuevo y brillante capítulo en el arte cristiano comenzó después del año 1000. Para los próximos tres siglos escultores, arquitectos, albañiles, carpinteros y cientos de otros artesanos crean algunas de las iglesias cristianas más impresionantes jamás construidas.
Estos artistas trabajaron en una escala más grande y más audaz de la que había sido posible durante cientos de años. Sus ideas parecían de los mejores ejemplos de grandes estructuras que se sabían de los edificios romanos. El término «Románico» sugiere las cualidades romanas del arte de los siglos 11 y 12. Se realizaron cambios importantes por estos artistas. Así las Iglesias románicas de los alemanes difieren de la iglesia de los italianos y españoles y también de los franceses. Por lo tanto, las Ideas de la pintura, la talla y construcción circularon libremente, lo que para las personas a menudo se transformó en peregrinaciones para adorar estos lugares sagrados en diferentes países.
En este sentido, un ejemplo de escultura románica del siglo XI muestra el camino romano de cómo fueron traducidas las ideas. Las puertas de bronce de la Catedral de Hildesheim tienen diez paneles con escenas de la Biblia. La colocación, a propósito y disposición de estos portones recuerdan claramente las puertas del quinto siglo de Santa Sabina en Roma. Pero los detalles son diferentes.
En este sentido, las pequeñas figuras se colocaron de manera que giren y giren libremente. Así, sus cabezas y manos se agrandan y sobresalen sobre la superficie del relieve.
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Escultura Gótica
Después del siglo XII, la escultura había cambiado gradualmente de las abstracciones claras y concentradas del arte románico a una apariencia más natural y realista. Por lo tanto, las figuras humanas en proporciones naturales fueron talladas en alto relieve en portales y columnas de la iglesia. Como más hábiles los escultores góticos, también adquirieron mayor libertad e independencia. Más tarde las figuras góticas se muestran mucho más realistas que las realizadas durante el románico y los períodos góticos anteriores. Las caras de las estatuas tienen expresión, y sus vestiduras les cubren de una manera natural. Cientos de tallas en las grandes catedrales góticas por toda Europa occidental presentan aspectos de la fe cristiana en los términos que cada cristiano podía entender.
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Escultura Renacentista
En el mar Mediterráneo, sobresale la península italiana, en la encrucijada de varios mundos, que había sido el corazón del imperio romano. Por lo tanto, Roma era el centro del mundo cristiano occidental. Después, el noreste de Italia, especialmente Venecia, se convirtió en la puerta de entrada para el cercano Oriente. Por lo tanto, los artistas italianos no aceptan completamente los estilos góticos que dominaron el arte en la Europa occidental. La razón es que los artistas italianos fueron afectados por los restos de la edad clásica y expuestos a la influencia oriental del arte bizantino. Así, ya en el siglo XIII los italianos plantaron las semillas de una nueva era tal como lo fue el renacimiento. Aunque los elementos del arte Bizantino y medieval contribuyeron mucho a la formación de la escultura del Renacimiento, artistas italianos estaban interesados en revivir el clásico enfoque de este arte.
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Escultura Barroca
La escultura en el siglo XVII continuó siendo tratada con la misma amplia variedad de problemas escultóricos que sus antecesores del Renacimiento, con la figura humana como una forma de expresión. Sin embargo, reaccionaron, contra el manierismo de los escultores de finales del siglo XVI. Trabajaron más bien para lograr un retorno a la mayor fuerza de Miguel Ángel, a la energía y la agilidad de la escultura del siglo XV. Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680) fue, como Miguel Ángel, un artista talentoso de la escultura barroca. En una larga y productiva carrera, él fácilmente se convirtió en la figura dominante en su país y uno de los artistas más importantes de Europa durante un período brillante y creativo.
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Escultura del Rococó
Las cualidades básicas del arte del siglo XVII fueron llevadas adelante en el siglo XVIII pero fueron transformadas para el gusto de una generación diferente. El término «rococó» sugiere la preferencia por efectos más ligeros y decorativos en escultura y en todas las artes. Jean Baptiste Pigalle (1714-85) y Étienne Maurice Falconet (1716-91) muestran la misma destreza técnica que Bernini, pero sus figuras son ligeras y alegres. La habilidad en su trabajo delicado, con su pequeñas, dulces figuras de movimientos dulces y agraciados, representan un cambio notable de la fuerte intensidad religiosa de la obra de Bernini.
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Escultura Neoclásica
La escultura del Neoclásico y Romántico, se consolida en el siglo XVIII, mientras Clodion (1738-1814) y otros escultores del rococós estaban aún activos. Esta dirección, llamada neoclásica busca describir el retorno deliberado a la temática y estilo clásico, duró en fuerza durante casi un siglo. El cambio puede verse en la obra del destacado escultor Jean Antoine Houdon (1741-1828), por lo tanto, la estatua de George Washington podría compararse a un retrato de un emperador romano.
Por su parte, el movimiento romántico fue creciendo, aún cuando muchos artistas aún preferían trabajar en la tradición clásica en las academias. En la década de 1860 el joven escultor llamado a Auguste Rodin fue rechazado tres veces de la École des Beaux-Arts, la Academia de París. Al final del siglo fue el escultor más famoso en Francia y en la mayor parte de Europa.
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Escultura del siglo 20
El siglo XX fue una época de experimentación con nuevas ideas, nuevos estilos y nuevos materiales. Estudios de la figura humana dieron lugar a nuevos temas tales como los sueños, ideas, emociones, así como también el estudio de la forma y el espacio. De igual manera, se utilizaron materiales como el plástico, cromo y acero soldado, así como cajas, piezas rotas de automóvil y piezas de muebles viejos. Igualmente, los escultores del siglo XX, tienen una gran deuda con Rodin, debido a su tremenda producción y variedad que inspiró una nueva generación de escultores para expresar nuevos pensamientos en una forma de arte que había estado repitiendo viejas ideas durante 200 años. Aunque los sucesores de Rodin tienden a alejarse de su realismo y sus temas literarios, sus innovaciones tuvieron una influencia muy importante.
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Escultura Moderna y Posmoderna
Desde la década de 1960, el llamado arte moderno ha sido reemplazado por el arte contemporáneo o el postmodernismo. A diferencia de los anteriores los escultores modernistas y posmodernista de hoy (por ejemplo, los artistas Pop como Claes Oldenburg, Robert Indiana y los artistas Neo-Pop como Jeff Koons, no dudan en utilizar una amplia variedad de materiales, imágenes y métodos de exhibición. Sin embargo, estos estilos tienden a ser más localizados, por lo que, como tendencia actual entre los movimientos del arte contemporáneo está en desconfiar de las grandes ideas y el internacionalismo de los movimientos de arte moderno del siglo XIX y mediados del siglo XX.
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Tipos de Esculturas
Las formas tradicionales básicas de este arte de la escultura son:
Escultura Exenta
Es rodeada por todos lados por el espacio.
Escultura en Relieve
Es de bajorrelieve abarcando alto relieve y relieve hundido, donde sigue siendo el diseño a un segundo plano, generalmente piedra o madera. Ejemplos de trabajos en relieve se aprecian en el arte megalítico, como los grabados de espiral complejo encontrado en Newgrange (Irlanda). De igual manera, se tienen los relieves arquitectónicos góticos aparecen sobre todo catedrales europeas principales del período: testigo de los Santos en el trancept del sur de la Catedral de Chartres y los apóstoles en el trancept del norte de la Catedral de Rheims.
Escultura en Columna
De Trajano en Roma, el templo de Zeus en Olimpia y el Partenón.
También pueden clasificarse por su temática, tal es el caso de las esculturas:
Longitud completa
Las dos versiones del David de Donatello y Miguel Ángel, suele ser un retrato en tres dimensiones de representación de longitud completa de una persona.
De Busto
generalmente representa sólo la cabeza, cuello y hombros, es el caso del busto de George Washington (1788) Jean-Antoine Houdon (1741-1828).
Escultura Ecuestre
Una estatua de una persona a caballo, como la de Giambologna (1529-1608) de Cosimo de’ Medici en Florencia. Tal vez la mayor estatua ecuestre es la del jinete de bronce de estilo barroco de Falconet en San Petersburgo la Plaza decembrista: un monumento al zar Pedro el grande y una obra maestra de ruso de la escultura, aunque creado por un francés.
Escultura de Arte Público
Es el arte de la viva presencia física, es una forma ideal con ejemplos supremos en la cultura occidental siendo algunos de los monumentos más resaltantes: el monumental megalito de Stonehenge, las clásicas esculturas del Partenón en Atenas, el celta alta cruza de Irlanda y en los siglos XII y XIII, la columna gótica de estatuas y relieves de las catedrales del norte de Francia y Alemania.
Legado de la Escultura
Legado de la Antigua Grecia
Aunque el arte de la antigua Grecia todavía conforma las ideas de lo que el arte debe parecer el arte griego clásico en sí mismo fue producto de muchas influencias. El legado de las culturas de los griegos puede verse en las estatuas tempranas, en las figuras de piedra llamados kouroi, o jóvenes que eran comunes. Con su estatura rígida y fuertemente estilizado en el sentido de la anatomía humana, que muestran la influencia de los antiguos egipcios. Por lo tanto, a lo largo de los siglos los artistas griegos desarrollarían su estilo propio, que se esforzó para capturar el cuerpo humano en la forma más realista posible.
El surgimiento de los estados y ciudades griegos y el nacimiento de la democracia en Atenas vieron una explosión en las artes en Grecia, que entró en su edad de oro. Para los antiguos griegos capturar el funcionamiento del cuerpo humano en el arte se convirtió en una muy importante meta de vida y existencia. Algunas grandes pinturas sobreviven a está era, siendo la pintura y la esculturas una demostración de cómo se desarrolló el arte griego. Igualmente, las nuevas técnicas de los artistas que buscaban representar el cuerpo en formas cada vez más realistas, en acción, en reposo, incluso participando en actos eróticos, esta obsesión con capturar el cuerpo humano influyó profundamente en todo el arte que siguió en los siguientes siglos y milenios.
Para muchos el alto valor del arte griego puede encontrarse con vistas a Atenas. Así, el Partenón es uno de los edificios más conocidos en el mundo. Originalmente un templo a la diosa Atenea, el Partenón ofrece columnas cónicas y esculturas extraordinarias, realistas, que tuvo una enorme influencia en el arte. Construido cuando Atenas estaba en el apogeo de su poder, el Partenón se convirtió en modelo arquitectónico para futuras civilizaciones que veneran la cultura griega de la antigua Roma, a Gran Bretaña a la altura del Imperio, siglo XIX, y en Washington DC.
En este sentido, la estatua de la diosa Afrodita en la que el escultor Praxíteles creó la primera estatua de una mujer desnuda de cuya estatua original, sólo se sabe cómo ella se miraba debido a las muchas copias romanas que se hicieron. Apodada la madre de los desnudos, la belleza y la actitud realista de la estatua de Afrodita ha inspirado a artistas en más de 2000 años. Muy imitado por artistas posteriores, la visión de Praxíteles permanece aún hoy en día el ideal de belleza femenina.
Legado del Imperio Romano
Por otra parte, con la subida del imperio romano se vieron a los romanos adoptar la cultura, arte y tradiciones de los antiguos griegos. En el 146 A.C, la victoria romana en la batalla de Corinto indica el dominio de Roma sobre el mundo griego. Los conquistadores romanos abrazaron el arte griego. Por lo que, las características clave de una antigua estatua atlética griega, el Doríforo de Policleto se reestructuró siglos más adelante en la estatua de emperador Augustus. Para los romanos el arte de los griegos supera con creces sus propias artes y decían ser sus herederos naturales. También se separaron del arte griego y todo su vasto Imperio y dejaron huellas para las futuras generaciones a descubrir.
En este orden de ideas, con la caída del imperio romano vio la influencia del arte griego disminuir en Europa occidental. Sin embargo, continuó floreciendo en el este. La parte oriental del imperio romano sobrevivió a la caída de Roma y llegó a ser conocida como el imperio bizantino. Con sede en Constantinopla, la Estambul moderna, se habla griego y aún hay influencias del arte romano con inspiración griega. De igual manera, el arte bizantino, a través de las piezas como la talla de Marfil de Barberini, continuó en el estilo romano y así ayudaron a mantener vivo el legado artístico de los griegos.
Principales representantes de la Escultura
La talla religiosa en madera fue llevado a nuevas alturas durante el renacimiento del norte por maestros escultores como: Tilman Riemenschneider y Veit Stoss, conocidos por su intrincado trabajo en los altares de madera y estatuillas, mientras que la contrarreforma barroca estimula lo supremo como ejemplos de lo católico cristiano en esculturas de la forma de bronce y mármol (entre otras cosas), de Gianlorenzo Bernini (1598-1680), tales como la conocida serie de la capilla de Cornaro (1645-52) incluyendo el éxtasis de Santa Teresa.
Auguste Preault (1810-79) fue excepcional en la adopción de una visión sin concesiones románticas de su trabajo. Emerge de las ocasionales referencias en escritos de la época como un bohemio, un hombre de agudo ingenio que Baudelaire reconoce que el único espíritu acompañado de un cincel. Así, los escritores de la época sentían que la escultura fue el arte menos equipado para la expresión del romanticismo, pero Preault parece haberse establecido deliberadamente para desafiar este punto de vista al plasmar su expresión de intensa emoción personal en el marco de la escultura de la relevación.
Por su parte, Tuerie (1834) carece de un tema claramente definido y su escultura fue concebida como un fragmento, sin embargo, la expresión de la angustia de las víctimas no tiene precedentes en las artes visuales del siglo hasta la escultura de bronce de los burgueses de Calais de Rodin. El relieve de Ofelia (1843), es igualmente sorprendente, fue concebido originalmente en 1843 y para quien no sepa mucho de escultura, podría bien confundirse con una producción del Nouveau art, del arte de este siglo. Se pueden encontrar ecos de la escultura del artista francés del siglo XVI Jean Goujon, pero casi nada de la gran clásica tradición que nutre a sus contemporáneos.
Aristide Maillol (1861-1944) rechazó las superficies ásperas de Rodin y trabajó las figuras lisas de piedra y bronce que parecen descansar en el tranquilo reposo.
Por otra parte, el Arte público secular moderno cuenta con esculturas famosas como la estatua de la libertad, el Picasso de Chicago y una serie de figuras de metal para el centro cívico de Chicago y el Spire de Dublín, conocido como el ‘pico’, creado por Ian Ritchie (escultura arquitectura b.1947). Así, la escultura pública contemporánea continúa desafiando los conceptos tradicionales del arte en tres dimensiones, a través de sus nuevos conceptos espaciales y su uso de materiales cotidianos en las esculturas de forma fija, montadas y creadas en espacios y numerosas instalaciones.
Importancia de la Escultura
En la escultura, algunos artistas ahora utilizan una impresora 3D para crear lo que necesitan para su trabajo. Como forma de arte, la escultura tiene la capacidad de evolucionar y cambiar y a lo largo de los siglos ha pasado de lo clásico a lo abstracto.
En los últimos años la escultura se ha convertido en una forma de arte mucho más prominente, gracias a una serie de obras de artistas como Antony Gormley (Iron Men at Crosby Beach y The Angel of the North).
Razones de mayor popularidad en la Escultura
Una de las razones por las que la escultura se ha vuelto popular de nuevo es porque es mucho más atractiva. Ver una escultura es muy diferente a ver una pintura plana colgada en una pared.
Se puede caminar alrededor de ella, mirar a través de ella, sobre ella o dentro de ella. La gente también está fascinada por la forma en que se crea la escultura. Desde la clásica estatua de David de Miguel Ángel hasta las esculturas de arte moderno que adornan parques y jardines, se utilizan una variedad de materiales que representan una amplia diversidad de ideas e imágenes.
Los escultores han ido más allá de usar piedra, madera, mármol y bronce. Casi cualquier cosa y todo puede ser usado para crear una obra. Algunos artistas ahora utilizan una impresora 3D para crear figuras que se consideran dentro de la escultura como verdaderas obras de arte.
Como forma de arte, la escultura tiene la capacidad de evolucionar y cambiar y a lo largo de los siglos ha pasado de lo clásico a lo abstracto. En el siglo XX ha habido una serie de movimientos diferentes en el mundo de la escultura.
Por ejemplo, a principios de los 50, hubo un movimiento conocido como la Geometría del Miedo, mientras que en los 60 hubo la Nueva Generación. En los 80 hubo la Nueva Escultura Británica y en los 90 la nueva ola de escultores se denominó Jóvenes Artistas Británicos.
Durante siglos el hombre ha confiado en el uso de esculturas
Con el tiempo, el uso de las esculturas evolucionó de tal manera que al comienzo de la civilización, la gente las usaba como una representación de los dioses. Los antiguos reyes que deseaban inmortalizar sus reglas hacían estatuas a su semejanza, y al hacerlo, llevaron al comienzo de la escultura de retratos, un arte que continúa hasta la fecha.
Las esculturas han servido para muchos propósitos durante mucho tiempo, y continúan haciéndolo hasta el momento. Por ello, algunas de las formas en que estos objetos han servido a las diversas áreas de la vida en la sociedad son:
Religión
Una de las formas más comunes en las que la gente ha usado esculturas en el pasado es en asociación con sus creencias religiosas. Mucho antes de que la gente adquiriera el conocimiento para leer y escribir, la iglesia no tenía medios para entregar el mensaje de esperanza y la perdición que caería sobre aquellos que no se adherían a la palabra.
En la antigua Grecia, la estatua de Zeus en Olimpia servía como recordatorio de los dioses. Estaba a una altura de cuarenta y tres metros, gracias a la creatividad y el trabajo duro de Fidias. Su creación tuvo lugar en el 453 a.C., y estaba compuesta por paneles de oro y placas de marfil, cuidadosamente colocadas en un marco de madera, completando una imagen que hablaba al corazón de la gente.
Honor
La escultura de retratos surgió cuando los líderes buscaron formas de simbolizar sus reglas en forma de estatuas. Los reyes tendrían su imagen tallada en materiales que luego colocarían en partes esenciales del reino. Un ejemplo es en Egipto, donde los faraones tenían objetos representativos que servían para mostrar su fuerza en comparación con la del hombre común.
Movimientos Anti-esculturas
En la actualidad se reconoce la escultura como una forma de representación que la gente no sólo utiliza con fines religiosos sino también como un medio para honrar a las personas en la sociedad.
La gente a veces se refiere a los movimientos anti-escultura como Aniconismo, que es la falta de símbolos materiales tanto del mundo natural como del sobrenatural. Este movimiento fue particularmente prevaleciente en las religiones donde hay una creencia en un solo Dios.
La falta de representación puede extenderse desde el poder superior a cualquier otra cosa que exista incluyendo humanos y animales. Esta creencia proviene de las tradiciones religiosas, y por lo tanto el uso de cualquier representación se califica como tabú y por lo tanto no se permite.
Cuando este movimiento está en marcha y trabaja junto con la destrucción de cualquier cosa tabú, se le llama Iconoclasmo, que es una palabra griega relacionada con la no aceptación de imágenes.
Religiones en las que se cree en un solo Dios
En estas religiones no se permite el uso de esculturas. De acuerdo con los contextos históricos, el uso de figuras competía con el estatus único que Dios tenía en la religión. Por lo tanto, los encargados de hacer cumplir la ley tenían que asegurarse de que los humanos críticos, así como los ídolos paganos, no compitieran con Dios por el estatus.
La adoración de ídolos era una amenaza a la naturaleza monoteísta de las religiones y los encargados de hacer cumplir la ley, que incluían a misioneros y profetas, luchaban contra la existencia de las esculturas desterrando su uso.
Sus creencias coincidían con lo que llevó a desterrar a los humanos de los Cielos cuando intentaron construir la torre de Babel, y que los humanos no tenían los mismos poderes de creación que Dios, y por lo tanto el uso de las esculturas era erróneo.
Budismo
Los budistas evitaron el uso de esculturas para representar a Buda. Así, optaron por tener símbolos de un trono vacío, sus huellas, un árbol Bodhi y una rueda de oración. Aunque en sus representaciones a menudo aparecían seres humanos, no tenían nada que simbolizara al Buda.
Este movimiento se ajustaba a los deseos del Buda, donde desalentó el uso de símbolos tras la extinción de su cuerpo. Sin embargo, esto cambió más tarde, y mucha gente piensa que es el resultado de las interacciones greco-budistas. Hacia finales del siglo XX, un historiador de arte salió a desafiar las teorías detrás de las creencias, que hasta la fecha sigue siendo un debate.
Islam
Esta religión prohíbe la adoración de ídolos. Hay una dependencia de los materiales utilizados, por lo que, en muchas sectas fundamentalistas Sunníes, se encuentra que hay un movimiento hacia la no aceptación de las esculturas.
Hinduismo
Mucha gente relaciona la anti escultura con las religiones abrahámicas. Sin embargo, hay algunas ideas compartidas detrás de estas religiones y el hinduismo, ya que sus creyentes siguen el aniconismo. Por ello, los símbolos usados para representar a su Dios son a menudo abstractos, y los creyentes encuentran fácil centrarse en los iconos.
Cristianismo
Hubo muchos casos en los que los creyentes destruyeron esculturas que consideraban una amenaza para el estatus de Dios. Estas destrucciones tuvieron lugar principalmente durante dos períodos. Durante los siglos VIII y IX, los concilios de la Iglesia Ortodoxa, la Iglesia Católica, el Papa y los Emperadores Bizantinos tuvieron una relación complicada donde la idea de la iconoclasia entró en escena.
Judaísmo
El aniconismo estuvo presente en el judaísmo hasta el siglo XIX, cuando abrazaron el uso de las esculturas.